El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

miércoles, 31 de agosto de 2011

El remake de “OldBoy” finalmente parece tener forma. ¿Necesitamos otro remake?


Cuando en el Festival de Cannes del 2004 se presentó el film “OldBoy” nadie podía creer el tesoro surcoreano que estaba proyectándose. Es sin lugar a dudas uno de los mejores films que he visto en mi vida, con una estética que poco tiene que envidiar a otros cines y una historia impecable

Basándose en la vida de un hombre que ha sido secuestrado y permanecido en cautiverio por 15 años, escribiendo ofensas pasadas intentando saber qué hizo para merecerlo.

Cuando se libera, sabe que su mujer fue asesinada al año de que él estuviera encerrado y una llamada le dice que tiene cinco días para encontrar a su captor y saber la verdad.

Tiene un ritmo en espiral que es increíble, una forma de peleas coreografiadas (que espero se mantenga mínimamente en la versión americana) y una estética impecables.

En cuanto a la historia, se supone que es una de las tres partes con temática “venganza”. En este caso está inspirado en un manga japonés del mismo nombre.

El director a cargo el proyecto será Spike Lee, aquel que nos hizo partícipe de un robo a manos de Clive Owen en “El plan perfecto” y va a estrenarse en el 2012. como figura principal tendremos a Josh Brolin que ya nos ha cautivado en “No country for old men” y “True grit”.

Veremos si realmente le hacen justicia a la original.

¿Qué piensan de la tendencia a los remakes? ¿Es la idea de la aplicación de fórmulas típicas del cine de tanques? ¿O es que simplemente usan lo viejo para renovarlo y encontrar otros films?

El silencio de los inocentes, de Jonathan Demme


Segunda parte de la trilogía del personaje de Hannibal Lecter, un psiquiatra asesino que gusta de comerse a sus víctimas, es una de las mejores de sus entregas y donde mejor defendida está, sobre todo, la contra parte. Merece cada minuto que invertís en verla. 

Lo que más llama mi atención es que la historia no se centra en él, sino en su capacidad de interpretar la mente de otro asesino que está suelto y ha secuestrado a la hija de alguien importante. De esta manera tiene mucho más profundidad que simplemente ser un loco: Acá es el loco necesario. 


A través de un vidrio se pasan expedientes, Hannibal coquetea de una forma sádica con Clarisse y parecería que la pecera no lo contiene y que los que están encerrados son los otros. También debe tenerse en cuenta que ella era una cadete, enviada como carnada, entonces el sometimiento a la presencia de él es casi perfecto y la vemos transpirar con cada palabra que le escucha decir al doc. 

La veremos más adelante a esta adorable Jodie Foster pegada a una pared en la oscuridad y una luz verde la dibuja. Está temblando de miedo y alguien que oímos respirar y que nos permite ver a través de sus ojos está esperando. La mariposa ha salido. La transformación de todos está completa. 

Impecable suspenso y un hermoso guión. 

El Padrino, de Francis Ford Coppola


La primera entrega de ésta famosa y monumental saga terminó de formar tal imaginario fílmico que es difícil pensar que alguien no la haya visto. Por otro lado, es del grupo de películas que resulta muy difícil criticar, ya que tiene la mística de ser de los cuentos audiovisuales más renombrados. 

Basada en una novela homónima de Mario Puzzo (advertencia: uno la cierra y sale hablando en italiano), cuenta la historia de las organizaciones mafiosas (familias) en la ciudad de Nueva York post guerra. Tiene la particularidad de combinar elementos del cine clásico con muchos elementos posmodernos: tenemos todos los valores y la moral y la manera en la que combinamos generaciones. Lo posmoderno es el punto de vista porque si el género madre es el Western, y si consideramos que deviene en el policial, el cine de gangsters es lo más revitalizador ya que cambia el punto de vista. 

Cuando la familia Corleone se encuentra con el ofrecimiento para entrar en el negocio del tráfico de drogas, lo rechaza porque el jefe de la familia, Vito, cree que es demasiado sucio. Así es como se inicia una guerra abierta, a plena calle, por cazar el poderío e influencias de esa familia ya que el resto cree que el jefe ya no tiene autoridad.


Con magistrales presentaciones de personajes, vemos a un Marlon Brando silencioso, pausado y encantador como un hombre que ha respondido por los suyos, que construyó su imperio y tiene que analizar en quién deja las riendas. ¿Candidatos? Sus tres hijos: uno violento y sanguinario, otro sin carácter ni inteligencia y otro que nunca quiso involucrarse en los asuntos familiares. Sin mencionar a un consejero que no es respetado por no ser italiano. La lógica del ghetto ante todo. 

Con tomas nocturnas e interiores en su mayoría entrevemos el código, los cuidados y la vida en sombras. Aparece un chaleco con un pez, una mansión que se enciende con los gritos de un hombre que duerme con una cabeza de caballo y hombres que besan la mano de otro y te dejan afuera del mundo que sólo lograste espiar por un rato.

Terminator I y II, de James Cameron


Si hay algo que me encanta de Cameron es que él siempre hace todo a lo grande. Los medios se encaprichan en decir cuánto cuestan sus films, pero en realidad el hombre invierte cada centavo en crear un mundo y una historia que se terminan grabando a fuego en nuestra memoria. Ya hace bastante tiempo se puede dar el lujo de solo dirigir los films que escribe, de manera que sean proyectos que le resulten interesantes y, puede gustarte más o menos, pero no me vas a negar que es muy envidiable elegir cómo y con quién trabajar.
En este caso, hay un mundo que está siendo amenazado por Skynet y un hombre encabeza la revolución de los humanos que no resignan su espacio ni su vida. Este hombre es John Connor y es quien envía a un joven llamado Kyle Reese al pasado porque sabe que Skynet quiere matar a su madre para que él no pueda nacer.

En una alocada Los Ángeles nada te sorprende y sólo cuando todas las Sarah Connor de la guía de teléfonos (y en el orden en el que aparecen) son asesinadas, todo lo demás es historia: sabemos que el T-800 es una amenaza y un protector, que el psiquiátrico no encierra sólo a locos y que sólo la teniente Ripley es más dura que Sarah Connor.

Considero las dos como si fueran una ya que la forma en la cual vinculan ambas es gloriosa. Poder ver a John Connor como un adolescente problemático, la lógica de que Sarah ya no puede relacionarse con este mundo dado lo que ha visto y el provenir catastrófico la hacen de las mejores que he visto en mi vida. Por ende, todas las que le siguieron, una estaca para asesinar a cualquier fan...
Los saludo con el pulgar hacia arriba mientras me desintegro en el fuego.

martes, 30 de agosto de 2011

La Caída del Halcón Negro, de Ridley Scott



Soy muy aficionada a las historias de guerra. Me interesa particularmente cómo pueden crearte imágenes que te sometan directamente a la situación en la que está el personaje mucho más que cualquier otro género. Es ver el horror, quedarse sordo por los disparos, es tener el instinto de supervivencia a flor de piel. “La caída del Halcón Negro” está basada en hechos reales en Somalía en el 93 a partir de una novela homónima y de la mano del gran Ridley, era una apuesta bastante segura.

Frente a una situación en la que el gobierno de facto parecía inminente, Estados Unidos decide enviar fuerzas de elite. Los alimentos que se envían, desaparecen y van perdiendo contacto con las misiones. Es así como envían una de rescate que se supone no podía durar más de media hora.



Pero el terreno es hostil y cuando empiezan a recorrerlo y se corre el rumor de que están ahí, los rebeldes armados estarán listos para tirar abajo el helicóptero (Halcón Negro). Y allí es cuando lo realmente difícil empieza porque el pánico de los locales hace que no hagan distinción entre la guerrilla y los militares, la guerrilla está bien armada y camuflada y lo que parecía iba a llevar nada, termina dejando a hombres en tierra a punto de volar en pedazos.

El rescate de la ONU que no llega, los equipos de visión nocturna que han olvidado, la población como rehén de sí misma y otros varios condimentos más hacen de esta cinta de las más atrapantes dentro de su género. Nadie puede negarle el ritmo vertiginoso.



Con un magistral uso de la cámara en mano, el espectador se ve inmerso en la acción y la batalla mientras sentimos caer bombas y la adrenalina de ser carne de carroña en una ciudad en la que los malos y los buenos no se distinguen tan fácilmente. Maravillosas interpretaciones de Bana y McGregor.

Es una lección de humildad de que no hay guerra que sea un trámite y que nunca es la respuesta ni la forma de llegar a la paz.


Sin City, de Robert Rodríguez


Frank Miller es, sin dudas, uno de los escritores más maravillosos de la Era Oscura del Cómic. Sus espacios cínicos y decadentes hacen de cada viñeta una obra de arte. "La ciudad del pecado" es un compendio de miserias humanas que en cada historia muestra la esencia de Miller. 

La versión cinematográfica de Rodríguez logra ese mundo descarnado desde lo visual, respetando la estética que se vio enla novela gráfica y, con excelente mano, maneja un elenco titánico en función de pintar con relatos corales una ciudad muy, muy turbia.


Una vorágine de personajes y un abuso de la voz en off del narrador, las historias se van cruzando en esa realidad violenta, pervertida y sádica en la que hombres y mujeres fuera de la ley intentan sobrevivir. Hay una naturaleza violenta y reprimida en cada uno, sombras que se convierten en objetos más importantes que el actor en sí mismo y muertes sencillas y sobrevivientes complejos.


Es un mundo irreal que tiene sus propios códigos estéticos y morales, por lo que el espectador debe entregarse a ellos para disfrutarla. Claro que encontrará incoherencias, claro que sentirá por momentos que cosas amarillas huelen tan feo que traspasa la pantalla, pero en esta ciudad que ha pasado de Basin a Sin usted podrá encontrar todo tipo de pecados.

¿Qué tienen en común “Sin City 2”, “Dirty Dancing” y “The Gambler”? Fácil, los comentados guionistas


Aparentemente los guionistas están haciendo noticias esta semana. Por un lado se anunció que “Sin City 2” ya tiene guionista asignado, por otro que “Dirty Dancing” también y el guionista original de un proyecto de Martin Scorsese está indignado por lo que aparentemente van a hacer con él.

Antes que nada, me gustaría remarcar la importancia del guión. Sé que todos estamos cansados de las historias chatas y que buscamos constantemente algo interesante que se cuente en el cine. Ningún proyecto de ficción puede nacer sin él, es la base absoluta de la industria cinematográfica y uno de los escritos más raros que van a encontrar porque cuando uno lo lee, lo está viendo.

Era importante decir esto porque por más que registremos a actores y directores por sobre guionistas, también extrañamente le damos más valor al director que además escribe, entonces todos sabemos que pase lo que pase la película es un relato audiovisual, por ende, debe cerrar en todos sus aspectos.

En el caso de “Sin City 2”, la novela gráfica de Frank Miller que ya se llevó a la pantalla en el 2005, la adaptación estará realizada por William Monahan, quien ya estuvo a cargo del guión de “Los infiltrados” y que está dando sus primeros pasos en la silla del megáfono. La verdad es que el proyecto está muy verde y los anuncios tampoco implican mucho. Como les dije, el guión es el primer eslabón de la cadena y aún queda mucho por decir.


El (nada necesario) remake de “Dirty Dancing” estará a cargo de María Marggenti, o sea la responsable de la película de Selena Gomez, “Monte Carlo”. Bien, sabemos que la primera versión del film era un poco rosa, una heroína poco creíble y demás pero que funcionaba, sobre todo por la genial banda sonora. La dos, con Diego Luna, bueno…era simpática. De esas películas que pueden ser para un domingo lluvioso por cable, digamos. Ahora tenemos la certeza de que el remake de la original va a ser una cosa cual Disney y 100% insulsa que aparentemente van a bailar mucho. Mm, ni siquiera me parece que cuadre el aborto ni las relaciones. En fin, era poco necesaria antes, ahora me parece una tortura.

Respecto a “The Gamer”, la nueva adaptación que quiere hacer Scorsese y por la cual ya contrató a DiCaprio (quien, por cierto, se bajó del proyecto de “Nace una estrella” por el embarazo de Beyonce y porque se dio cuenta de que no iba a funcionar mucho), está basado en un caso real cuyo autor original no fue consultado.

Bueno, el hombre se indignó por enterarse a través de la prensa y dijo un par de comentarios un poco ácidos. No sólo en Argentina la gente hace este tipo de cosas con tal de tener un mínimo espacio en los medios.

¿Cuáles son los mejores guiones que recuerdan? Si tengo que empezar yo: como adaptación me parece que la saga de “El señor de los anillos es impecable” y como original me quedo con “El eterno resplandor de una mente sin recuerdos”. Además, no puedo dejar de lado a "El apartamento" y "Sunset Boulevard
".

lunes, 29 de agosto de 2011

Los verdaderos camaleones: Kate Winslet



Cuando James Cameron la seleccionó para Titanic dijo que fue porque tanto ella como Leonardo Di Caprio habían sido nominados para un Óscar antes de cumplir los 23 años. Lo que no sabían era que estaban construyendo un mito y lanzando definitivamente la carrera de ésta actriz de la que hoy vamos a hablar.

De nacionalidad inglesa, nos ha cautivado con profundos roles dramáticos y hoy vamos a dedicarle este breve homenaje a su carrera por ser de los mejores talentos de su generación.

Proveniente de una familia de actores dramáticos, su educación empezó en las tablas a corta edad, enfocándose en el audiovisual a partir de 1991 con sus primeros pasos en la televisión. Sólo tres años más tarde ya estaría hechizándonos con su rol en “Criaturas Celestiales”, bajo la dirección de Peter Jackson.

En ésta interpretación Winslet nos entrega a una Juliet intensa, cerca de las pasiones y fantasías de lo más dramáticas. En la piel de una niña de quince años que descubre el amor con una amiga, enfermará, se levantará y encontrará la forma de liberarse para poder estar juntas. Ese juego de las interpretaciones de la actriz en los que es muy carnal e impulsiva y al mismos tiempo se denota mucha vulnerabilidad se convirtió, a mi criterio, en el sello de su trabajo y en la razón por la cual siempre nos moviliza.
En 1995 llegó con “Aventuras en la corte del Rey Arturo” que es un film bastante olvidable en el que interpreta a una princesa de la época. No fue el proyecto más interesante en el que estuvo involucrada pero tampoco hace ruido. Ese mismo año se estrenó Sensatez y sentimientos, basada en la novela homónima de Jane Austen, adaptación que le valió a Emma Thompson un Óscar de la Academia como “mejor guión adaptado”.

Winslet interpreta a Marianne Dashwood, una joven que cree que el amor es para toda la vida, que depende del enamoramiento pasional y que cuando el corazón siente, la razón no manda. La contraposición con el personaje de Elinor crea la dinámica de la historia y fue casi imposible enamorarse de ella. Los extremos en los que está el personaje, con grandes toques de dramatismo. El rol de Marianne le valió su primera nominación a los premios de la Academia en la categoría de “Mejor Actriz de Reparto”.

Un año más tarde llegaba con “Jude”. Interpretando a una crítica y fuerte mujer, Winslet nos deja a una Sue muy femenina y al mismo tiempo sabiendo lo que quería y podía pedirle al mundo. Encuentra al amor de su vida lejos de su marido, pierde a sus hijos, a su vida y se apaga bajo el yugo de una sociedad dispuesta a señalar y condenar. Una madre y esposa abnegada más allá de lo que dicen los papeles y ley que nos ha dejado marcados a fuego. La magnolia de acero había empezado a surgir en la carrera de la actriz.

En 1996 llegaría la adaptación de Shakespeare “Hamlet” en la que haría de la adorable y frágil Ofelia. La mujer que se deja seducir y que luego ama nos deja una memorable escena envuelta en una camisa de fuerza como acto absoluto de desesperación y despecho.

Sería el año siguiente cuando llegaría a las salas el fenómeno mundial que significó “Titanic”, dejando a la luz de todos, los secretos de un mítico barco y la historia de amor más tierna de los 90s. Representando a una chica que no sentía pertenecer a donde estaba, cargando la responsabilidad del futuro de su madre y de ella en la obligación de casarse con un hombre al que no ama, da esa sensación de dar manotazos de ahogados buscando la libertad, la chance de expresarse como la mujer que era, con su sexualidad y su cerebro. La convirtió en un clásico, en una belleza en la que la dulzura era su rasgo más destacado y la que más tiempo mojada estuvo en toda la década.

En 1998 se estrenó "Hideous Kinky", en la que Winslet nos entrega a una madre soltera que se muda a Marruecos desde Londres con sus dos hijas. Julia es una mujer que tiene un par de sueños hippies y ganas de encontrar el amor, de reconectarse con lo espiritual y lo hace de tal manera que sus hijas terminan siendo el rehén de éstos sueños. Termina siendo una aventura, momentos de romance y una mezcla que no termina de hacer una buena película. Tal vez por eso la interpretación de Winslet no llama particularmente la atención.

Ese mismo año se estrenó “Holy Smoke” que es el intento de crear una relación de amor platónico que el momento carnal no hace más que confirmar el sentimiento. Cuando una joven tiene que ser “exorcisada” después de haberse sumado a un culto en la India, mantiene sesiones con un terapeuta en las que el amor, el fanatismo y la pasión aparecen como traídos por lo divino. Es una película poco lograda, la verdad olvidable.

En el 2000 llegaría “Letras prohibidas” en la que interpreta a una lavandera que trabaja en el manicomio en donde está encerrado el Marqués de Sade.

Kate es Madeleine, y es quien ayuda a que estando encerrado, aún pueda seguir publicando sus relatos el Marqués. Se establece un triángulo amoroso tortuoso con el cura que regentea el lugar. La idea del delirio artístico, de la escritura como catarsis y la inocencia de la juventud mezclada con el placer del tabú condimentan este drama y forman el clímax amargo que lo culmina.

En el 2001 llega “Enigma”. En ésta película ambientada en la Segunda Guerra Mundial, los secretos y las investigaciones llevan a un grupo de ingleses a buscar decodificar el código de la máquina Enigma en orden de detectar los submarinos rusos. Kate interpreta a Hester Wallace, que entra en escena como la ayuda para el personaje principal en cuanto poder comprender el rol que ha cumplido una amiga en común e intentar descubrir si es una doble agente. De compañera de aventuras, a objeto de deseo y todo mientras corre el reloj. No es un gran film, pero es correcto.

Ese mismo año estrenó “Iris” en la cual interpreta a la versión joven de, nada más y nada menos, de Judi Dench en la que encarna a la escritora Iris Murdoch en sus primeros años en los que conoció a su marido. Nos deja una mujer imperiosa, una mente apasionada y cómo la factura del tiempo la va desgastando a ella y a sus recuerdos. Un planteo e historias tiernos.

En el 2003 llega junto a Kevin Spacey en “La vida de David Gale” en la que encarna a una periodista que entrevista a un hombre que está condenado a la pena de muerte y antes era activista en contra de ella. Hay una búsqueda, un cambio, una mujer irónica que cambia de escéptica al activismo y a la lucha por los ideales y en contra de un sistema que se destruye a sí mismo. El film tiene un mensaje fuerte y si bien los actores funcionan en el relato, no se destaca uno sobre el otro, si no son más bien los momentos que se crean los que terminan de delimitar el impacto del argumento.

En el 2004 llegaría la maravilla de Michel Gondry “El eterno resplandor de una mente sin recuerdos”. En un retrato sobre las relaciones, sobre lo difícil de sobrevivir del paso del enamoramiento, al amor, al desgaste y encontrarse de nuevo. Winslet nos trae a una Clementine en que está atrapada en una idea de sí misma que no puede tolerar, que se obliga a cambiar para no verse nunca apagada y que ama y odia apasionadamente. De las mejores interpretaciones que vi en la actriz y de las películas románticas mejores resueltas que recuerdo.

Ese mismo año acompañaría a Johny Depp cuando se calzó las calzas de James Barry, contando la vida del escritor cuando iba a escribir “Peter Pan”. Kate es Sylvia, una viuda, madre de tres hijos que vive con su madre, con pocas comodidades y pocas alegrías, pero ha permanecido fuerte y enérgica ante todo, como una luz de esperanza y un hada madrina. Como tal, tiene de las más mágicas catarsis que uno puede llegar a pensar.

En el 2005 llega “Romances y cigarrillos”, en la que no sólo demuestra saber cantar si no que además hace gala de todo su sex appeal para ponerse en la piel de Tula. Con gran casting, pero mucho ruido y pocas nueces, la verdad.

En el 2006 llega “Secretos íntimos”. El concepto de mostrar a partir de un pueblo pequeño cierta cantidad de problemáticas sociales no es nuevo, pero funciona. Kate Winslet hace de Sarah, una mujer que está decepcionada de su vida porque su marido le da lo mismo, los quehaceres no la dejan terminar de estudiar y quiere a su hija pero hay días en los que no la soporta. Se encuentra con un hombre que está tan desesperado por escapar a su vida como ella y terminan así enroscados en un romance con pocas probabilidades de salir bien o de llegar a algo mientras un ex convicto por pedofilia está de vuelta libre. La psicosis que genera en la piscina del club es muy clara respecto a lo que el pueblo pensaba de él y, al mismo tiempo, lo ponen a él en la tortura de no poder dominarse. Es un planteo poco profundo, poco sociológico y poco psicológico pero como relato cumple.

El mismo año se estrena el remake de “Todos los hombres del rey”. Si dejara este espacio sin escribir nada, sería exactamente lo mismo porque no es un film que haya cumplido en ningún aspecto. Tal vez fotografía y vestuario, pero no mucho más. Me dio la sensación de que le hacía falta un golpe de horno para terminar de estar lista.

Pero, como el año fue bastante activo, también nos trajo a una Iris, pero ésta vez una que cambia casas con Cameron Díaz por dos semanas. En “El descanso”, Kate Winslet nos demuestra que el amor no correspondido puede ser de los peores y ella es una especialista. Mientras su personaje se busca a sí misma, descubre el Hollywood clásico y la mística que tenía. No fue el rol más logrado en la carrera de la actriz y hay momentos en los que resulta sobreactuada pero se deja ver.

En el 2008 llegó "El Lector". La historia sobre ese amor platónico adolescente y la verdad con la que se encuentra años después va transformando el relato y a ella, que la vemos a través del personaje principal. La película está bien lograda y la tensión y el dramatismo suben a cada instante. De todas maneras, ella se destaca por sobre el resto sin mayores problemas. Era el centro de ese universo.

Y después de tanto calentar el banco como nominada, ese año también hizo “Revolutionary Road” y logró ganar el Globo de Oro en las categorías de “Mejor actriz” y “Mejor actriz de reparto”. En éste proyecto en la que la dirigió su ex marido, Sam Mendes, Kate vuelve a hablar sobre la crisis de un matrimonio cuando un día se da cuenta que sus sueños y proyecciones se han esfumado en eso porque no han llegado a concretarse. La magia del director y la química de la pareja principal permite que el relato tenga momentos de felicidad y euforia, para caer en picada. La gente suele elogiarla mucho a ella y no creo que esté equivocada en su construcción de personaje, pero Leonardo Di Caprio, quien hace de su esposo en la cinta, realmente es quien sostiene todo el cuento. Y lo hace de una forma magistral.

Por una cuestión de política, la Academia de Estados Unidos no nomina a una misma actriz en ambas categorías, por lo cual eligieron “el lector” ese año. Se ve que estuvieron bien parados, porque en un caótico discurso de agradecimiento en el que hasta el padre silbó, Winslet dejó de calentar el banco y se hizo finalmente con la estatuilla.

Este año está por estrenar dos films que tienen buenas perspectivas. Por un lado “Un Dios salvaje” de Roman Polanski, basada en la obra de teatro. Compartirá papel con nada más y nada menos que el monumental Christoph Watlz, Jodie Foster y John Reilly. Por otro lado está “Contagion” de Steven Sodenberg en la que se recreará una epidemia y el reparto que tiene creo que va a eclipsar hasta a la epidemia en sí.

Para el 2012 la veremos en “Movie 43” que son cortos de comedia, presentadas al estilo de “New York I love you”.También se está rumorean
do que va a participar en la película “Americana”, a estrenarse en el 2014 ambientada en la Guerra de Secesión.

Así es como esperamos que ella vuelva cada vez que ella termina de desaparecer en pantalla. La magnolia de acero por excelencia, la mujer que sobrevive a todo y sigue siendo dulce y pasional.

viernes, 26 de agosto de 2011

Filmar “la realidad”

Los documentales son una cosa extraña en el cine y les voy a decir por qué. La gente lo consume como si fuera la verdad absoluta, cuando no hay documental que no tenga una construcción y, por ende, que no sea en parte ficción.

El cine, es cierto, nació con una intención de arte de feria que lo hacía filmar cosas de la vida cotidiana con el objetivo de exaltar la ilusión de la imagen en movimiento, lo que algunos teóricos dicen que denota su inclinación hacia el documental. Voy a tomar una idea de Susan Sontag cuando dice que la cámara viene a ser una imitación del ojo entonces es un recorte de aquello que está frente a ella. Todo lo que muestro queda opacado por lo que no muestro y, desde este punto, hay cosas menos objetivas que la construcción de un documental.

Claro que tiene que ver con estar frente al ensayo de alguien que quiere mostrar una temática y justificar su postura, sin que sea una tendencia maquiavélica para engañar al público, simplemente que como tales debemos aprender a no consumir la ficción ni el documental sin un análisis que es relevante.

La tendencia y la manera de contar influyen directamente sobre la visión que tengamos del mismo y, al menos que uno conozca el hecho y tenga una postura tomada, se va a ver, tal vez, expuesto al razonamiento del otro y a tomarlo eventualmente como propio.
Los documentales también tienen guiones, tienen efectos especiales, usan primeros planos para conmover y si la música de Cinema Paradiso no estuviera tan quemada, la usarían tantas veces como los noticieros locales.

Hay grandes corrientes estéticas que se las debemos a los documentales, grandes imágenes que nos han marcado. Por eso, debajo les dejo ocho de los mejores que vi que son de lo más diversos…para que se impregnen de realidad disfrazada de realidad cuando es ficción.

Bowling for Columbine, de Michael Moore


Un relato cruel a partir de la masacre de Denver en la que unos chicos entraron armados al colegio, tirando a quemarropa. El problema que trata esta película no son ésas muertes en particular, sino el fanatismo de una sociedad por tener armas en las casas.

Cocalero, de Alejandro Landes


El director sigue a Evo Morales en sus viajes al interior, retratando la vida en los pueblos cocaleros de Bolivia y las tradiciones de la tierra.

Memorias del saqueo, de Fernando Solanas


Solanas cuenta lo que ha quedado en Argentina después de los 90s, de cómo hemos ido arrastrando deudas y persiguiendo espejismos para dejar al país casi desnudo.

Tire dié, de Fernando Birri


Uno de los primeros documentales de Argentina en la que se muestra el trayecto del tren de Santa Fe y cómo al pasar por una villa miseria, los chicos piden a gritos que tiren monedas. Una imagen que seguimos viendo hoy y cómo los chicos han perdido su espacio de niños porque tienen que buscar la forma de comer.

El ultimo vals, de Martin Scorsese


Este film muestra al último concierto de una de las bandas más emblemáticas de los 60s, que se despedían de los escenarios en conjunto. The Band no volvería a tocar desde que fue inmortalizada por la cámara. Pero esto le sirvió de punto de partida nada más, ya que el film entero es un poema a la música como estilo de vida, con las rutas inmensas y los acordes volando en el aire.

El triunfo de la voluntad, de Leni Riendestahl


Es realmente espantoso el efecto que hace el ver imágenes tan monumentales de un movimiento que todos sabemos cómo ha terminado pero tenía el punto de adoctrinar a miembros del partido y vender la idea del nazismo. Uno nunca debe olvidarse de éstas cosas, si se olvida que han sido votados, aclamados y apoyados, tal vez así no volvamos a verlo.

El café de los maestros, de Miguel Kohan


Inspirándose en “Buena vista social club”, Gustavo Santaolalla nos invita a recorrer éstos acordes de un tango y de un Buenos Aires olvidado o que se está cubriendo de polvo. Realmente, para que a uno se le encoja el corazón al escuchar sus historias de bares y milongas, de los caballos y la timba.

Woodstock, de Michael Wadleigh


Woodstock fue el clímax del movimiento hippie: poder tener a toda esa gente conviviendo durante tres días en paz y armonía significó la expresión absoluta del hipster. Contando aspectos como que estaban rebalsados de gente, que llovió durante la mitad del tiempo y los cantos que hoy seguimos haciendo tienen que ver con lo que ha nacido allí. Nunca la música fue mayor testigo de la juventud, ni mejor banda sonora.

jueves, 25 de agosto de 2011

Los hombres que andan por ahí

En ésta nota se festejarán los estereotipos del cine, para analizar aquellos hombres que andan por el fílmico y que cumplen a raja tabla con lo que han venido a hacer.
¿Por qué existen? Se los usa porque a grandes rasgos, cumplen y responden a un género cinematográfico y gracias a eso se van desarrollando una serie de tics o clichés que se ajustan a un tipo en particular.
Hay actores que nunca pudieron desprenderse de esto y que se quedaron pegados al personaje y otros que pasan y miran y nada más.
También hay que tener en cuenta la crisis de ideas que hay en el cine. No podemos pasar por alto el número de remakes que se están haciendo y no todas de grandes películas. En esto, el estereotipo también funciona porque es un chico de cierta forma A conoce a chica de cierta forma B, se pelean (siempre en ese momento llueve) y después se persiguen al aeropuerto para ser felices hasta los créditos finales.
Debajo, les dejo los típicos. Voy a elegir de los mejores así la nota nos parece más interesante.


El duro


Por ejemplo, Bogart en Casablanca
OK, hay pocas personas más duras que este hombre. Tiene un pasado desconocido y lo han herido, se nota. Ha amado con toda su alma y algo no salió bien lo cual lo hace inalcanzable para la mujer. Esto funciona a raja tabla, aparentemente hay pocas cosas más atractivas que ser ignoradas.



El mejor amigo
Por ejemplo, Jack Lemmon en "Some Like it Hot"
El chico no particularmente atractivo que está siempre a disposición del/la protagonista. Capaz de los mayores sacrificios o de acompañar en lo que no está de acuerdo. Tenemos de todos los tipos, de los más nerds, de los más tontos y de los soldados. Creo que hay pocos films capaces de hablar del compañerismo y la camaradería mejor que los bélicos.



El malo


John Doe de Seven
Aquí vamos a entrar en terrenos un poco caricaturescos pero si hay un estereotipo que vale es el de saber que este hombre es o nazi o ruso, que quiere atentar contra el sistema y que será detenido por un americano. Después tenemos esas raras construcciones en las que hay sádicos que disfrutan de poner a la gente contra la espada y la pared sin demasiadas razones qo responden a un estilo marcado necesariamente y se convierten en hitos. Uno de ellos es el John Doe de Pecados Capitales.


El viejo ermitaño
Sean Connery en "Descubriendo a Forrester"
Cada tanto aparece un personaje que guía al protagonista que parece que lo encontraron en una excavación arqueológica y termina formando un lazo fuertísimo. La idea es que frente al joven que nada tiene que temer y todo tiene que aprender, el hombre se enternece y se va reintegrando a la sociedad.

El musculoso que no tiene una idea


Brad Pitt en "Quémese después de leer"
El prototipo de entrenador de gimnasio que presentó Brad Pitt en “Quémese después de leer” es exactamente lo que tenía en mente cuando anoté este “tipo de personaje” en el que lo único que importa es el deporte, siguen a muerte a los miembros de su equipo pero no tienen mucha materia gris con lo que ayudar. Se ve que casi todos los guionistas se sienten nerds y malos para los deportes, porque éstos personajes son antagónicos y siempre pierden.

El científico que sí o sí es nerd


Emmet Brown de "Volver al Futuro"
A ver, hay gente que sabe de cosas que no tiene por qué tener problemas para socialbilizar ni para interactuar con gente, ni usa anteojos. Pero seamos sinceros: se ajusta muy bien al cine.


El tipo Común
Joseph Gorden Levit en "500 días con ella"
Muchas veces cuando vemos al protagonista sentimos como que se nos tienen que caer las medias porque aparezca no más. Ahora hay una tendencia a que el objeto de deseo no sea ni el más fachero, ni el más inteligente, ni siquiera el que mejor futuro tiene: apareció el tipo normal, que simplemente es buen tipo y nos cae bien.


El galán

Gerry Butler en "PD te amo"

A nadie le importa si este tipo actúa, es precioso y listo. Se hace el duro por momentos, el gracioso por otros y siempre nos tiene a todas suspirando. Nadie lo vio en la vida real, él es un mito pero en los flims me tiene masticando entre sonrisas a millones de pochoclos.

¿Me faltó alguno? ¿Ustedes qué piensan?

miércoles, 24 de agosto de 2011

Spotlight on: Batman, the dark knigth rises



Como siempre, en esta sección del blog nos enfocamos en hablar de los tanques que prometen mucho y que sus producciones son muy comentadas aún antes de llegar a la cartelera.

Nolan ha hecho de Batman el personaje real del cómic que mucho dista de un simple filántropo que se quedó sin padres y por eso sale a cazar malos, sino que es un hombre en busca de ser algo, de convertirse en un símbolo, cosa que puede llegar a convertirse en su tumba. Hemos visto cómo fue rompiendo los lazos con Bruce Wayne porque, después de todo, uno no puede ser todo en ésta vida. El Guasón lo ha puesto contra la espada y la pared y se ha encontrado cara a cara con lo más humano que tiene y no por humano es bueno.

Así es como estamos todos comiéndonos las uñas esperando a que Christian Bale salga con esa voz procesada por las calles de Ciudad Gótica y nos cuente cómo el outsider prevalece sobre el héroe: sí, creo que vamos a ser testigos de cómo va a caer Batman.



Éstos grandes tanques suelen tener contratos para tres películas y es lo que da continuidad por un lado, pero no estanca a estrellas por otro, lo que significa que es la última vez que vamos a ver al Batman de Nolan.

El estreno oficial está pautado para el 20 de julio del 2012 en Estados Unidos, pero dada la expectativa mundial, es probable que sea un estreno mundial.

En ésta entrega tendremos a muchos roles nuevos con interesantes actores. Está la adorable Marion Cotillard como Miranda Tate, Tom Hardy como Bane, Anne Hathaway como Selina Kyle (Gatúbela) y Joseph Gordon Lewitt como John Blake.

¿Quién es quién? John es un policía que trabaja con Gordon, Miranda es miembro de Wayne Enterprises que lo ayudará a seguir con las buenas obras de su padre, Gatúbela es una ladrona ambivalente que el 90% del tiempo no se sabe si es buena o mala (seamos sinceros, le falta un golpe de horno para ser una mala al estilo Guasón, pero siendo Nolan, veremos y luego diremos) y Bane es mucho más complejo.


Siendo que estuvo desde niño en la cárcel porque tuvo que cumplir la cadena perpetua de su padre, Bane ha leído tanto como pudo, se ejercitó tanto como pudo y se presentó para un experimento de una droga que lo hizo no sólo resistente a ella, si no que mucho más fuerte.

En realidad, todos sospechamos que The Joker aparecerá de alguna manera, sobre todo porque uno de los afiches promocionales son de una chica vestida como una aprendiz de él y de ésta manera a lo mejor se puede recuperar material eliminado y hacer una escena más de esa genial interpretación. Por otro lado, Gordon Lewitt se pensó para que hiciera del hijo de Falcone…que era un rol infinitamente más oscuro (y el cual no podía esperar para ver de él porque creo que es un chico que mucho tiene que prometer y cumplir) pero no, le dieron algo a la sombra de un grande como Oldman y bye bye participación interesante.

Juno Temple será Holly Robinson, quien es amiga y ladrona al estilo de Gatúbela. Todavía no entiendo mucho el punto de su inclusión, pero confiemos en Nolan.

En cuanto al guión, le ha encontrado una vuelta de tuerca muy interesante al cine cómic de Super Héroes. Seamos sinceros, antes la acción empezaba y terminaba y siempre salvaban el mundo de los malos porque ellos eran los abnegados héroes. Gracias a esta nueva interpretación podemos ver un cine más cercano al policial negro, donde hay una dosis interesante de amargura frente a la sociedad, al sistema y al ser humano. Si el supuesto “bueno” no tiene poderes sobre naturales, tampoco lo tienen los villanos y sin embargo eligen hacer todo ese mal. Es un mundo errático y oscuro y no tiene por qué tener un final concreto.

Dije esto último a causa de haber leído que era clarísimo que iban a hacer una tercera porque la anterior quedó abierta. Lamento decepcionarlos pero no creo que ésta deje un final cerrado a menos que Batman muera y considerando la elección de personajes, eso no va a pasar. Pero tiene sentido, después de todo es el retrato de un momento en la vida del personaje.

El escenario también cambió: ya no será Chicago Ciudad Gótica, sino Los Ángeles y Pittsburg.

No será una entrega en 3D pero se está pensando en un formato IMAX. Creo que puede valer cada milímetro de cinta…

Realmente, no podía estar fuera del Spotlight on. Es uno de los personajes más interesantes del cómic y está teniendo, finalmente, el carácter serio que se merecía. Nolan me parece uno de los directores más peculiares de su generación, con un sello propio y lleno de agallas para no tomar el camino seguro, sino comprometerse con una historia.

lunes, 22 de agosto de 2011

“¡A los botes que esto se hunde!” El cine catástrofe, tipología y pelis claves




Si hay algo de lo que me río siempre es de las fuentes de inspiración. La nota de hoy viene de que por irme tres días no pude frenar el ingreso desmedido de agua a mi casa a causa de que se desbordó el tanque de agua. Eso significa que he perdido zapatos y partes enteras del piso flotante que ahora está plagado de burbujas. 












Terremoto, de 1974 con Charlton Heston y la diosa Ava Gardner que intentaban salvarse en Los Ángeles. Los teóricos dicen que el uso excesivo de maquetas para este film termina mostrando el agotamiento del género. En realidad, eso puede verse simplemente como que todo género “puro” se asfixia a sí mismo y la forma de renovarse puede ser lograr hibridarlo con aventuras, thriller, romance y demás. En vez de esto, la solución que encontraron fue la de hacer remakes…bueno, rara vez las segundas versiones superan la primera. Algunos de éstos fueron Huracán y Poseidón.

Ésta primera etapa termina con la parodia “¿Y dónde está el piloto?”. La vuelta de tuerca se da con la idea de aventuras en la que las catástrofes terminan permitiendo a todos salir ilesos del mal rato. Algunos ejemplos son “Titanic”, “Jurassic Park”, “Impacto Profundo”, “Tornado”, etc. 

Años más tarde, con los atentados del 2001 a las Torres Gemelas, se reversionarían los tópicos básicos. Dejando de lado que ahora no será el desastre natural, ni la amenaza a la raza sino un terrorista que intenta quebrar al orden del mundo y que afecta a los civiles por sobre todo, ésta nueva rama del cine catástrofe cambia la figura del héroe que en vez de ser el americano modelo, será uno lleno de miedo e inseguridades y que nada garantiza que sea exitoso en su empresa. Por otro lado, su propia temática apunta a lo peor y lo más bajo de los sentimientos humanos en los que se puede ver a una persona como un daño colateral o que el fin justifica los medios. 

Debajo, quince pelis que no pueden perderse si disfrutan de este género, tratando de responder a las etapas antes mencionadas

Titanic

Infierno en la torre

Aeropuerto

Armagedón

La aventura del Poseidón

¡Viven!

El día después de mañana

La tormenta perfecta

2011: Odisea en el espacio

Dayligth

El planeta de los simios

Día de la Independencia

La guerra de los mundos (1952)

Tiburón 

United 93

Debo aclarar que sigue siendo de los cines más taquilleros. ¿Qué será que nos llama tanto de ver sufrir al resto? ¿Será pensar que con algo así de dramático reaccionaremos para encontrar (o perder) nuestro lugar en el mundo?


Si bien se consideran como “primeros ensayos” a “Los últimos días de Pompeya” y a “San Francisco”, la verdad es que el inicio de éstas películas fue “Aeropuerto” de George Seaton en donde ya se ven las tendencias a las estrellas en papeles principales, el desastre inminente que es también lo que predomina en el ritmo,el grupo heterogéneo sobre el que va a impactar mostrando la universalidad de la amenaza, la exaltación del hecho con efectos especiales y sonoros.

La aventura del Poseidón sería el título que renovaría la temática (y la alejaría de los aviones y aeropuertos). Como estrella principal tenía a Gene Hackman y el argumento era sobre un barco que a causa de una ola se hunde al revés en la noche de año nuevo.

A éste éxito de taquilla seguiría, Infierno en la torre, con Paul Newman y William Holden que guiaban a un grupo de personas que intentan escaparse de un incendio en un edificio de San Francisco.



Éste género puede ser considerado como resultado de un desastre natural o de una amenaza para la humanidad. Todos sabemos que los géneros son una convención y hay pocos films que puedan ser considerados como perteneciente a una sola categoría, pero en orden de no hacer esto excesivamente largo, tomaremos sólo a la “materia pura” y les voy a dejar unas pelis recomendadas.

Mientras que el Europa se gestaban las demás corrientes estéticas de los 60s y 70s, en Estados Unidos nace el género catástrofe como una respuesta para revitalizar a la industria y llevar gente al cine. No nos olvidemos que esa idea de que “hay pelis que vale la pena verlas en cine” por los efectos y demás no es nueva. Hoy se usa el 3D apuntando a lo mismo…



Luego de la psicosis y furia iniciales, se me ocurrió hablar para el blog de lo que es el cine catástrofe, de lo que ha significado y de por qué es tal vez el más hollywoodense después del western. Los invito a que se pongan las patas de rana y el snorkel.

En un artículo para la revista Telos, Juan Menor Sendra habla sobre el ascenso y caída de la Metamarca Hollywood. Con esto entra en algunos conceptos interesantes como el hecho de que su cine es racista-imperialista (siempre el italiano será mafioso, el cubano drogadicto y el americano hará honor a su patria) y el hecho de que utilizaron las posibilidades artísticas y económicas para crear un cine espectacular cuando las cosas no iban tan bien. A éste tipo de cine lo llamamos “catástrofe” y es ese santuario enorme donde el yankee puede ser cowboy sin sombrero y donde todos los espejitos de colores crean espectaculares situaciones y uno en esa sala oscura y el taka taka taka del proyector, es transportado a lo más extremo.

viernes, 19 de agosto de 2011

Películas aptas para Geeks

Tengo una confesión que hacer, a lo mejor los que me conocen ya lo saben, y los demás están a punto de enterarse pero soy muy geek. Eso significa que soy de esos bichos extraños que se miran las películas cientos de veces, que te citan diálogos enteros (hasta hago voces al estilo Disney en las que yo me contesto sola) y que tienen esa serie de chistes sectarios bien internos.

Miro cine, leo cine, respiro cine y sobre todo, amo transportarme con él. Para hacerme honor a mí misma, un post que tuve que haber subido hace siglos: las mejores películas geek del mundo y que nadie que quiera pertenecer a nosotros se debe perder. Somos divertidos, nos interesa poco si estás gordo o flaco y siempre tenemos alguna peli para ver.

Star wars


Es básico, si uno quiere entender la esencia geek, tiene que saber que Darte Vader es uno de los mejores personajes, que solo puede haber dos Lord Sith (el aprendiz y el maestro) simultáneos y que La Fuerza y el Lado Oscuro son dos partes de la misma moneda. Escucharán algunos que aman el Imperio y otros que aman la República pero les aseguro que el conteo de midiclorians puede afectar el equilibrio en cualquier galaxia. (¡Si no entendiste esto tenés que verlas de nuevo!)

El Señor de los Anillos


Sep, es la idea perfecta del héroe que no había nacido para tal pero que encuentra su espacio en el mundo. Hay honor, hay luchas, hay espectros, razas, un anillo que nos domina a todos. La magia del cine en su máxima expresión.

Blade Runner


Un detective que debe cazar a replicantes (cyborgs que parecen humanos y tienen la entrada prohibida a la Tierra) que son conscientes de sí mismas y de la inteligencia que poseen y quieren vivir. Brillante.

Terminator


Sobre todo la primera tiene el viaje en el tiempo, la idea de estar predestinados, de la revolución que viene. Se me pone la piel de gallina de imaginármela.

Jurassic Park


Todos sabemos ya que fue una idea original de Ross Geller pero gente, a ver, logran sacar una muestra de ADN de un dinosaurio que estaba en un mosquito petrificado y crean ese mega parque. Y para completar, un montón de médicos híper nerds se ponen como locos cuando ven eso. De los mejores Spielbergs que existen.

Matrix


Sí, dudá de todo lo que ves, de todo lo que tu mente es capaz de crear. Para todo lo demás, están los anteojos oscuros, la ropa de cuero y una línea de teléfono…en este tiempo, ya aprendí Kung Fu.

Alien


El mejor fuera de campo del séptimo arte entero. Una cosa babosa que nunca terminás de ver, un gato que te pone la piel de gallina y la teniente más dura del mundo. Gracias, Ridley Scott.

El club de la pelea


¿Somos sólo una suma de convenciones? ¿Qué pasa si el mundo explota? ¿Volvería a ser el mismo? Solo necesitás mucho jabón.

Tron


El hombre que se obsesiona con la creación de un mundo y sus reglas y ese mundo lo reclama. Kevin, cuando sea grande, quiero ser como vos.

Paul


Dos ingleses que sueñan con ir al “Comic Con” de San Diego se encuentran con un Alien un poco particular. ¿Tengo que decir algo más?