El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

jueves, 29 de septiembre de 2011

Spielberg cuenta los mandamientos para la Warner



Acaban de publicar que es probable que el gran Steven esté al frente de la nueva producción sobre la vida de Moisés. Como todos saben, es el profeta que sacó al pueblo judío de Egipto porque eran esclavos, a través de su vara manifestó Dios las siete plagas y partió el Mar Rojo. Sería él quien lleve al pueblo a la tierra prometida pero que por su falta de fe, le sería negado entrar.

La idea es que el film, a cargo de la Warner Bros, tenga un tinte épico más que religioso. De todas maneras, se supone que es una parte de muchas entregas bajo el título de “Gods and Kinas” (Dioses y reyes) en donde se irán presentando diferentes personajes, con diferentes directores.

Amen de la agenda apretada del tío Steven, todos los que amamos sus películas sabemos que es demasiado atractivo para él pensar que puede usar tantos elementos que ama…bueno, creo que va a dejar de lado los Aliens.

Tampoco hay que olvidarse que el mismo estudio está respaldando el proyecto de Mel Gibson de Judas Macabeo. Ah, y también está considerando hacer una de David y Goliat.




Últimamente, ni a los dioses ni a los héroes se los deja en paz.

¿Qué les parece éste proyecto? ¿Es momento de invertir tanto en cuestiones religiosas?

Personalmente creo que amén de que la imagen de Mel Gibson está más que vapuleada, puede llegar a ser interesante como parte de un todo. Es decir que sabemos que los enfoques que tendrán ambos directores serán opuestos y mientras que uno va a apuntar a algo épico y con un final feliz, el otro va a buscar cada aspecto histórico para hacerlo más shockeante. ¿Comparten mi opinión?


miércoles, 28 de septiembre de 2011

Spotlight on: Prometheus

Única imagen que se ha dado a conocer del film

Cuando en 1979 se estrenó Alien, varios esquemas se rompieron y el imaginario fílmico se vio envuelto en un aura mística, claustrofóbica y un poco paranoica. Siempre que se me cuenta de precuelas y secuelas me da un poco de miedo de que arruinen la sensación inicial y el ambiente que tan bien ha creado Ridley Scott. Que esté él a la cabeza, ya da bastante mejor perspectiva que cualquiera.

La primera entrega presenta a una nave de carga que debe llevar trabajadores de un punto de la galaxia al otro, por lo cual su tripulación está dormida para poder aguantar el largo viaje y, al ser sacudidos por la computadora, piensan estar llegando a Tierra. La verdad es que la decodificación de la máquina fue errónea y en vez de entender la señal de peligro, pensó que era de auxilio. Nos encontramos con un planeta extraño enfrente y con una superficie plagada de huevos. Cuando se empiezan a romper…entendemos el por qué de la señal de peligro.
La idea de esta precuela es de contar cómo es que llegaron ahí.

Claramente, la película (sobre todo la primera) tiene las genialidades de presentar luchas entre humanos y androides, de no saber cómo luchar contra algo que no se sabe qué es ni cómo se comporta. No podemos menos que esperar eso el año que viene, cuando Prometheus llegue al cine.


Charlize Theron será Meredith Vickers

La historia parte en el año 2058, cuando en excavaciones arqueológicas en África encuentran la prueba de que los humanos fuimos creados genéticamente por una raza de aliens. Los Space Jockey hasta cambiaron las características del planeta para que nosotros, sus conejitos de indias, podamos correr por la pradera. El hallazgo más importante de esto fueron las coordenadas del planeta donde están nuestros creadores.

Cuando la nave “Prometheus” es lanzada al espacio se busca un primer contacto con la deidad. Todos somos felices hasta que un miembro de la tripulación roba el código genético para poder jugar con los dados del universo un rato. Esto provoca que envíen a una pequeña criaturita que sirve para limpiar los planetas que no son obedientes.

Es que nunca se debe desafiar a los dioses.

Algo falla. Los humanos creen ganar pero crean algo peor. Pero la furia de los dioses está a punto de desatarse.


Guy Pearce no tiene un papel declarado aún


Con una clara referencia a la mitología, hablamos de alguien que carga las culpas de todo el mundo y que su destino se debe a ello.

Si bien con esta evolución del argumento, no necesariamente puede verse como una precuela de Alien, ya que crea algo mucho más complejo que dejar unos huevitos, será difícil para el público separar una cosa de otra…

La fecha de lanzamiento es en Junio de 2012 en Estados Unidos. Cuenta con un casting de lujo entre los que se cuenta a Michael Fassbender, Guy Pearce, Idris Elba, Charlize Theron y Noomi Rapace.

La idea inicial fue que tuviera una entrega en 3D y hasta se habló de que estuviera dividida en dos partes. Si bien no se ha vuelto a hablar del tema, sabemos que es una tendencia y que es posible que termine presentándose así. Tampoco existe un tráiler oficial ni una portada. Sólo una imagen se tiene que no dice mucho, excepto que volverá a tener esa estética oscura, metálica y un poco viceral.


Michael Fassbender será David, un androide


No se espera que el film sea para todo público. De hecho se han hecho comentarios de que las escenas serán desagradables y fuertes, sin dejar de lado el hecho que se meterá con lo divino de una manera que no es “tradicional”. El orden del universo lo ejerce una raza de seres superiores, no un Dios cristiano, judío o musulmán.

Muero por verla, pero moriré de miedo en la sala…en fin, sacrificios que uno hace por una gran película. ¿Ustedes qué piensan de ésta entrega?

martes, 27 de septiembre de 2011

Rocketman, la biopic de Elton John, elige a McAvoy para interpretarlo


Hace algo de una semana escuché que Elton John había autorizado a que se hiciera una película biográfica sobre él que se llame “RocketMan”. Ayer salió un comunicado que dice que el favorito para interpretarlo no es otro que James McAvoy.

La verdad es que este chico me cautivó desde “El último rey de Escocia”, “Atonement” y una fantástica cinta en la que hace de un cuadripléjico rebelde en “Inside I’m Dancing”. Cuestión: cada vez que lo veía el tipo me conmovía tanto que ahora ya voy llorando de ante mano para ganar tiempo y convengamos que no estoy equivocada en pensar que en ésta biopic, el chico va a deslumbrar.

El guión estará a cargo de Lee Hall, el mismo que escribió los pasos de Billy Elliot, será producida John y, claramente, dirigida por su marido David Furnish.

Convengamos que tiene una vida para tener en cuenta: ha sido uno de los activistas más reconocidos en la lucha contra el SIDA, ha dado conciertos a beneficio de fundaciones, ha tenido que sobrevivir a la muerte de muchos amigos, ha debido superar su adicción a las drogas, al acohol y la bulimia. Gracias al cielo, hoy en día puede vivir su pareja y su sexualidad en paz, pero no debe haber sido sencillo. ¿Ven? Empiezo a llorar de ante mano por McAvoy.

Esto me trajo a pensar que ya hace tiempo que vemos mezcladas la música y los films biográficos. Debajo les recomiendo cinco, pero ¿Les gustaría darme su opinión de qué es lo que los hace tan atractivos a éstos guiones? ¿Es una idea desplazada de un star system? ¿Cuándo uno piensa que es momento en el que le dediquen un film?


La Vie en Rose



Claroscuro


Ray


Johny and June


Casi Famosos



lunes, 26 de septiembre de 2011

Los Grandes del Cine: Décimo Segunda Entrega “Ridley Scott”



Sir Ridley Scott no necesita mucha introducción pero si lo tuviera que presentar diría que es “el hacedor de éxitos” ya que me ha quitado el sueño con un Alien, ha construido un policial negro increíble de humanos versus androides, es el responsable de que Russel Crowe grite su nombre en el Coliseo y el que volvió a traer a Hannibal a la pantalla. Es el hombre que se atreve y empuja los límites y los resultados están a la vista.

En 1977 su primera película es estrenada. Con “los duelistas”, adaptación de una novela de Joseph Conrad, empezaría esta travesía por la creación de ambientes. Así es como uno de sus sellos es que no necesariamente se recuerdan sólo líneas de guión o desempeño de actores, sino ambientes, tensiones y atmósferas latentes en el espectador.

La idea de la historia es demostrar el honor y la psicología de la guerra. Después de todo, un hombre que vive en guerra no es un hombre común: ha cortado los lazos con la sociedad y algo que nace de una situación aparentemente sin importancia, tendrá proporciones épicas por lo que para los protagonistas significa el duelo. Aquí los ambientes nos llevaron a éstas situaciones tensas, sobre todo por el gran Keitel en su disciplina militar y su comportamiento vicioso. Vale aclarar que la banda sonora tiene en vilo constante al espectador, más allá de lo que pasa en pantalla.

Pero sería en 1979 donde dejaría una marca imborrable en el imaginario fílmico. “Alien” llegaba para crearnos pesadillas y un ambiente tenso y claustrofóbico constante.

Cuando se crea un espacio semejante y los personajes no son particularmente brillantes ni dotados de una fuerza descomunal, sino simples trabajadores, las máquinas y androides pueden llevarlos hacia algo mucho más siniestro y letal que lo imaginable. ¡Cuántas veces hemos saltado cuando un jadeo fuera de cámara aparecía! ¿Quién puede superar esas persecuciones de la Teniente Ripley en ropa interior? Trasgresora y brillantemente relatada: Ripley tenía su primera obra inmortal.

En 1982 llegaría la segunda. Basada en la novela de Phillip Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Veríamos a Harrison Ford en un policial negro estilo los 40s, en una apocalíptica ciudad asechada por cyborgs que violaron el código que los mantiene lejos de la Tierra.

El film contiene una filosofía preciosa sobre la responsabilidad del Hombre como creador y de cuál es su rol como juez. Un monólogo final casi shakespeareano nos da en la tecla para ese sabor amargo de todo buen policial.

La estética y los ambientes, de nuevo, funcionan de manera brillante. Los conflictos de los personajes son llevados por cómo se visten, por cómo exageran su maquillaje en el momento de quiebre y porque nada sobra ya que todo es reutilizado luego (lo cual es perfecto, porque toda la historia cierra. Convengamos que es lo más difícil en la ciencia ficción: que ese mundo paralelo no tenga fisuras). Dan ganas de no encontrarse ningún pajarito de Origami.

En 1985 se estrena “Legend”. No fue su mejor film y debe considerarse que Tom Cruise no era, probablemente, el mejor actor para hacer el personaje principal.

Aquí somos llevados a un mundo de ensueño que poco a poco sube la tensión para demostrarnos lo cerca que está del caos constante y que una princesa hablando en el bosque no siempre llega a ser Disney. Con una idea bastante expresionista en el uso de las luces y de los seres “diabólicos” la leyenda invade la pantalla y un mundo extraño y siniestro nos encanta. Repito que no es la mejor de sus obras, pero el ambiente y el maquillaje siguen siendo fascinantes.

En 1987 llegaría “la sombra del testigo”. Aquí volvemos a la Tierra y a algo más tangible con un thriller policial que vuelve a la dicotomía del personaje de Harrison Ford en “BladeRunner” entre el amor y el deber. Otra vez se ven rasgos del cine policial negro y sus ideas misóginas en cuanto la mujer es siempre la causa de desdicha y problemas para el hombre. La secuencia de títulos son el Standard de jazz sonando de fondo, ver la Nueva York desde el aire y una voz masculina nos canta un tema absolutamente femenino…pero qué bien queda con la historia.

En 1989 llegaría “Black Rain”. Ésta vez nos lleva a Japón persiguiendo a un mafioso y a sus ajustes de cuenta. Mientras la policía americana debe ir porque uno de los involucrados es un residente estadounidense. Las cosas se mezclan y los métodos se copian.

En 1991 llegaría otro clásico. Con “Thelma y Louise” se crearían más imaginarios que lo pensado y sería una piedra fundamental del movimiento feminista.

Cuando dos mujeres se van un fin de semana para huir de sus sórdidas realidades, una noche de alcohol las lleva a matar a un hombre para evitar una violación y es a partir de allí donde se desarrollará una serie de aventuras y persecuciones para hacerlas ir a juicio por asesinato.

Amén de saber que ese mítico final de cabeza al Gran Cañón y del hecho de que la violencia femenina se paraba frente a la masculina con la misma prepotencia, esta road movie nos ha mostrado seres humanos, imperfectos, errantes.

Un año más tarde nos llegaría su siguiente proyecto. 1492: Conquista del Paraíso, nos lleva a los tiempos de Cristóbal Colón, de cuánto había insistido en su búsqueda por ese camino a la India y culmina cuando esa travesía empieza. Digamos que es un resumen al estilo “el resto es historia”.

Sin ahorrarnos un poco de morbo, nos muestra a la Conquista de América como una sucesión de muertes y violaciones a cualquier código ético. Colón vuelve a ser encarcelado.

En realidad lo que funciona bien del relato es la persecución del espejismo que para ellos significaba la India y lo que le pasa al espíritu cuando descubre que ha llegado a otro punto, que su teoría no era correcta y que tantas horas de sueño se convirtieron en un simple delirio.

En 1996 filmaría “Tormenta Blanca”. La idea era una escuela de navegación en la que los chicos se pasaban todo un verano en alta mar para desarrollar conceptos como el respeto, la disciplina y la camaradería. Mientras va pasando el film, vemos como el grupo se fortalece, sobre todo considerando que suben al velero a capa caída y con sus problemas. Todo parecía tranquilo hasta que los agarra una tormenta blanca en el medio del mar. El film es bueno, cuenta con Jeff Bridges y un jovencísimo Ryan Phillipe. No será un film para remarcar, pero cumple.

En 1997 vuelve a la temática feminista cuando la contrata a Demi Moore para el rol de la marine “G.I. Jane”. Si bien pocas veces la hemos visto pelada, la actriz cumple con esa idea de que puede ser una magnolia de acero y plantarse frente al resto con autoridad y fuerza.

Mostrando una metamorfosis en el personaje en el que se empieza viendo a una joven con sueños de marine, que de a poco se convierte en algo andrógino, masculinizada y disciplinada, después de sufrir todo tipo de insultos y que la rebajaran.

En el 2000 llegaría otro mito ya del 35 mm. Esta vez con Russe Crowe a la cabeza y el Coliseo Romano detrás. “Gladiador” cuenta de una forma un poco romántica, de qué se trataba esto del Coliseo que aparece como entretenimiento y como una forma de luchar por la libertad. Un hombre que no debía estar ahí y que busca la forma de escapar para poder vengar la muerte de su familia y sobreponerse a los celos de un hijo rechazado por su padre que siempre lo amó más a él.

La estética maneja una gama cromática fría en la primera parte y mucho más cálida a medida que la tensión sube. Está como marcando cada vez que él se enoja, cada vez que los recuerda, cada vez que quiere imponerse frente a todo lo demás y sólo asesinar. La muerte llega en forma de catarsis y la búsqueda culmina. Siempre fue un soldado de Roma.

En el 2001 tomaría las riendas de la secuela de la renombrada “El silencio de los inocentes”, para volver a ponerle un bozal a Anthony Hopkins en “Hannibal”. La idea es que el relato busca la venganza de una de las víctimas que no digiere lo que le ha hecho Lecter.

La cacería así empieza y el círculo empieza a cerrarse con una relación entre el doctor y Clarise que cada vez tiene un tinte más romántico y a la vez sádico. El uso de las cartas, del perfume, de esa tensión constante en la que todo el mundo se siente presa y cazador, la historia cae frente al espectador en ríos de sangre.

En el 2001 llegaría la genialidad de “La caída del Halcón Negro” en donde el espectador se convierte en soldado, entra al campo de batalla y el miedo y la psicosis lo invaden. Así es como un operativo que tenía que durar no más de media hora se extiende, los “malos” están vestidos comos civiles y son imposibles de identificar y frente a uno se mueren miles de personas que son sólo rehenes de la situación.

Un relato crudo, claustrofóbico. De los mejores films de guerra que vi en mi vida.

En el 2003 llegarían “Los Tramposos” que son unos estafadores de poca monta que se encuentran un día con que uno tiene una demencia y no tiene más medicina. Así los hechos se van relatando con gags un poco sencillos en los que el terapeuta receta cosas que no van al caso, que él le miente sobre su vida. Así es como termina teniendo una supuesta hija, que se planea un robo, que todos están metidos… un poco muy Guy Ritchie.

El 2005 lo volvería a llevar a escudos y espadas con “Cruzada”. Lejos de ser una historia épica como “Gladiador” ésta película habla de la fe, de las atrocidades que se han hecho en nombre de Dios y de cómo la tierra santa puede volverse pagana según se la mire. La Resistencia no es una disciplinada compañía, está encabezada por un simple herrero y el gobernante está muriendo de lepra. La búsqueda, en realidad, del personaje es conseguir el perdón divino para su mujer que se ha suicidado y para él que ha asesinado al cura que decapitó su cuerpo para que no pueda resucitar y que profanó su tumba para robarle la cruz que tenía el cuerpo.

En el 2006 incursionaría de nuevo en la comedia con “Un buen año”. Russel Crowe es un corredor de bolsa que hereda un viñedo de su tío Henry. Así es como llega con la intención de venderlo y se encuentra a sí mismo, a una supuesta hija legítima y por ende heredera, y la nena que jugaba con él que se ha convertido en todo lo que él buscaba. Cumple, pero es como que me encariñé cuando hace cosas increíbles y se lo pido siempre cuando pago la entrada por más que sea humanamente imposible serlo siempre.

En el 2007 llega con American Gangster. Es una biopic sobre un traficante y su cazador al mejor estilo de Javert y Valjean. Denzel Washington aparece como la mano derecha de un mafioso que es asesinado y deja libre su lugar. Russel Crowe es un policía descastado que nadie comprende, tal vez demasiado soñador que es honesto y estudia por las noches y su familia entera parece desmoronarse frente a él.

Trabajando la historia como paralelas, preparando el terreno para que el espectador se shockee cuando finalmente se vean, podemos ver a Ali boxeando y a los dos en la misma habitación. No cara a cara pero como claro principio del fin.

En el 2008 Russel Crowe vuelve a participar en uno de los films de Scott, llamado “Red de Mentiras.” Junto a él y a Leonardo DiCaprio vamos despacio metiéndonos en el medio oriente, para establecer buenas relaciones. Así es como uno es agente de campo y Crowe sólo come y disfruta de la política en Washington. La verdad es que la estrella de la película es, a mi criterio, Mark Strong, que hace de un jefe estricto, no mafioso pero por poco. Que pregunta casi nada y tiene un código estricto. Creo que al final le faltó un poco de fuerza, pero el film cumple.

En el 2010 y siguiendo si hacer casting, vuelve a llamar al señor Crowe. Tal vez se lo pudo haber guardado considerando que estamos un poco grandes para vivir en calcitas, pero sí ahora era Robin Hood. En una adaptación que estaba ligeramente inspirada en el texto original, vemos a un Robin más rudo, más descastado, más solo y terriblemente más viejo. OK, sí, tiene buen vestuario y ese aura grisácea que tan bien les queda a las películas épicas pero el film es realmente de lo peorcito de su filmigrafía.

Por suerte seguirá sorprendiéndonos: está preparando una precuela de Alien con un elenco de lujo que nos va a contar cómo los huevos llegaron ahí. Además, se viene una secuela de Blade Runner. No sé ustedes, yo no me las pierdo. ¡Salve, oh, Sir Ridley! ¡Que lo seguiremos a donde usted filme!


Características recurrentes
Uso de la violencia

El paradigma de la búsqueda de la libertad

La superación de sí mismo: el personaje se prueba frente a una situación demostrando que puede hacerlo

Experiencia sensorial: crea espacios en los que el espectador cae en el estado de los personajes. Así tenemos miedo y claustrofobia en Alien, estamos con la piel de gallina en Gladiador y nos llenamos de rabia y de coraje con Thelma y Louise.

Sincronización con la banda sonora. Suele terminar de crear el ambiente. La elección hace que se subrayen las situaciones, sobre todo las tensas.

Ediciones de “corte de director”. Ésta modalidad la creó él y la tiene para casi cada una de sus películas. Es su estilo: mostrar que además de producirse, el hombre puede reinventarse.

viernes, 23 de septiembre de 2011

"Tócala, Sam" las canciones que cambian a los personajes...y a nosotros

Muchas veces en un film me encuento con una secuencia que muestra el cambio del personaje. Ésto lo pensé después de volver a ver "Claroscuro" (Shine) en la que el concierto número 3 para piano de Rachmaninov se convierte en el quiebre absoluto de David Helgott.

Muchas veces relacionamos un tema con una escena, como que automáticamente la canción pasa al imaginario como símbolo de lo que la película nos demostró que teníamos que pensar de él. Así es como se me vino a la mente el título y "Casablanca" y se me ocurrió ponerles unos ejemplos de los temas que cambiaron la vida de los personajes...y marcaron las nuestras


Claroscuro

Cuando un chico se presenta a un concurso tocando la Polonesa de Chopin, todos sabían que había nacido alguien con estrella. El tema era que su padre era un músico frutrado y no sabía amarlo si no lo asfixiaba. Cuando finalmente puede interpretar la pieza que le prometió a su padre, el chico se quiebra, pierde los lazos con la vida anterior y empieza una nueva.

El fastasma de la Ópera


Un chico que nació deforme y fue a parar a un circo de gitanos, se escapa con una aprendiz de bailarina y se esconde en la Ópera de París. Muchos años después, enseñará a una chica a través de pasadizos a cantar y la irá forjando como su Galatea. Pero la niña crece y se enamora y cuando Erik se para frente a ella para decirle que está en el punto sin retorno, termina siendo como el encantador de serpientes y ella no entiende si lo ama o lo odia.

500 días con ella



Este recurso está muy bien usado en el que un chico finalmente logra dormir con la chica que le roba un par de suspiros y siente que es el dueño del mundo por 24 horas. Lo efímero del enamoramiento, la ternura que te da el verse así y que no podemos evitar reírnos a carcajadas. Sabemos que nada lo hace más feliz que ella pero también sabemos que ella está bien con él pero no enamorada. Bomba de tiempo.

Mar Adentro



Un hombre que ha estado 26 años caminando y 26 años confinado a una cama, busca que el Estado le de luz verde para la Eutanasia y mientras sueña con la libertad y con el amor de una mujer, vemos cómo su mente vuela al ritmo de Rigoletto.

El mago de Oz



Judy Garland tiene una voz que sólo su hija, Liza Minelli, puede igualar. Aquí, en un clásico, una Dorothy sueña con volver a Kansas en uno de los momentos más dulces de la película. De ahí en más, este tema ha sido símbolo de la esperanza, de reírse cantando con lágrimas en los ojos. Es una suerte de narcótico musical...gracias.

Desayuno en Tiffany


Dejé mi favorito para el final. Para mí este tema es hipnótico, ella es perfecta y es de lo más melancólico y romántico del mundo. Cambia al personaje en el sentido de que revela su verdadera naturaleza: un poco soñadora, un poco niña pero que son vagabundos que se venden a sí mismos por mantener viva la ilusión. Todas las almas erran hasta que se encuentran.

¿Qué canciones en películas recuerdan que los marquen a ustedes o a los personajes? ¿Escucho un Dirty Dancing? ¿Un Footloose? ¿A Berlin cantando "Take my breath away"?

jueves, 22 de septiembre de 2011

Los verdaderos camaleones: Natalie Portman



Cuando uno la busca, IMDB escupe que ha hecho 35 películas. ¿Nada más? Nada más y sin embargo ha logrado hacer roles de lo más complejos y de los más simples, que en esa cara de nena y esa pequeña estatura entra mucha actriz y, había sido, una buena directora.

Actriz de cine, televisión, teatro, ha incursionado hasta en video clips, no nos ha dejado con ganas de nada y se ha entregado a todo. Debutó en el cine en 1994 con Jean Renó, en “El profesional”, donde una deprimida niña sufría su paso por la infancia de la mano de un asesino profesional.

El film está lleno de matices y juega con los personajes llevándolos por la acción, el drama y hasta un romance latente. Las filosofías de vida y las formas de encontrarse tiñen a todo el relato y una muy madura niña, actoralmente nos deslumbra. Sigue siendo de mis interpretaciones favoritas de la actriz y en la que se destacan los rasgos que luego se convierten en su sello: una delgada línea entre la fortaleza y la vulnerabilidad y esa mirada pícara que te confirma con un chiste irónico que entiende mucho más de lo que creés.

El año siguiente aparecería en “Beautiful Girls” en la que encarna al objeto de deseo de un artista un poco tímido y retraído. Aparece así como la chica madura y despierta que termina dándole coraje y perteneciendo más al mundo de los adultos de lo que cualquiera se animaría a reconocer. Frente a la idealización, esta muñeca de porcelana aparece intensa e inalcanzable. Film con un casting exquisito y para tener en cuenta.

Ese mismo año aparecería en “Fuego contra fuego” clásico que unió a Pacino y De Niro en pantalla. La verdad, es que ella es apenas una nota al pie de página así que no será por ella que la recomiende, si no porque la peli es realmente muy buena.

En el 96 trabajaría para la parodia de Burton “Mars Attack” en la que tenemos Presidentes cómicos y aliens caricaturescos. Honestamente, el film me hace reír tanto que no puedo ver seriamente a ninguno de los actores.

Ese mismo año trabajaría para el neoyorkino más famoso en “Todos dicen te quiero”. Según la trivia de la peli, Allen disfruta dejando improvisar a los actores, cosa que a la actriz le costó superar. Es el único musical en la que la vi participar y no ha logrado destacarse particularmente.

En el 99 le tocaría compartir cartel con Susan Sarandon en “Cambio de vida”. El film es un drama sobre una joven que es el sostén de su madre en cuanto a lo afectivo y que tiene un enfoque más realista de su vida. Mientras su madre es pura pasión e instinto, ella termina quedándose fría en la mitad. Digamos que el relato se enfoca en la esencia de la relación y en la búsqueda del personaje de Natalie por volver a ser una adolescente y dejar de ser madre de su madre. Cumple, pero no esperen gran cosa.

Ese mismo año llegaría a la pantalla la primera parte de la precuela de Star Wars. Natalie es Padme y la Reina Amidala, quien se convierte en la protectora y amiga de un muy joven Anakin Skywalker y que es manipulada para desarmar la República. El Imperio empieza a avanzar. Éste rol será icónico pero sabemos que Lucas no es un gran director de actores por lo que no se puede hablar de que ella se destaque, sobre todo en esta primera entrega.

En el 2000 llegaría con Ashley Judd para hacer “Where the Herat is”. Si bien no es la comedia de mi vida, la imagen de una muy embarazada Natalie Portman abandonada en un Wal Mart por su novio. No hay que olvidarse que era una adolescente. Era un planteo bueno que tiene una solución simplona pero no es tan catastrófica tampoco.

En el 2002 llega el Episodio II de Star Wars. Aquí ya hay elementos románticos y el Imperio empieza a avanzar. Los siths controlan el parlamento y una senadora se enamora de un aprendiz de jedi (padawan). El film termina con el principio del caos: ellos dos se casan en secreto.

En el 2003 tuvo una participación mínima en Regreso a Cold Mountain en la que encarna a una viuda con un bebé. Una noche le da asilo a Jude Law que es desertor en la Guerra de Secesión y en sus gestos se ven la necesidad de contacto, las ansias de protección. En este film pude ver un rastro de esa niña cautivadora de los primeros dos papeles que hizo. Y es un alivio.

En el 2004 incursionó por primera vez en el cine independiente con “Tiempo de volver”. Cuando un chico vuelve a casa para el funeral de su madre, encontrará que no es el único loco que no sabe dónde ubicarse en el mundo. Es un relato sensible y lleno de guiños un poco extraños. Pero sería en “Closer” donde definitivamente nos cautivaría.

Todos sabemos que es preciosa, pero como Alice logró tener una vulnerabilidad a flor de piel que no era más que un disfraz. Era dura como el hierro y sabía cuándo dar todo y cuándo dejar de amar. Comparte el relato y lo termina de cerrar con el mensaje más crudo: es más sencillo decirle la verdad descarnada a alguien que no te importa que a la persona que está con vos. La verdad sólo arruina la ilusión…

En el 2005 aparecería con la cabeza rapada para someterse a la Revolución y revelarse contra el sistema en “V de venganza”. Aquí volvemos a tener los matices que teníamos en “El profesional” ya que tiene una relación cambiante con el personaje masculino en la que por momentos es de captor-víctima, por otros es de padre-hija, por otros es romántico y hasta se torna de mentor a alumna.

Nadie puede olvidarse de las escenas en el momento de las torturas y de lo fuerte que nos parecía esta diminuta mujer en pantalla.

El mismo año se estrenaría el Episodio III de Star Wars en la que el contenido dramático sube exponencialmente y una muy embarazada Natalie Portman termina siendo la madre de Luke y Leia.

En el 2006 se estrena “Los fantasmas de Goya” en la que Natalie aparece como dos personajes ya que es la carne y la musa por momentos. El film tuvo muchas pretensiones y no llegó a cumplir, me dejó como un sabor a medias.

Ese mismo año trabajó en el proyecto de “París te amo” en la que se unen a muchos directores y actores para filmar cortos en la ciudad de la luz. Tuvo una participación como Francine.

En el 2008 estrenó “la otra Bolena”, compartiendo cartel con Scarlett Johanson y Eric Bana. El film está basado en una novela en la que se habla de una hermana de Ana, quien fuera reina de Inglaterra, que tuvo un romance con el Rey. La competencia, la idea del sometimiento que tiene el personaje, la necesidad de un hijo, los fantasmas de miedo y de hechizos que rondaban al personaje de Ana (Portman) son lo único remarcable del film.

En el 2009 participó en “Love and other imposible pursuits” en la que es la amante de un hombre casado que deja a su familia para casarse con ella. Los problemas se dan con el hijo del matrimonio anterior que la pone en tela de juicio constante. Aquí vemos una mujer intensa y profunda que intenta cubrir expectativas y amor y siempre se queda a media máquina.

Ese mismo año se haría “New York I love you”, siguiendo con la lógica de “París te amo”. Aquí es actriz en un corto en el que hace de una mujer judía ortodoxa que está a punto de casarse y muestra un miedo y una necesidad de trasgresión que puede hasta palparse en la historia.

Además, dirige un corto en el que un padre juega con una niña y la gente lo tacha de “niñero”. El corazón de uno se rompe y el hombre sigue adelante. Hay amores que permiten todo tipo de renuncia.

En el 2010 adelgazaría como diez kilos para poder interpretar a una bailarina en una compañía. “El cisne negro” retrata la búsqueda de una profesional por encontrar la perfección en lo oscuro y que va haciendo quebrar su psicología por la presión bajo la que vive. Por un lado tiene al entrenador y coreógrafo que la desea y somete, por otro lado la competencia, además de la madre y sus sueños frustrados de bailarina y el fantasma de la ex primera bailarina que ahora se ahoga en alcohol y sombras.

Hubo polémica acerca de si había bailado ella o su doble. Es la única referencia que voy a hacer a chismes pero la verdad es que se trata de elogiar la actuación y de que le creo que adquirió disciplina para adaptar su cuerpo al baile y que el resultado final fue genial. Si ella baila o no, no hace demasiado, es su expresión en pantalla la que me da la pauta de que los premios fueron bien merecidos.

El mismo año volvería al cine independiente con “Hesher” en la que Joseph Gordon Levitt interpreta a un metalero con tendencias suicidas que apadrina sin querer a un niño. Ese niño tiene como única referencia a Nicole y será éste triángulo el que termine formando sus vidas. La verdad es que Natalie hace un buen intento pero la película es de Joseph absolutamente.

El 2011 para Portman arranca con “Your Highness” que es una comedia olvidable de la época de “El rey Arturo”, sigue con otra comedia correcta pero tampoco de las mejores en “Amigos con derechos” y termina con “Thor”, en la que encarna a Jane, la física que será el amor del héroe.

Tenemos de todo de ella y siempre queremos más. No por nada desde que apareció en pantalla nos deslumbró. Esperamos grandes cosas de ella y le perdonamos sus grandes errores. No podemos evitarlo: es buena actriz y siempre es preciosa de ver.

martes, 20 de septiembre de 2011

Christian Bale en el próximo proyecto de Mallick


Dos de los nombres que más resuenan en la actualidad son los de Terrence Mallick y Christian Bale. El director ha logrado estar en el spotlight desde su film “El árbol de la vida”, que ha cosechado tantos premios y elogios que sospecho no puede pasar desapercibida. Bale ha sabido hechizar al espectador hace ya mucho tiempo.

Parecería el que el próximo proyecto de Mallick, que fiel a su estilo no tiene nombre, razón por la cual estuvieron en un festival en Austin llamado Austin City Limits con una cámara y el actor. No se olviden que es un director tan complejo que muchas veces los actores con los que trabaja no saben exactamente la historia completa que filman. Pero como tiene fama de genio, lo dejan que haga lo que se le ocurre.

Con ésto me puse a pensar en la idea de cine de autor, ese que se supone tiene un sello tan importante del director (quien trabaja en el guión y en otros aspectos más) que entra en la categoría solo personal. Un relator que se imprime por sobre lo que cuenta, ¿Es un buen relator? ¿No les pasa que por momentos ven que se convierten en una copia de sí mismos? Los invito a que me cuenten directores o actores que siempre nos dan lo mismo. Algunos pueden amarlos, otros odiarlos, pero sabemos qué veremos cuando los veamos.

lunes, 19 de septiembre de 2011

“Desayuno en Tiffany” cumple 50 años


El clásico que encarnó Audrey Hepbrum y que convirtió al vestidito negro en un objeto obligatorio en cada placard femenino cumple medio siglo.

Basada en la novela de Truman Capote, que está muy suavizada en el film, nos ha hecho suspirar y durante cinco décadas, lo que me pone a reflexionar cuál es el uso del romance en el cine de Hollywood que lo hace tan efectivo siempre y que hace que se depositen en nuestra mente.

Tiendo a pensar que las historias que más románticas nos parecen son las que no tienen un final feliz. O habla de un poder de renuncia infinito o hablan de causas del destino, pero que en el recuerdo suelen perdurar como un antes y un después en la vida del personaje. Un ejemplo de esto son los melodramas: ¿Titanic nos parecería romántica si Rose no estuviera invocando a Jack todo el tiempo? Si Rhett se hubiera quedado, ¿Scarlett nos parecería menos desgraciada? Si Ilsa y Rick hubieran escapado, ¿Seguirían teniendo a París?

Otro elemento innegable del melodrama romántico es que pospone la intimidad lo máximo posible. Es que, si uno se pone a pensar, un beso es mucho más romántico y tiene una sensación de tensión y de deseo que a veces es más intenso que el sexo. Un ejemplo de esto puede ser África Mía, El paciente inglés, Cold Mountain. De hecho, cuando en Expiación, deseo y pecado esta espera no se da, nos resulta raro, pero el resto del film la justifica ya que alimenta tres años de separación.

Por otro lado, se encuentran films que ven a la pareja debajo de una lupa. Tenemos los análisis neuróticos de Woody Allen en el que siempre se sabe engañado o tenemos el diálogo o el silencio descarnados al estilo “Closer”. La idea de que uno puede decirle la más cruda verdad a cualquiera, menos a su pareja, habla de un juego de apariencias y de una ilusión romántica.

Por último, tenemos a las comedias. Si hablamos de constantes: tenemos a la conquista, a la separación (en este momento llueve sí o sí), un baile (en el que bailan en el centro de la pista), una persecución al aeropuerto y un extenso monólogo en el cual él o ella convencen a la otra parte de que son realmente el uno para el otro.

Citando a la genial Barbra Streisand en “El espejo tiene dos caras” uno nunca escucha a Pavarotti mientras se está reconciliando, pero es como queremos pensar que se siente. Sinceramente, la realidad es distinta, tiene sus cosas más tangibles, más prácticas y menos persecuciones pero cuando todo lo demás nos aburre, la sala nos trae eso que no nos gustaría de este lado, sin embargo en la pantalla se ve genial. Después de todo Holly se vestía de lujo para ir a una joyería, ya que nada podía ser un mundo mejor que aquel que brillara con diamantes…

¿Cuáles son las historias románticas que más disfrutan?

viernes, 16 de septiembre de 2011

El remake hollywoodense de “El secreto de sus ojos” está en marcha


La película argentina ganadora del premio Óscar en la categoría de mejor película extranjera estaría por ser reversionada en Hollywood y protagonizada por Denzel Washington.

La producción estará a cargo de Warner BROS y el director será Billy Ray, quien estuvo a cargo de “Shatered Glass”, una historia verdadera de un periodista que falsificaba datos e información para tener buenas notas.

Ya sabemos que Washington está en el próximo proyecto de Zemeckis que se llama “Fligth” o sea que nada indica que empiece a filmarse antes de fines del 2012.

Ahora bien, la adaptación será un poquito violenta porque el escenario no será Buenos Aires, sino Washington y asumo que como ellos “no tuvieron dictadura”, será en la época de la caza de brujas comunistas. O algo que permita demostrar cuando eran corruptos.

Por otro lado, no digo que el director sea malo, pero Campanella, que era el director original, es reconocido en Hollywood entonces no veo por qué hay que correrlo absolutamente del proyecto.

Convengamos que la historia va a cambiar tanto que no estoy segura de que tenga que tener el mismo nombre y no soy gran fan de la versión original. Creo que es buena, pero que el cine argentino tiene mucho más que eso…pero es cuestión de gustos.

Se me ocurrió pensar en las películas que nunca tendrían que ser reversionadas por Hollywood. Les dejo cinco y abrimos debate.

Ciudad de Dios


No, la favela nunca va a ser Harlem. Aléjense de ésta película.

Esperando la carroza


Tampoco creo que haya sido necesaria la segunda, pero la película tiene un humor muy argentino como para hacerla mezcla de tana con judíos porque son las únicas etnias que reconocen. No me la toquen, por favor.

Ser digno de ser (Vete y vive en España)


El drama muy bien construido de lo que es un mensaje de existencia y la crueldad de la guerra y la pobreza que está perfectamente retratado. No le sobra ni falta nada, no se va a los golpes bajos, no la hagan de nuevo.

Un Oso Rojo


Es uno de mis films favoritos. Por favor que nadie me haga un Oso maricón o que se la pase de duro al estilo Bruce Willis porque acá se pudre todo.

Amelie


No es el film más brillante que vi, pero tiene su estilo. Es cálido, es como un sueño de colores estridentes y es un personaje adorable. No quiero verla a Kristen Dunst con su poca gracia caminando por París (mucho menos si se transforma en Nueva York en el medio).

¿Cuáles creen que son los remakes que no tendría que hacer nunca Hollywood? ¿O los que ya hizo que se podría haber ahorrado?

jueves, 15 de septiembre de 2011

El rincón fílmico de la vergüenza

Seguro que todos tienen contactos en twitter o en facebook que no necesariamente son amigos en el sentido estricto de la palabra. O sea, no se conocen, no se toman mates juntos y nunca se han juntado del piso después de un fin de semana muy etílico, pero es gente con la que uno habla todos los días y si no los ve por ahí, como que los extraña.

Hablando con uno de esos seres ayer se me ocurrió proponer ésta idea: salgamos del clóset fílmico. ¿Qué significa esto? Que todos en secreto amamos películas que son malísimas (y las reconocemos como tal) así que liberemos ese peso de encima y gritemos a los cuatro vientos que nos encantan esas películas que son como placeres culpables.
Debajo, les dejo las siete que son los míos:

La cosa más dulce


Película absolutamente ridícula sobre tres chicas solteras que viven en San Francisco y están buscando candidato. Mientras tanto, cantan en restaurantes, bailan en todos los boliches y se colan en casamientos.

Ni idea


Película de secundaria americana en la que hay dos divas de 17 años que buscan cambiar el mundo un Dior a la vez.

Chicas Pesadas


Volvemos a la secundaria pero se enfoca en chicas de 15 años que se odian sobre todas las cosas. La competencia más descarnada y el final más rosa. Extremadamente divertido.

La saga Crepúsculo


Una chica y un vampiro tienen el romance más empalagoso del mundo en el que nada parece poder separarlos. Un poco demasiado dramático pero que tiene como un gusto a fatalidad, de lo que no pueden escaparse. Para devorarse todos los pochochos habidos y por haber.

Paul


OK, sí, es mala, pero no puedo parar de reírme con esa película. El mejor amigo del mundo y no es de acá. Demasiado divertido y sí, yo también sueño con ir al Comic Con. El guión es BRILLANTE.

Zoolander


Ésta película no tiene sentido y, como tal, me encanta. No puedo más que reírme a carcajadas de las competencias de modelos y que festejen la anorexia y bulimia mientras posan. Es ridícula pero extremadamente graciosa.

Sex and the city


Esto es Disney para adultos. No me vengan con eso de que unas lloran y que tienen que lucharla y bla bla bla. Ninguna de estas cuatro chicas tiene problemas REALES de laburo y si los tiene, a los cinco minutos consiguen uno mejor. Su máximo problema es encontrar el tipo perfecto que cuando le meten los cuernos…el tipo aparece con un diamante negro enorme. Sí, claro, porque ella ya tiene el placard lleno de Jimmy Choo y Manolo Blanik, obvio que lo único que le faltaba era el diamante. Se los dije, es Disney.

Ok, ahora es su turno: salgan del clóset fílmico y admitan que se van a ver la próxima de Die Hard o que no superan Destino Final… (no me hagan quedar mal).

miércoles, 14 de septiembre de 2011

“Los Grandes del Cine” Décima Primera Entrega: Joe Wright



Sé que la inclusión de este director tiene más que ver con lo personal que con lo formal. Sí, claro, tiene buenos films pero no sé si alguien más ya se atrevería a incluirlo en la lista. De todas formas, sus composiciones de cuadro, las coreografías visuales que usa y la combinación del fuera de foco para crear sensaciones de ensueño, hacen que cualquier fotograma que salga de él, valga la pena.

Joe Wrigth es inglés, actor en un inicio que tras la muerte de su padre, decidió que su lugar era tras las cámaras. Su primer corto profesional “Crocodile Snap” tuvo nominaciones hasta a los premios BAFTA y el apoyo de la BBC. Convengamos que con semejantes presentaciones, el chico en seguida entró por la puerta grande al cine luego de un breve paso por la televisión.

Su primera película largometraje tuvo mucha exposición. De hecho, la figura del film sería Keira Knightley, quien fue nominada al Óscar por su rol como Elizabeth Bennet en la adaptación del 2005 de la novela de Jane Austen “Orgullo y Prejuicio”. Además de tener una música extremadamente empalagosa que ayuda a crear atmósfera, este delicioso film se toma su tiempo para crear la espera, las situaciones. En particular, el ritmo narrativo va cambiando, como ver el paso de un año mientras Elizabeth gira en una hamaca o como toda una habitación parece vacía cuando están ellos dos.

Wrigth marcaba así su estampa: la imagen por sobre todo y cómo las cosas interactúan en cuadro crean un festival visual que te atrapa desde el fotograma uno.

En el 2007 llegaría la adaptación de otra novela, ésta de vez de Ian McEwan que se llama “Expiación” en Latinoamérica agregaron el “Deseo y pecado” y en España “Más allá de la Pasión”. Ambos subtítulos me parecen innecesarios pero la verdad es que el film es un poema melodramático de lo mejor construido que vi en el último tiempo.

Marcando momentos de personajes desde lo estético, empezamos en un calor que todo lo empaña en una casa de campo. Adolescentes que coquetean, límites que se van borrando de a poco. Así es como se nubla la vista por momentos, como los personajes permanecen ociosos y buscan la forma de entretenerse en el agua o bajo techo.

La banda sonora marcando teclas, la ruptura del orden cronológico, la mezcla de la fantasía con la realidad y un intenso James McAvoy hacen el resto.

La verdad es que el final me pareció perfecto, no abusa de los gestos ni del dolor, pero es capaz de crear la desesperación y el circo de la guerra y lo intenso del flechazo. Personalmente, la imagen de Rob agarrándose la cabeza mientras se proyecta un film francés es uno de los cuadros más lindos que vi. Film para inflar el pecho y ahogar las lágrimas todo el tiempo.

En el 2009 estrena “El solista” si bien no muchas personas la vieron en cine, este film es otra delicia visual. Cuenta con el muy expresivo Robert Downey Junior, que es un periodista que sueña con sacar a un músico de la calle y devolverle su vida. Vamos paseando por los barrios, los albergues, escuchamos lo que ese hombre saca de un violoncelo regalado y las palomas vuelan y los puentes cantan. A mitad del film vemos música y entendemos que un hombre no necesita que le devuelvan su vida, porque en cada acorde la encuentra. Conmovedora y tierna.

En el 2001 el director quiso inclinarse hacia el thriller. “Hanna” es la historia de una asesina de once años, entrenada por su padre, que ha vivido recluida toda su vida. Esta niña no es tal, es un arma y sin embargo tiene dudas y miedos.

Uno de los mejores recursos que tiene el film es que no apela a una cuestión sexual: ella es un arma, no una femme fatale. La pérdida de su inocencia no se da como una “quema de etapas” si no con el hecho de que ella no es un ser humano social. Ha roto los lazos hace tiempo y esto es demostrado en los gestos austeros y en una paleta de colores grisácea con hasta los colores cálidos como el naranja se ven apagados y fríos. De todas maneras logra crear iluminaciones novedosas en momentos etéreos entonces la película no es homogénea.

Cuando llegan los captores y el espectador tiene un pantallazo de cómo ve el personaje, las cosas se mezclan un poco pero visualmente siguen siendo poderosas. Tal vez es un poco más extenso de lo que debería pero eso está en gustos.

Uno de los aspectos que lo diferencia de otros thrillers (además del hecho de que varios han sido citados en pantalla) es el sentido del humor en la construcción de los personajes que guarda una ironía interesante.

Actualmente se encuentra filmando nuevamente con Keira Knightley en la adaptación de otro clásico, esta vez de Tosltoi: Ana Karenina. El elenco cuenta con ella y Jude Law pero por sobre todo permitirá a la actriz volver a meterse en un corsé y hacer los dramas de la magnolia de acero que lo resigna todo por amor otra vez.

Aquel que no conoce la historia se trata de una mujer que está atrapada en un matrimonio sin amor del que se escapa con su amante. Será la distancia con sus hijos y el hecho de haber abandonado a todo su mundo la que la hace sucumbir.

Espero ver más cosas de este inglés. Creo que muchas veces logra narcóticos visuales e historias tensas con grandes recreaciones de la época. Me gustan las sutilezas de sus construcciones y cómo usa su narrativa visual. Gracias, Joe, te esperamos ansiosos.

Ésta vez no incluyo características porque se irían a lo estético. Esperemos un par de films más y luego vemos qué estilo se llega a formar. 

martes, 13 de septiembre de 2011

Alien, de Ridley Scott


La película que ha construido miles de miedos y la fantasía absoluta (o lo que queremos creer que no puede existir) hecha realidad en una nave espacial no podía no estar en la lista de “Mi top 100”.

Reconocida como una maravilla del relato en la que el fuera de campo (o sea sonidos que te dan indicios de cosas que no estás viendo pero que sabés que están ahí o que de alguna manera interactúan con el personaje), nos cuenta la historia de una tripulación de una nave de siete pasajeros en las que las cosas empiezan a cambiar…y a evolucionar.


La primera vez que vi que de esos palitos flotando en el espacio se formaba la palabra "Alien" no tenía idea de lo que me iba a encontrar. Esta es, sin dudas, de las mejores historias que utilizan el suspenso combinado con el tiempo psicológico y donde una nave parece estirarse en el espacio o contraerse según los personajes tengan posibilidad de escapar. 

Nostromo es una nave que tiene 7 tripulantes comerciales. Están llevando a la Tierra un mineral (son sólo cargueros) y entraron, para poder sobrevivir el viaje, en un sueño criogénico del cual siempre los despierta Madre, el sistema operativo de la nave. Cuando los despierta esta vez es porque confunde una señal recibida como pedido de auxilio, pero resulta ser una advertencia de que no se acerquen. Así es como tripulantes no preparados ni militarizados están cara a cara con uno de los seres más depredadores y terribles del espacio exterior.


El film tiene muchas particularidades como el uso espectacular del fuera de campo, de manera que siempre el espectador ve la mitad de las cosas y el resto funciona como sugestión. Entre otras cosas, la maravilla de que todos los actores de renombre al momento del estreno son los primeros en morir e instala la presencia de la heroína en el cine de terror. 

Un guión milimétrico y diálogos impecables terminan de mostrar la combinación entre el hombre y la máquina y cómo es la relación entre ellos. De esas pelis que pasa el tiempo y no podemos dejar de asustarnos. Impecable. 


Ex talentos y dónde han quedado: Dustin Hoffman debuta como director



Dustin Hoffman, quien ha ganado dos Óscars, miles de premios y ha hecho de los mejores papeles que recuerdo, va a tener su primer trabajo detrás de cámaras en un proyecto que se llama “Quartet”.

El film va a ser filmado en Inglaterra y va a reunir a un grupo de actores ingleses. La idea es que es un grupo de cantantes de ópera retirados que intentan recaudar fondos para su residencia justo en el nacimiento de Verdi.

Los actores son Maggie Smith, Tom Courtenay y Pauline Collins. Si el mismo Hoffman tiene 74, me imagino que va a poder impregnar la historia de esa nostalgia y ese polvo sobre los recuerdos que debe requerir. Siempre marcando que el cuerpo no es lo que era, lo cual no quiere decir que la mente haya quedado estática.

El guión del film está hecho por el autor de la obra de teatro, Harwood. Estará producida por BBC Fims, DCM Productions y Decca.

Ésta noticia me hizo pensar en los cinco papeles que más recuerdo de Hoffman y se me vinieron al hilo a la cabeza: “Kramer versus Kramer”; “El graduado”; “Hook”, “Tootsie” y “Rain Man”. Obviamente, todos inolvidables, pero más que nada me puse a pensar en esos actores que prometían grandes carreras y quedaron en nada. ¿Me acompañan en el top 5?


Haley Joel Osment




El chiquito de Sexto Sentido parecía un hallazgo: el chico era capaz de sostener actoralmente las escenas más tensas y dramáticas y esa expresión de niño huérfano que parecía valer un millón de dólares. Tres películas y medio que a la bolsa.


Edward Furlong




Éste era el John Connor elegido por Cameron, o sea que el pibe la rompía. Para sumar a mi teoría de que era realmente muy bueno, se midió con Edward Norton en “American History X” y salió pasándole el trapo. ¿Y después?

Mark Hammil

El chico que trajo equilibrio a la Fuerza quedó en nada también. No recuerdo haberlo visto de nuevo.

Jamie Bell

Billy Elliot es una película hermosa, pero además el actor era bastante bueno. Chau, apareció cinco minutos en King Kong y no mucho más.


Macaulay Culkin

Este menos mal que desapareció porque no me causaba nada, aunque uno tiene que reconocer que fue icónico en su momento y ahora no es más que un chico con apariencia de perdido que no ha vuelto a facturar en la pantalla grande.

¿Se les ocurre alguien más? ¿O alguien como Hoffman que fue uno de los mejores de su generación y quedó en nada?