El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

lunes, 31 de octubre de 2011

Breve Historia del Cine de terror


Me tomé mi tiempo para empezar a escribir sobre este género porque tengo que admitir mi cobardía. Por alguna extraña razón, me impresiona más el suspenso y el pre que cuando el bicho aparece y con los nervios me tapo antes los oídos que los ojos. Entiendo que a mucha gente ese tipo de situaciones las viva intensamente y les guste que los pelos se les pongan de punta. Yo no. Lo sufro a cada instante y al mismo tiempo me produce una fascinación que no puedo dejar de verla.

Hoy me interesa hacer un brevísimo repaso sobre la historia en general del cine, delimitar algunas etapas y algunos films que son íconos, para hasta el viernes presentar los subgéneros más interesantes y hacer toda la semana temática.

Cuando el cine nació en 1895, el mito dice que la gente se asustó y corría ya que pensaba que el tren se le venía encima. Pensar eso es propagar una historia con la que no puedo estar de acuerdo primero porque los Lumiere eran chicos de un alto nivel socioeconómico y la gente con la que se rodeaban tenían el mismo dinero y acceso al conocimiento como para escandalizarse en un bar de París por un invento que, a parte, no eran hombres de las cavernas y entendían muy bien que uno no ve en blanco y negro, con unos 10 cuadros menos por segundo y sin sonido pero asumo que la anécdota ficticia es muy simpática. Así como el Gran Pez lo es.

El cine empezó a buscar una idea de guión y estructura en 1912 y por más que es difícil identificar la primera película de terror, podemos hablar del Expresionismo Alemán como una vanguardia estética que gustaba de basar sus historias en novelas de la Era literaria gótica y en relatos de monstruos. Así, sus producciones hechas en estudios, tenían marcados rasgos de claroscuro y de escenarios alterados para marcar una distorsión de la realidad y de la psicología de los personajes.

En este momento, todos los films eran realizados en estudios y las cámaras no salieron de ellos hasta 1945. La verdad era que la calidad de las mismas y mucho más post la inclusión del sonido, no permitía mucha independencia de ellos. Los escenarios, así, eran siempre casas abandonadas, cementerios, laboratorios o inclusive falsos bosques oscuros. La noche era otro elemento importante, sobre todo para el uso de la luz en el expresionismo.


En una primera etapa, tenían como protagonista a la crueldad humana hasta que los iban transformando en monstruos: el jorobado de Notre Dame, El Fantasma de la Ópera, Frankestein, Drácula. Luego fueron inclinándose hacia lo oculto, rasgo que post las bombas atómicas se acentúo, relacionando a la ciencia ficción con el terror. Algunos ejemplos son Godzilla, La noche de los muertos vivos, la invasión de los ultracuerpos. Aquí, la Naturaleza reaccionaba en consecuencia a los estímulos que había recibido a causa de las armas de destrucción masiva.

Fue en 1960 con la llegada de “Psicosis” donde se introduciría la figura del psicópata y uno de los primeros travestis del cine. El cine de slashers (los asesinos sanguinarios) lo toma como su punto de partida.


El bebé de Rosemay también sería una revolución: se atreve a hablar de temas religiosos, hay una chica embarazada del diablo pero en ningún momento te dicen si efectivamente era así o si ella se lo estaba imaginando. Crea un ambiente muy interesante.

A partir de los 70s y con la pérdida de fe y el miedo a perder la esencia de uno mismo, llegaron los films que cuestionaban los aspectos religiosos. El exorcista y la Profecía son claros ejemplos de esto, en donde el final es bastante más amargo que lo acostumbrado. Antes no importaba cuán descabelladas eran las situaciones por las que atravesaban los protagonistas, al final lograban sobrevivir y lo peor había pasado. Ahora eso no sucede y la sensación que el mal está suelto traspasa la pantalla y llega al espectador.


También por esa época conocimos a Carrie con su telequinesis y su madre con delirios místicos y a una curiosa asesina en Vestida para matar.

A mediados ya aparecía La masacre de Texas y coronamos la década con Halloween. Los slashers empiezan a pisar fuerte.


1980 estaría más cercano al cine clase b, con temáticas e intérpretes adolescentes. También tendremos grandes piezas sobre locura, ciencia y un poco de paranoia como ser El resplandor, La cosa y La mosca.

No debemos olvidarnos de Poltergeist y la niña que a todos nos puso los pelos de punta.

Los 90s tuvieron una versión pop de todo lo otro, en lo que los adolescentes tenían más glam y los asesinos eran un poco más suaves. Nos encontramos con “Ghostface” por primera vez y pudimos apreciar la maravilla del concepto de que los chicos terminaron de perder los tornillos gracias a ver tantas películas de terror.


Siempre será atractiva la idea de que no tienen mayores problemas pero que logran ser violentos por naturaleza y por estímulos que reciben y decodifican como se les ocurre.

También tendremos visiones livianas de Drácula, convertida magistralmente en una historia de amor, a otros cuantos vampiros que se entrevistan para que no los sigan pero que terminan teniendo una fuerza hipnótica en el resto en Entrevista con el Vampiro.

Por último, tendríamos las primeras incursiones en el cine que simula ser un falso documental o testimonio con The Blair WitchProyect, que más tarde imitarían REC, Actividad Paranormal y muchas más.

Sería a partir del 2000 cuando en el cine occidental se empezara a ver cine oriental de terror. Ahí nos dimos cuenta de que éramos casi monjas dada la violencia y el morbo con el que son construidas las historias. Abre una tendencia hacia el gore y escenas explícitas que vimos en films como Hostel y Saw.


Se podría definir al cine de terror por cuatro ejes temáticos: religiosos, slashers y psicópatas, zombies y sobrenatural. Ahora ya saben las entregas que nos esperan esta semana. No se mueran hasta el final.

sábado, 29 de octubre de 2011

"Spotlight on" Primeras diez entregas


"Spotlight on" empezó como una sección para hablar de los proyectos más interesantes que están realizándose o por empezar a realizarse en Hollywood. Pocos comunicadores y espectadores reparan en el hecho de que ya no es importante sólo el film, si no que se producen como grandes tanques y nos llenan miles de espacios con las repercusiones.

¿Alguien más se dio cuenta de que de la mayoría de éstas sabemos los pormenores y chismeríos antes de que se empiecen a filmar? ¿Que los fanáticos de las trivias tienen más material que nunca para aderezar las notas? ¿Que vemos tantos trailers y spots que nos vamos a la sala a que nos peguen los fragmentos? 

Claro que hay distintas estrategias: si miran el segundo trailer de "The girl with the dragon tatto" prácticamente están viendo todo el film y es largo pero Fincher apunta a que es un best seller y remake de películas suecas entonces todo el mundo sabe de qué hablan. 

También tenemos films de los que se habla mucho afuera como una corriente indie pero que sabemos que acá no tendrá fecha de estreno como ser "On the Road" pero que las venden como parte de una movida de actores jóvenes y del supuesto futuro de Hollywood.

Les dejo el índice con las primeras diez para que las recuerden, anoten en sus calendarios cuando quieren verlas y después me dicen cuáles deberían ser las próximas.










viernes, 28 de octubre de 2011

“Thunder run” con casting completo: Gerard Butler, Matthew McConaughey y Sam Worthington


“Thunder Run” es un proyecto que hace tiempo venía dando vueltas sobre la asalto de Bagdad al inicio de la guerra de Irak. De hecho, al congelarse, dio espacio para Ridley Scott y su “Halcón Negro” ya que está levemente inspirado en el mismo libro de Mark Bowden.

El film será dirigido por Simon West quien hoy se está encargando de “The Expendables 2” y va a ser en close caption 3D que parece ser la clave últimamente, después de todo Avatar se basó en eso. ¿De qué se trata? Bueno, los actores están en el set y actúan con un traje que está lleno de sensores de movimiento. Un software lo registra y luego pueden reemplazar rasgos faciales, entorno y demás para crear la estética que quieren crear. Un ejemplo de esto fue el personaje de Gollum, que el actor estaba en escena con el traje haciendo las expresiones que luego pasaban por el proceso del programa.

Recientemente la Academia de Estados unidos emitió un comunicado con el nuevo concepto sobre films animados en los que debe al menos un 70% estar dibujado cuadro a cuadro (sin necesidad de que sea papel, ¿No?) ya que el sistema de captura de movimiento tiene a actores en set, con decorados y estamos hablando de otro nivel de realización.

El guión está a cargo de Robert Port y Nolan Ken, quienes también estuvieron a cargo del Halcón de Ridley.


Sé que todos están esperando que saque una conclusión brillante. No, hoy es viernes, no hay que pensar tanto y se me ocurrió que la verdadera razón por la que el público femenino va a estar interesado en ésta cinta es por los galanes, de hecho en la lista de la revista People, están entre los 100 más sexies del mundo (bla, da lo mismo porque ya todas sabíamos que son re lindos), así que decidí exhibir mi top 5 de hombres perfectos y los invito a que me dejen los suyos, de las personas esas por las que se miran las pelis más inhóspitas y que siempre nos dejan suspirando.

Mi top 5:



Gerry Butler

Michael Fassbender



Clive Owen


Hugh Jackman


Jason Stratham




jueves, 27 de octubre de 2011

Dibujos animados para (no tan) chicos: entrega Dreamworks




El que medianamente me conozca o lea mi blog (últimamente estoy pensando que se parecen mucho ambas opciones) sabe lo que siento por Spielberg y su obra. Todo el mundo lo puede tachar de comercial, de naive, de lo que quiera pero es el hombre que me ha enseñado a amar el cine de la manera que lo amo. Me dijo que en 35 mm todo es posible y lo peor de todo es que todas las veces le creo.

Spielberg es una de las tres patas iniciales de esta productora junto con Jeffrey Kratzenberg y David Geffen. Este proyecto ha dejado películas, videojuegos y programas de TV.

En el 2006 vendieron la productora a Viacom, pero vemos su influencia en cada uno de los proyectos posteriores.

¿Quiénes son los otros dos socios? David Geffen es un productor de discos que ha trabajado desde John Lennon hasta Aerosmith sin escalas. Tiene su propia productora que es Geffen Records. Éste hombre editó el último disco de Lennon.

Jeffrey Katzenberg es animador y productor y sigue siendo el director ejecutivo de la productora. Fue el presidente de Disney Animation Studios por casi diez años hasta que demandó a la empresa y con lo que ganó del juicio, fundó su kiosco con sus amigos de la colectividad. (sí, debe ser la única productora goy friendly del mundo)

El estudio nació como una idea de resistencia frente a los grandes conglomerados, para poder hacer films que le dieran libertad creativa a sus equipos. Cuando la tuvieron que vender a Viacom, claramente el sueño murió, pero nos han dejado buenos films animados. ¿Los recordamos?





1998 es la fecha en la que se estrena el primer film animado de la productora. Antz (Hormigaz para los amigos de España) es la historia de una hormiquita más neurótica que Woody Allen que vive en una colonia. Su idea y necesidad es dejar de ser obrera y poder acceder a La Reina. Por otro lado, tenemos a una princesa que no quiere su ritmo de vida, pero que debe asumir la responsabilidad por el resto de su colonia. Sus destinos, claramente, están destinados a cruzarse entre ese millón de hormigas.

Tiene unos toques irónicos y filosóficos que siempre me divierten: como el hecho de que Weaver comente sobre “Insectopía” donde todos pueden ser iguales. Ese contenido cobra forma para el protagonista cuando se enamora de una princesa y él, un pobre obrero, no podría nunca acercarse a ella.

Cuando termina envuelto en la guerra, hay emboscadas, planeamientos militares y comportamientos dignos de cualquier largometraje de la Segunda Guerra.

El film cuenta con pocas innovaciones en lo técnico, pero con una trama que incluye traiciones, rebeliones, romance, aventuras y tantos elementos que empiezan a profundizar en la trama de la película mucho más que los films contemporáneos.

Ese mismo año llegaría “El Príncipe de Egipto”. La historia de Moisés es contada en animación, con detalles simpáticos como la adolescencia de él y su hermano Ramsés hasta ir convirtiendo el film en el inicio del llamado divino.

Con algunos cambios en la idea original, el hermano de leche se convierte en el príncipe regente y será contra él contra el que Moisés tendrá que lanzar las siete plagas como instrumento de Dios.

En el 2000 llegaría “Chicken run: evasión en la granja”. Ginger es una gallina que vive en una granja muy similar a un campo de concentración que sufren de la crueldad de los Tweedy. Estos matones están en la compra venta de huevos y asesinan a las gallinas que no tienen una buena producción.

La libertad aparece como el eje argumental principal, en donde Ginger se quiere enfrentar a ellos a toda costa y organiza elaborados planes de escape. Cuando todos fallan y cada vez cuestan más vidas, la desesperación se puede palpar en la historia. ¿Cómo lo solucionaron? Bueno, el cielo responde con un gallo que cae del cielo.

Pero eso no es todo: en determinado momento no tenemos otra que descubrir que los granjeros están pensando en asesinar a todas las gallinas.

Siguiendo fieles a su estilo, los films tienen un complejo análisis social e histórico que los chicos pueden disfrutar y los adultos asociamos con las experiencias y los conocimientos. Son films que se disfrutan pero no son de la risa fácil, sino que se basan más bien en la idea de una moraleja.

La ruta hacia el dorado es del mismo año. Aquí se puede encontrar otro eje temático que fascina a Spielberg: la aventura mezclada con un cambio de vida.

Éstos dos estafadores que se encuentran en un barco de Hernán Cortés, se ven en el Nuevo Mundo sin escalas. Mientras ellos creen que el Dorado tiene que ver sólo con riquezas materiales, los habitantes esperan a dioses que purifiquen el lugar.

Pasan de ser villanos a protectores. Cuentan las maravillas del lugar y por qué ya no lo podemos ver. Algunos lugares para seguir siendo hermosos, tienen que ser secretos.



En el 2001 aparece “Shrek”. Cansados de ver cuentos de hadas, la propuesta es hacer que una princesa elija a un ogro.



Tenemos grandes elementos: la presentación del personaje leyendo un libro de cuentos en el baño que luego tira la cadena y arranca una hoja para limpiarse, el príncipe con complejo de tamaño que tiene el castillo más grande, el caballo más grande y es el más pequeño. Otra vez tenemos la figura del héroe menos probable, pero funciona muy bien.
Spirit llegaría un año más tarde. Ésta vez nos llevan al viejo oeste y al encuentro de un caballo con el hombre. Intentan domarlo pero él es rebelde hasta que lo monta el hombre más fuerte, que de todas maneras también lo termina tirando.
Se presentan otra vez las situaciones del héroe improbable y que los hombres crueles son la amenaza: aquí no suelen haber cosas sobrenaturales. Además se presentan los elementos románticos inevitables.

En el 2004 llegaba la segunda entrega de Shrek, que responde al éxito de la primera. Claro que la inclusión del Gato con botas a muchos les vale el film, a mí me sigue gustando más el primero. Pero tenemos a una hada madrina que en realidad es una bruja y a un príncipe tan metrosexual que no estamos seguros de que la princesa sea su objeto de deseo. Interesante vuelta de tuerca.



El mismo año llega “El espanta tiburones”. La verdad es que lo que más me gusta del film es el corto anterior de Dalí y Disney que se llama “Destino”. El film es básico, otra vez con una mentalidad de que debe salvar y cambiar la percepción de su entorno, que se encuentra la forma en la que todos viven felices y contentos. Lo único que me parece simpático es que uno de los tiburones que responde a la voz de De Niro tiene como segundo a Martin Scorcese.

En el 2005 llegaba Madagascar con los animales del Zoológico de Nueva York que han perdido el instinto y son estrellas. Cuando finalmente se encuentran en su hábitat natural, van pasando cosas interesantes.

De todas formas, vuelve a ser una aventura porque al final están ya volviendo al lugar del que son.

En el 2006 llega Vecinos Invasores y su necesidad de abastecerse de comida para sobrevivir. Tiene un buen uso del stop motion gracias a la ardillita, pero no demasiado más.

En el 2007 volvieron a insistir con Shrek, esta vez para que él se valiera de alguna excusa para no ser el heredero al trono. Más personajes, poco que agregar a la historia.

En el 2008 volverían a traer la fórmula de Madagascar con pocas variaciones. Lo que sí: los monos sindicalistas se la roban en un año donde hubo huelga de guionistas y crisis en todo Estados Unidos.

Kung Fu Panda es del mismo año. Tiene sus elementos tiernos y volvemos a la idea del llamado del destino y del héroe improbable. Pero ¿Por qué cambiarlo si funciona?

En el 2009 es increíble que este film no fuera pensado por Spielberg, ¿Por qué? Bueno… se trata de Aliens versus Monstruos, o sea, un festín para el hombre.
La peli es mala. No quiero ni recordar el tiempo que perdí mirándola.

En el 2010 hicieron de mis favoritas “Cómo entrenar a tu dragón”. En un relato muy irónico, vemos una aldea de vikingos y unos bichos de lo más adorables. La aventura es sobre la amistad, sobre el amor y sobre un montón de cabezas colgando. Es genial y crea unos ambientes hermosos.

Pero eso no fue todo: mi alma geek se vio saltando de felicidad cuando nos encontramos con “Megamente”. El hombre azul que se enfrentaba a un perfecto americano (sí, con patillas canosas y todo) que era tan perfecto que no podía menos que ser un salame.

Con homenajes ochentosos en los que “el padre espacial” es Marlon Brando en El Padrino o el entrenamiento para el héroe es con máscaras estilo tragedia griega para los diálogos y el Donkey Kong para los movimientos, no puedo menos que morirme de risa cada vez que la veo. La banda sonora es increíble, me la paso cantando ACDC después de eso.

En el 2011 se estrenó Kung Fu Panda 2 que cumple muy bien. Mantiene los personajes y le da un vuelco sentimental cuando sabemos la historia verdadera del osito. Tierna

El gato con botas y Tintín quedan por estrenarse. También tendremos Madagascar 3, Como entrenar a tu dragón 2 (es una saga literaria), Megamente 2 y hasta parece que un Shrek 5.

Con ustedes, me voy a pescar a la luna…por más películas.

miércoles, 26 de octubre de 2011

Steve Jobs ya tiene film en marcha y parece que lo escribirá Sorkin


Antes de que piensen que los muchachos están trabajando muy rápido considerando que aún ni siquiera se ha enfriado el cuerpo, la verdad es que ya pensaban hacer este proyecto hace dos años y hoy parece el mejor momento para darle un empujoncito.

Lo que inicialmente iba a ser escrito por Walter Isaacson, ahora pasó a manos del genial Aaron Sorkin, quien ha sido el autor de Red Social, Juego de Poder, Cuestión de Honor, entre otras. O sea que este hombre es el responsable de que Jack Nicholson le grite a Tom Cruise “You can’t handle the truth!”

Los derechos de la biografía literaria que sí escribió Isaacson, fueron adquiridos por Sony y será quien defina el resto del equipo.

No es poca cosa definir quién va a escribir el guión: debe tenerse en cuenta que en la ley de propiedad intelectual se reconoce al cine como una obra colaborativa de producción, dirección y guión.

Escribir un guión no es nada sencillo: debe estar narrado en tiempo presente y es una obra que no tiene peso literario a menos que sea traducido a imágenes. Es de esos escritos que uno los lee, pero en realidad los está viendo.

Se me ocurrió hablar de los nueve mejores guiones originales que recuerdo sin orden de preferencia, ya que elegir sólo nueve...¡Es una tortura!



Memento


La idea de que una persona no puede construir recuerdos nuevos gracias a una lesión, hace muy poderoso el recurso de mostrarte la consecuencia antes de la causa, de manera que todo lo que ves se va reinventado en frente tuyo.

El personaje es disciplinado y se tatúa los hechos importantes para no olvidar…la memoria es traicionera, ¿Los datos no? Recuerden a Sammy Jarkins.


 
Kramer versus Kramer


La historia de divorcio mejor contada del cine. La mujer en una crisis abandona a su familia y el marido que no tenía idea de lo que era encargarse de su hijo, debe empezar a construir la relación con él sobre la ausencia de ella. Todo cambia cuando Joanna vuelve. ¿Qué se resolverá para el chico? ¿Quién junta los pedazos de esta historia? Está enfocada en la pareja y evitan los golpes bajos con el chico…la verdad, impecable.


El eterno resplandor de una mente sin recuerdos (en España es ¡Olvídate de mí!)


Es uno de los films más románticos que vi en donde una persona pide que le borren los recuerdos de una relación pasada para no tener que sufrir tanto separados. El tema es que los recuerdos malos son los primeros que le vienen a la mente, pero los buenos son los que tienden a quedar. ¿Y si no quiero olvidarme de todo? Un viaje por la mente, por las relaciones, por el dolor y porque aunque sepa el final, te elegiría mil veces.

Sunset Boulevard

¡Wilder, cuánta falta nos hace tu luz! En la calle más famosa donde se vive bajo el spotlight, una ex diva del cine mudo que ha sido olvidada por el cine sonoro, vive en una mansión gigante. Al enamorarse de un hombre joven cree poder volver a todo el viejo esplendor, pero él la termina usando y traicionando. Nada que no pase normalmente en un film, ¿Verdad? Ah, me olvidé de contarles que todo esto nos lo cuenta un muerto flotando en la pileta.

Los sospechosos de siempre



Cinco ladrones profesionales son reunidos por la policía para hacer una ronda de reconocimiento. Era un crimen menor, pero ahí estaban todos. En esa misma celda donde esperaban el cuestionamiento, se organizaron. Es que no está bien que junten a semejantes tipos, es culpa de la policía. ¿Fue la policía? El mejor truco del diablo es hacer creer que no existe.

Los imperdonables


Un hombre lucha contra todo para mantener a sus hijos con un buen nivel de vida. Vive en medio de la nada, ha perdido a su esposa y está cansado. Un día le ofrecen volver a la vieja vida, a cobrar recompensas y sabe que necesita el dinero.

Se sube nuevamente al viejo caballo, con el viejo socio. Todo estando sobrio. Cuando las cosas cambian, unos tragos de ese whisky le darán la fuerza necesaria para hacer lo que hace falta.

8 ½


Fellini había hecho películas que nos hicieron soñar a todos. No siempre las disfrutamos pero siempre entendimos su necesidad de expresarse y lo que pensaba de la vida. El hastío de la vida, la búsqueda de significar algo, la crisis creativa, los sueños, a dónde llegar. Todo eso en un film inmenso. No todo lo de Fellini me gusta, pero lo que me gusta, me gusta mucho. Será que nadie tan apasionado puede causarte medias impresiones.

Ladrón de bicicletas

Si tuviera que definir exactamente lo contrario a la comedia sería este film. Fiel al neorrealismo, es un drama social con rasgos documentales que hace que los niños sean testigos de una miseria y una desesperación no propias de su edad. La bicicleta es el trabajo, el trabajo es la posibilidad de comer.

El gran pez


Todo hijo en determinado momento busca entender a su padre. En este relato que busca la identificación cuando el padre se está muriendo tiene míticas proporciones y el mito se convierte en el hombre y viceversa. El tema no siempre es comprender como lo es aceptar.

¿Cuáles me faltan? ¿Qué piensan de una biopic de Jobs?

martes, 25 de octubre de 2011

Los verdaderos camaleones: Michael Fassbender



Nacido en Alemania pero habiendo vivido desde su infancia en Irlanda, este pelirrojo de ojos celestes sigue sorprendiendo rol tras rol con su mezcla de sangre y su versatilidad.

Ahora está a punto de ponerse muy de moda, pero los cinéfilos sabemos que el 2008 fue de él, con Hunger, film que acá no se estrenó pero que ha marcado nuestras mentes a penas lo vimos.

Sus estudios empezaron cuando terminó el secundario y finalmente se dio cuenta de que esto era lo que quería hacer. El Central School of Speech and Drama fue el elegido.

Sus pasos empezaron para televisión con Band of Brothers (nada mal, ¿Eh? Empezar de la mano de Spielberg y Tom Hanks) y su debut en cine fue en el 2006 con “300”.

En el film de Zack Snyder lo que realmente resalta es la estética por sobre la historia que se inspira levemente en un hecho real y mucho en una novela gráfica. Aquí interpreta a Stelios, un orgulloso soldado que daría la vida por su rey y que disfruta con un sadismo tan extremo la batalla y la muerte y coquetea con la idea de la inmortalidad del nombre. Funciona en conjunto, pero la verdad es que no se destaca demasiado por sobre el resto y, claro, no por sobre Gerry Butler como Leónidas.

Un año más tarde haría “Angel”. La película es insoportablemente mala pero el papel de Fassbender, la fragilidad que manifiesta en su personaje es lo único que vale la pena del film. Esme es un artista frustrado, atormentado frente a su propia naturaleza. Es el objeto amado de Angel y se queda junto a ella sólo porque no puede evitar sentirse atraído a todo lo que ella siente por él. Será un hombre difícil, vulnerable y esquivo. Cumple muy bien pero repito, el film es insoportable.

En el 2008, Steve McQueen que estaba por dirigir su ópera prima, le da la chance de tener un protagónico. El film se llama “Hunger” y se trata sobre la vida de Bobby Sands, miembro del IRA y miembro del Parlamento que hace una huelga de hambre que tuvo repercusiones internacionales.

Lo que se hace inmenso en este film no es sólo el talento del actor, si no una visión del director que es intensa y humana, que puede ver la fuerza del ideal y la fragilidad del cuerpo. De esta manera no hay víctimas ni victimarios, hay posiciones contrapuestas. La famosa escena en la que él está negociando su posición, con el torso desnudo y fumando para matar la ansiedad con un cura se va presentando por 22 minutos toda la humanidad y la pasión del personaje. Es incómoda y honesta hasta la brutalidad pero es un gran film. Fassbender es la piedra angular, la pincelada exitosa de McQueen.

Ese mismo año se estrenaría “Eden Lake” que empieza siendo una comedia romántica y termina siendo un thriller violento y de suspenso a orillas de un lago. Siendo la ópera prima también de otro director, hay que tratar de no esperar de él tanto como de Steve…además el género permite un poco menos.

OK, A ver…el film es sangriento a más no poder y presenta la tipología de su género a raja tabla. Los sádicos en este film no son grandes conspiradores, ni un asesino que vive solo en el lago, son adolescentes. Claramente, Fassbender es el chico de la pareja que se va a buscar un fin de semana romántico. Lógico que piensa que puede neutralizar a los atacantes como si nada…pero resulta que están más preparados de lo que se cree. Además, tienen un desapego hacia la vida que el personaje de Steve (Michael) no puede tener nunca: él tiene la posibilidad de perderla a ella.

No trae grandes sorpresas en lo argumental, pero trae grandes ríos de sangre. Lo que sí, no se pierdan el final.

En el 2009 haría “Fish Tank”. Esta película siempre me sorprende con algo nuevo y es que al investigar me di cuenta de que la directora tenía un guión pero no se los dio a los actores si no que dio unas pautas día a día para construir las situaciones. Como resultado tenemos a un chico que va a tener un romance con madre e hija sin que te parezca un pervertido o un aprovechador…digamos que de esa manera el espectador puede identificarse y pensar que eso también podría pasarle a él.

La historia se centra en Mía, una adolescente que sueña con bailar hip hop y que tiene problemas de ira y de sentirse errante en el noventa por ciento de sus cosas. Cuando Connor aparece, su madre se viste provocativa de nuevo y manda a sus dos hijas arriba, para poder hacer su fiesta. Connor será el quiebre para ambas, será el primero en intentar entender a Mía y una atracción manejada de una forma muy sensual se irá construyendo.

El final siempre está cuando uno toca fondo pero aquí todos los personajes se arrastran en el espiral que es Mía.

Bastardos sin gloria llegaría el mismo año. Tarantino creó esta situación entre descabellada y comiquera de la Segunda Guerra Mundial que lo hacen una ficción fascinante. No es necesario que les recuerde las capacidades de Christoph Waltz en el film o del extremadamente americano Brad Pitt pero déjenme recordarles al genial Archie Hicox como ese tan fino militar, extremo en sus gestos pero siempre parece recién salido de la tintorería, incapaz de inmutarse. Un villano que sólo se puede crear en un cómic pero llevado a la maravilla para ensamblarse con el resto de la historia.

En el 2010 se estrenaba Centurión. Los films épicos suelen engancharme mucho. No está mal logrado en absoluto, se vuelve romántico y extremadamente apasionante pero creo que entra tan bien en la tipología que se va perdiendo el gancho a la mitad del desarrollo.

Fassbender interpreta a Centurión, un soldado tan inmenso que no pueden dejarse de lado ni sus modales, ni su valentía, que se encuentra con una chica que es sobreviviente de una aldea que no ha sobrevivido, cuyas fragilidades se encuentran.

A la mitad, ya sabía todo lo que podía esperar del film…y no era mucho. Lo que sí, vuelan ríos de sangre.

Jonah Hex llegaría después. Este cómic sobre el hombre que vuelve de entre los muertos para dar caza a malvados funcionaba mejor dibujado. De todas formas tuvo gran repercusión y Fassbender nos trajo a un Burke de lo más desquiciado, bordeando el sadismo. Unos tatuajes en su barbilla terminan de formar esta imagen imponente del hombre que se sabe afuera de la ley y que hará cualquier cosa para mantenerse en pie.

En el 2011 hizo una nueva versión del clásico de la literatura inglesa “Jane Eyre”. Aquí construye un exacto Rochester con esos elementos de cinismo y de estar tan alejado de la sociedad y de la buena vida, que sabe que puede tomar lo que quiera sólo para satisfacerse. Es un hombre tan deprimido y que al mismo tiempo confía tanto en sus encantos y en su dinero, que se presenta imponente y, nosotros que lo vemos desde los ojos de Jane, caemos a sus pies sin ningún tipo de resistencia. Después de todo, ella es el bálsamo que alivia todo para él y lo que vemos, lejos de ser inalcanzable, es un alma herida. Sí, me gustó muchísimo esta versión.

De ese mismo año es X-Men: First Class. La verdad es que originalmente estaba pensada como los orígenes de Magneto y fue evolucionando hasta ser el inicio de los hombres X.

Honestamente, fui a ver el film por McAvoy, actor que me encanta, pero descubrí que estaba desapareciendo frente a Fassbender que nos presenta un elegante y cínico Erik, que sabe el poder que tiene, que puede influenciar al resto, que paga sus deudas pero sus ideas siguen firmes: la evolución lo ha elegido.

Así es como en el trato con Mystique también muestra su fuerza: la verdadera belleza no es esconderse, es mostrarse.

Todavía no perdono el error de producción de mostrar Villa Gessel con lagos y montañas, pero tampoco juguemos a que Hollywood intenta hacer un cine realista…La escena en la que Michael se enfrenta a los nazis escondidos, funciona muy bien de todas formas…

Queda por estrenarse en Argentina “Un método peligroso” en donde comparte cartel con Viggo Mortensen y Keira Knigthley. Aquí interpreta a Carl Jung en el momento en el que empiezan a incursionar en el psicoanálisis. Sabemos que habrá escenas fuertes con Keira, que tiene una tendencia al sadomasoquismo, sabemos que se presentarán dudas en cuanto a la objetividad del método y que veremos a tres talentos batirse a duelo actoralmente.

Pero eso no es todo: el muchacho de 34 años está cosechando premios por su segunda participación con McQueen en Shame. El film se enfoca en Brandon (Fassbender) un ejecutivo neoyorkino adicto al sexo que tiene a su hermana mudándose por unos días a su casa.

El trailer nos muestra esta misma idea honesta, humana y brutal en el relato con una gran fotografía y nos vemos cayendo en espiral con él. No puedo esperar a que se estrene, creo que será un film memorable.

Para el año que viene tiene dos estrenos: Haywire que es un film de acción y Prometheus que sería una especie de precuela de Alien, pero con peso propio. Además está trabajando en un proyecto aún sin nombre de Jim Jarmusch y ha firmado recientemente para 12 years a Slave, también de McQueen.

Este pelirrojo se las trae…por lo pronto, cuenta con mi voto (casi) a ciegas.

lunes, 24 de octubre de 2011

Spotlight on: Django Unchained





El nuevo proyecto de Quentin Tarantino aún no empezó a filmarse y todos estamos hablando del film desde ahora.

Después de sus bastardos, el director y guionista se enfrascó en un proyecto que lo llevaría al lejano oeste, en la época de la esclavitud para presentarnos al sur americano en su esplendor antes de la Guerra de Secesión.

La historia se trata de un esclavo liberado que se convierte en un cazador de recompensas y, con la ayuda de su mentor, emprenden una travesía hasta Mississippi para poder salvar a la mujer del primero de las garras de su dueño: el cruel Calvin Candie.



El elenco no tiene pocos nombres: Leonardo DiCaprio será el cruel dueño de la mujer de Jaime Foxx. Samuel L Jackson será el mentor de Foxx. Además contamos con el inmenso Christoph Waltz haciendo del doctor King Schultz (ya sabemos qué esperar de él en pantalla y que veremos a un parsimonioso doctor del sur).
Se rumorea que la mujer de Django (Foxx) sería Kerry Washington (El último Rey de Escocia, Ray) y que el rol que dejara vacante Costner cuando se bajó del proyecto, parece que lo tomaría Kurt Russell.



Las productoras que pondrán el sello serán Sony Pictures, Super Cool ManChu, Too y Weinstein Company. Tantos nombres nos dan otra prueba: el hombre piensa hacer un montaje que valga tener tantos sellos. Con sus antecedentes de Kill Hill 2 y cómo logró inspirar el lejano oeste, su música y colores sobre todo para el sentido duelo final. Sabemos que si Leonardo debe enfrentarse a Jamie, acá la cosa puede volverse exponencialmente más interesante.


¿Cuándo la veremos? Tiene una fecha de estreno para fines del año que viene. Aún no se ha terminado de concretar el casting pero calculan alrededor de seis semanas de filmación para la totalidad del film.


Si algo sabemos de Tarantino es que es un estudioso del séptimo arte. Veremos homenajes a grandes films, a films que todavía a lo mejor no vimos, pero que cuando los veamos sabremos que logró recrear la atmósfera pensada en el original. A lo mejor este hombre no cuenta con un título sonante en fílmico, lo que sí tiene son kilómetros de celuloide vistos.


En enero empiezan a filmar en Nueva Orleáns…nos vemos en el oeste según Tarantino.

viernes, 21 de octubre de 2011

Dark Blood puede volver a traernos a River Phoenix a la pantalla grande



Hacía 18 años que esta promesa del futuro de Hollywood era encontrado por su hermano en shock por sobredosis. Hasta el día de hoy canales como E! siguen pasando la grabación de Joaquín pidiendo desesperadamente una ambulancia. Esto lo marcó lo suficiente como para estar lejos del spotlight por mucho tiempo.

Pero eso no es todo: habiendo pasado todo el tiempo que pasó aún no se ha perdido el material del film que estaba rodando con el director George Sluizer y ahora dice que está dispuesto a completarla.

Legalmente esto funciona de una manera muy sencilla: al ser contratado el actor firma la cesión sobre los derechos del uso de su imagen por lo que están en el poder de la productora y ésta puede decidir si usarlas o no. Así es como, por ejemplo, Marlon Brando apareció en la última Superman.

River, quien todos conocemos por películas como “My ow private idazo”, “Stand by me” y que hacía del joven Indiana Jones en “La última cruzada”, murió a los 23 años. Su hermano Joaquín es el actor que encarnó a Jonnhy Cash en “Walk the line” y al emperador Commodus en Gladiador. Aparentemente, ambos tienen una voz muy similar y si el hermano acepta, se combinarían sus capacidades para terminarla.

En una entrevista, el director dijo que con el material puede llegar a terminar de darle forma para el año que viene. El resto del elenco con Jonathan Pryce, Judy Davis y Rhonda Aldrich.

En el film, River encarna a Boy (chico en inglés) que es un joven viudo viviendo y sobreviviendo en una zona de pruebas nucleares. La idea es que los efectos afectan tanto al protagonista como al resto y que empieza cada vez a encerrarse más y vivir como un ermitaño coleccionando muñecas que él cree que tienen poderes mágicos.

Una pareja del jet set hollywoodense llega al desierto de Arizona en su segunda luna de miel, terminan siendo prisioneros de Boy.

Aún no se ha confirmado la participación de Joaquín. Permítanme dudarlo, ya que la muerte de su hermano lo ha marcado en casi toda su carrera profesional.

A otras estrellas les tocó la misma suerte: Heath Ledger apareció en “El imaginario mundo del Doctor Parnassus” post mortem, James Dean ya no estaba entre nosotros cuando se estrenó “Gigante”, Marlon Brando apareció gracias a imágenes de archivo en “Superman” y “New Yor, I love you” usó un guión y fue dedicada a Anthony Minghella.

¿Qué piensan de este film? ¿Debe ver la luz o es sólo una forma de venderlo que aparezca River? ¿Es sólo una cuestión de “culto al muerto” o un buen film?

jueves, 20 de octubre de 2011

Matt Damon debuta como director y otros actores también lo han hecho



Hoy se comunicó que finalmente Matt Damon encontró el proyecto que le interesa dirigir, por lo que un paso que hace tiempo quería tomar, ya está encaminado.

El título es Father and Daugther Time: A tale of armed robbery and Eskimo Kisses (algo así como Tiempo de Padre e Hija: una historia de robo armado y besos). De todas formas ahora las fuentes dicen que quiere congelar éste para dirigirse a sí mismo junto con John Krasinski (sí, el genio de The Office).

La idea de esto último es que sea producida por el actor de televisión y que el guión sea coescrito por Damon y él. No debemos olvidarnos de que Damon ganó un Óscar en la categoría de Mejor Guión Original junto a Ben Affleck.

Se supone que la historia rondará alrededor de un personaje que es un vendedor que llega a un pueblo perdido y le pasan ciertas cosas que lo llevan a cuestionarse su vida. Ajam, suena a algo que no vimos nunca, ¿No? Pero estoy dispuesta a darle una chance.

Ya sabemos que no aparecerá en las nuevas de Jason Bourne, lo que parece lógico para no encasillarse en un papel (miren si no lo que le pasa a Bruce Willis que todavía no llegan a matarlo) y que se ha dado el gusto de trabajar con casi todos los grandes nombres de la industria y va por más.

Se me dio por pensar en cinco nombres de actores que son directores. Algunos con mejores resultados en un área que en otra. Me gustaría saber qué les parece: si es una necesidad de manifestación artística o de crecer como estrella o la simple necesidad de perpetuarse y de seguir teniendo trabajo. No puedo menos que acordarme de las declaraciones de Glen Close en Venecia: a los 35 ya dejan de llamarte porque no podés hacer del objeto de deseo.



Robert Redford


Su mayor logro ha sido crear el espacio del Festival de Sundance en el que se premia al cine independiente pero sobre todo al americano de manera de fortalecerlo. También tiene un instituto en donde se enseña. ¿Su mejor película? “The river runs through it”.


Clint Eastwood


Para mí este hombre con un sombrero puesto hace que valga la pena cualquier films. Encima resulta que actúa, encima resulta que dirige muy bien. ¿Mejores películas? Me quedo con dos: “Los imperdonables” y “Los Puentes de Maddison”.

Jodie Foster

Esta gran actriz sabe contar historias tanto desde adentro como desde afuera. La escena en la que el asesino la espía con unos anteojos de visión nocturna y sabemos que ella no ve nada, hacen que se nos ponga la piel de gallina. ¿Su mejor trabajo como directora? “Mentes que brillan”.

Ron Howard



De chico era un colorado simpático y apareció en varias series y films para toda la familia. Resulta que después, desarrolló la veta de la dirección y resulta que le salió bastante bien. ¿La que más me gusta? Una mente brillante.


Sean Penn

Into the wild es, sin dudas uno de los mejores films que vi en mi vida. Las imágenes inmensas, la desesperación y la búsqueda con el uso de un narrador cínico y descarnado hacen de esta película, una cita obligada de uno con el cine. Ah, además, es un actor impecable.



miércoles, 19 de octubre de 2011

Los créditos y pósters: la imagen de la película

No sé si muchos lo saben, pero soy relacionista pública. Para nosotros, la imagen es una de las cosas más importantes que tiene cualquier producto o empresa y, mientras muchos predican que el cine sólo debería ser arte, siempre pienso que de nada sirve un film que nadie ve: todos tienen un mercado, un público y una comunicación y eso es lógico. Nunca me resultaron antagonistas las ideas de que el cine es arte y entretenimiento. 

¿Qué es lo que crea la imagen de una película? El tráiler, los afiches y los premios junto con los comunicados de las productoras. Que la gente esté esperando la llegada de alguno de esos elementos para calmar la ansiedad de ver un largometraje, habla de la comunicación que se ha hecho de él.

El star system de Hollywood usa a directores, actores, etc para asegurarse de que la gente mire lo que producen. Las productoras suelen ser un sello, pero sólo si son relativamente grandes o que tengan alguna cosa de mucha exposición reciente. 

Pero eso no es todo: para que no te defraude un relato tiene que tener una estética coherente con lo que te han vendido. Algunas productoras tercerizan los tráilers, y hasta la secuencia de títulos pero están supervisadas por el director y algún miembro de la productora.

Pocas veces la gente repara en cómo funciona la secuencia de títulos y es que aparte de definirte una línea de estilo, te define un ambiente. Debajo, les dejo las mejores. Creo que hablan solas, te crean la atmósfera y son un elemento de refuerzo del relato. Está poco valorado en el cine latinoamericano...deberíamos darle mayor importancia.


Taxi Driver

La película data de los tumultuosos 70s, que han sido durísimos en todo el mundo. Un hombre que trabaja de taxista pero que es rechazado por la sociedad. Un psicópata en potencia y una prostituta infantil nos dan esta visión de la soledad y de la ciudad como bolsa de gatos que permite el anonimato. Tenemos imágenes oscuras y un personaje que va mutando radicalmente frente a nuestros ojos. Todo ésto y aún no ha empezado el film.

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Watchmen


Cuando vemos éste póster sabemos que no es un cómic. Si miramos los antecedentes del director (300) nos cierra más: es una novela gráfica. Ya estéticamente será poderosa porque va a mantener un parentesco con aquello que se ve impreso en papel pero ¿Cómo marcar la diferencia entre una temática cómic que es más de acción y la complejidad y la problemática de una novela gráfica? Mostrando intimidades, los fallos en el mundo por más que hayan superhéroes, fotos gastadas, asesinatos y una intensa música nostálgica. Funciona a la perfección.

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Atrápame si puedes



Sé que estos créditos son un tributo a alguien que los hacía para Hitchcock, OK, no me reten porque sé que no son originales, pero no me van a negar que están diseñados de una manera increíble, con esa música que te da un tono de comedia ligero, de enredos un poco naive y que te cuenta todo el film sin que lo hayas visto. No habrán sorpresas, pero sabés que te vas a entretener lo agarre o no.


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Con la muerte en los talones


El gran Alfred. El hombre que "vendió" La soga como hecha en una sola toma porque sabía que el truco estaba en llenar las salas de cine. ¿Nos defraudó? No, claro que no. Y, sobre todo, hacer un film en esa época en planos de 10 minutos es una hazaña. Muchos actuales no sabrían cómo hacerlo por más facilidades tecnológicas que tengan.

Este film, uno de mis favoritos del director, nos muestra a un hombre atrapado en caída libre, que no puede defenderse. Apenas empieza el relato vemos a una gran ciudad, a millones de personas y a la altura de los rascacielos. Éste hombre tendrá mucho para correr, pero no puede esconderse eternamente. 


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Seven


Éste genial e impecable thriller nos presenta muchas cosas diferentes, una de ellas es la secuencia de títulos. La idea de saber que estamos viendo cómo prepara la escena un asesino sádico ya nos pone la piel de gallina; por suerte tenemos esa música con los sonidos agudos que refuerzan esos pelos de punta. 

Así es como entramos en la historia: sabiendo que es meticuloso, un estudioso de la escena, que hay una preparación y que empieza a verse como una pieza de su obra final. Todo ese perfil con sólo empezar. 

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¿Son de mirar éstas secuencias? ¿Qué les parecen? ¿Son importantes? ¿Cuáles me faltan?

martes, 18 de octubre de 2011

Las escenas de sexo y los desnudos en el cine de Hollywood


Soy una romántica incurable. Me encantan las historias melodramáticas de esas mujeres de hierro que sobreviven todo tipo de guerras para esperarlo fielmente y el hombre que se bate por el país y el honor y no deja de extrañarla. ¿Por qué digo esto? Porque creo que las escenas de sexo suelen arruinar el ambiente romántico.

La elipsis narrativa se trata de no mostrar algo que es obvio para el espectador, que se puede pasar por alto para el resto de la historia: la escena de sexo puede ser una perfectamente. ¿Cómo? Sí, ella se saca la bata, se ve la espalda desnuda y él esperando en la cama. Corte, hablando románticamente en la cama. Ya está.

¿Cuándo una escena de sexo es funcional? Cuando habla de un quiebre en el personaje. Si se pasó gran parte del film resistiendo a la tentación y finalmente lo hace, tiene sentido que mostremos el inicio. Si es un abuso, también porque sirve para que el relato avance o para justificar un cambio en el personaje. Si es gratuito, no sirve de mucho. Con esto también zanjo el tema de la conversación sobre sexo: ¿Por qué Cameron Díaz tiene la necesidad de acabar de conocer a Jude Law y decirle que es pésima en la cama? A mi entender, mata el romanticismo en una supuesta comedia romántica.

Entonces el desnudo también adquiere importancia. Todos sabemos lo puritano que suele ser el cine hollywoodense: los desnudos femeninos por sobre los masculinos y rara vez mostramos más que los pechos. Debajo, les dejo siete ejemplos de desnudos funcionales que, o dejan claro que la escena de sexo no es necesaria o que son narrativamente relevantes y, claro, son visualmente impactantes.

7. Mujer Bonita.

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Considerando el trabajo de Julia Roberts en este film, tenemos que mencionar que el romance se sostiene por la ausencia de escenas explícitas de sexo por más que sabemos que ha sucedido más de una vez. En ésta se hace particular énfasis por la simple razón de que es un quiebre para el personaje de él que en ese momento se siente derrotado y que remarca que ella aún no está enamorada porque no puede besarlo en la boca. Así, el beso tiene más presencia que el sexo y esta escena pronto se ve eclipsada por la otra. De todas maneras, resulta la más chocante de la peli ésta sobre el piano.

6. Terminator

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Tiene extrema lógica que el viaje en el tiempo te deje desnudo del otro lado, así podés hacerte de ropa que vaya con la época y no dejás rastros. También nos cansamos de ver al ex Gobernador de California en tarlipes frente al mundo, pero bueno...no se puede todo.

5. Psicosis

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Una chica que manejaba por la ruta encuentra un Motel cuando tiene que refugiarse de una tormenta. Un chico algo tímido y algo infantil la recibe. Cuando ella se entra a bañar, una sombra a través de la cortina deja ver un pelo largo y un cuchillo. 
Vemos partes del cuerpo de la víctima desnudos, la sangre que corre hacia el desagüe y sus ojos sin vida es la última imagen. Sabemos que está desnuda, vemos determinadas partes pero no la necesitamos entera...nada puede hacer esta imagen más dramática...sólo más morbosa.

4. Full Monty

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Tengo que confesar que cuando estaba buscando el video me reía sola de recordarlo nada más. Esta genial comedia de hombres desocupados que no tienen mejor idea que convertirse en streapers para poder tener algún ingreso y que sus números dejen de estar en rojo. Así tenemos hombres que no son sex symbols pero que se calzan el disfraz y hacen lo que tienen que hacer. Genial y en la narrativa es tan graciosa que no podía dejar de citarla.

3. Promesas del Este

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Es uno de los films de mafia mejor hechos de este tiempo. Viggo Mortensen vendría a a ser un infiltrado pero la competencia parece no tolerarlo tan bien, así que lo ataca en un lugar donde sabe que no va a ir armado: un baño turco. La escena está muy bien resuelta y tiene un desnudo total que es funcional al relato porque el hombre no puede defenderse con una toalla constantemente, ¿No?

2. Titanic

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Cuando vemos a unos Leonardo y Kate tan jóvenes todavía nos acordamos de lo que nos pasó la primera vez que vimos esta escena. Kate era una chica que estaba presionada a casarse con un tipo por el que apenas siente simpatía en orden de mantener un estilo de vida que no estaba segura de apreciar mucho. Cuando se encuentra con un artista bohemio, el quiebre del personaje es atreverse a revelarse ante él. No importa cuanto mundo haya recorrido él con sus hojas en blanco, pintarla a ella le crea una sensación diferente y es el deseo latente en esa escena la que hace que cuando concretan un par de minutos después, no sea necesario ver nada más.

1. Bajos Instintos

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Una psiquiatra drogadicta y que vive al límite gusta de escribir novelas sobre asesinatos. El elemento sexual parece desconcertar a todos y no hablo solamente de las letras de su autoría sino que verla simplemente ya marca un estilo provocador y liberal sin que sea ordinaria. Esta mujer que mucho tiene de felino, desestabiliza todo un interrogatorio con un par de respuestas subidas de tono y un cruce de piernas que es más sugerente que cualquier otra escena. La convirtió en un icono por haber tocado tantos temas que hoy para muchos siguen siendo tabú: las drogas, la homosexualidad, el sado masoquismo, etc.


¿Ustedes qué creen? ¿El desnudo tiene que ser siempre funcional o no les parece una forma de vender al actor/actriz y listo? ¿Sigue siendo una forma de promocionar un film que si no no tendría nada?