El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

jueves, 31 de mayo de 2012

¿Y si era el otro? Triángulos en los que eligen al equivocado...


En realidad tenía pensado un post mucho más deprimente para hoy, pero como terminé una saga literaria y estoy totalmente en contra de quién eligió la protagonista, se me ocurrió hacer un post sobre qué hubiera pasado si los films terminaban con otra elección en el triángulo. ¿Me acompañan? Acá, como diría Mauro, cada uno elige su propia aventura.

Casablanca


Rick renuncia al amor de su vida porque ella estaba casada con un activista anti nazi que lideraba la revolución. Cuando ellos se conocieron, ella creía haber enviudado, pero resulta que no. Por eso desaparece. ¿Qué hubiera pasado si ella no desaparecía? ¿O si Rick no se hiciera el héroe y escapaba con ella a París porque a Estados Unidos no podía ir? ¿Siempre tendremos París? Entonces vamos a París. Era otra buena forma de dejar Casablanca…

Cumbres Borrascosas


Una tormentosa chica logra enamorar a dos tipos. Uno le da paz y tranquilidad con una estabilidad que ella nunca podría tener sola. El otro es todo lo pasional que se puede pedir. Es intenso y enciende en ella lo más fuerte de su naturaleza.
En su afán por elegir lo que es más seguro, lastima a todos y a ella misma. ¿Qué hubiera pasado con Kathy si se resignaba a quererlo por más que haya pasado todo lo otro? ¿Hubiera habido entre los dos un “felices para siempre”?

Closer


Si la depresiva y el romanticón que se creía Casanova se hubieran quedado juntos. ¿Hubieran durado? Si no aparecían el cínico doctor ni la fría streaper, ¿Se quedaban el uno con el otro? Qué tortura de pareja, pero seguro que no les iba a faltar otra persona para sumar a su cama…

Los Puentes de Madison


Francesca dice que no se va con Robert porque lo que tiene con él muere si se quedan juntos y lo que tiene con Richard muere si se va. Creo que hay una idea del amor romántico que lucha contra el amor de pareja y que ella no se quería arriesgar a no tener ese lugar al que recurrir cuando el tedio de su vida se hiciera insoportable. Si hubiera asumido que las cosas no siempre van a ser fantásticas pero que no es ella si se queda a media marcha, ¿Cómo hubiera terminado esa historia en la lluvia?

Lo que el viento se llevó


Si Ashley se decidía a dejarla a Melanie…¿Cuánto le hubiera durado a Scarlett?
Creo que mucho menos que un estornudo. Es una pena que ella haya sido la última en darse cuenta.

La boda de mi mejor amigo


Cuando Jules se da cuenta de que en realidad vivió enamorada de su mejor amigo, que siempre la quiso, bueno, la idea de “es muy tarde” llega como un baldazo de agua fría. Estamos de acuerdo que la otra chica era perfecta, pero deja ese sabor agridulce indescriptible…


El bonus track es cuando en Mujercitas Jo rechaza a Laurie. Nadie puede entenderlo. Llevó mucho tiempo de discusión en twitter…

Los invito a que me digan esas parejas que eligieron el o la equivocada al final.

martes, 29 de mayo de 2012

Duplas inolvidables director - actor. Entrega VI: Elia Kazan y Marlon Brando



Marlon Brando no necesita presentación. Cada vez que un actor hace un gran trabajo, evocan su imagen. Ese rebelde absoluto, actor de método que se comía la pantalla.

Su estilo de hablar en la que mastica para adentro las palabras y de tener eso medio animal, encontró un punto máximo en su carrera. Su fama empezó en los 50s cuando trabajaba para este director. Imagínense que por tres películas tuvo dos nominaciones al Óscar y uno ganado.

Elia Kazan era turco pero parecía entender al público americano y a Hollywood mejor que nadie. No sólo triunfó en Broadway sino que ha hecho hitos del séptimo arte.

Se enorgullecía de su escuela de “actores de método”, de la que él era parte por haber estudiado actuación. Descubrió talentos como a Brando y a James Dean.

Mientras Brando era un activista, Kazan fue dejado de lado por haber testimoniado en la caza de brujas del senador MCarthy. No era que tenía demasiadas opciones, también hay que reconocerle eso.

Un tranvía llamado deseo 1951


Cuando Brando entra a escena en esta película, ya sabemos que hay un magnetismo en él. Lo interesante de esta obra es cómo Stanley, este hombre bien básico, se casa con una chiquita perfecta y cuando llega la errática hermana, que él sabe esconde algo más, una atracción inevitable empieza a crecer entre ellos.

Si bien han criticado que era una película excesivamente teatral, creo que la idea de la claustrofobia que se va creando con los personajes cada vez en decorados más pequeños, que se ven obligados a verse, a enfrentarse, a que el cuerpo les hierva es una gran decisión.

El grito de Marlon al final se convierte en un clásico de este drama agónico y que, debo decir, él sostiene mejor que cualquier otro miembro del casting.

Viva Zapata 1952


Emiliano Zapata es un líder de la revolución mexicana, pero poco de él se ve en esta cinta. Es que Hollywood no intentaba ser realista sino hacer una historia aparte.

Basada en la novela del genial John Steinbeck, que cuenta desde el nacimiento del personaje hasta que se muere y eso también la hace ambiciosa ya que no es sencillo retratar toda una vida en una sola película.

El despliegue de decorados, de sets reales, de maquillaje y vestuario terminan de confirmar esto.

Zapata fue quien lideró la lucha contra el dictador Porfirio Díaz. Abogaba porque la gente recuperara sus tierras, las que el Estado había tomado por lo que creía su derecho. De esta manera se combinaban los ideales de Brando fuera de pantalla ya que no debe dejarse de lado que él era un activista por los derechos de los nativos, los que consideraba verdaderos dueños de las tierras.

Lo interesante del planteo de la historia (y en donde se nota la mano magistral de Steinbeck) es que tiene un carácter cíclico en donde se libran de un dictador pero otro está dispuesto a llegar para golpear la puerta y repetir historias. Hay pueblos que no aprenden y revolucionarios que se vuelven el sistema.

Brando logra imprimir ese halo de lucha alrededor de su personaje, como si él hubiera nacido para imponerse y todas las voces se apagaran para escuchar la de él. No es un héroe listo para la estatua, sino que tiene un costado humano tan grande que termina siendo el imán para el resto de sus aliados.

Será a través de él, de su mirada desde donde descubriremos lo terrible de la naturaleza humana. Se convertirá en una víctima de los que ha querido salvar y ahí es donde el héroe cae y queda sólo el humano, sin más utopías a las que aspirar.

Por otro lado, un par de líneas resumen muchas cosas, como ser cuando el dictador pide paciencia y Zapata responde que ellos no comen tortillas de paciencia, sino de maíz. También se remarca el hecho del símbolo: cuando muere saben que hay tipos que muertos son más peligrosos que vivos.

Nido de ratas 1954


La mejor obra de este dúo, sin dudas, llega como una denuncia a la mafia de los sindicatos y de la presión política que ejercen, casi de un tinte mafioso.

La historia pasa entre los muelles y está basado en una serie de artículos que funcionan como pruebas (un estilo “Pandillas de Nueva York”).

Cómo se estructura la mafia, cómo la maneja el sindicato versus la policía, quién tiene poder en qué territorio y cómo se arman de matones e informantes es brillante. Va articulando el thriller encerrando al personaje de Terry (Brando) en donde asciende por momentos y después lo despedazan.

No puede testificar por más que él odia ser un juguete de presión del otro, de haber tenido que perder una pelea de box para que gane dinero. Y comprar su silencio es primordial para los otros.

El universo se hace cada vez más complejo cuando sumamos el cura de la zona, el asesinato, la mujer como punto de discordia y extorsión. El film tiene realmente de todo y está tan bien articulado que nada se te escapa y no podés menos que sentir pena por Terry que no ve que es probable que no salga bien parado de esto.

Tal vez vicia un poco el relato con una idea aleccionadora que no es necesaria, pero uno debe entender el film en el contexto en el que nace y en ese sentido, creo que como tampoco se le puede criticar la inexactitud del relato de Zapata, esto pasa desapercibido, casi.

Pero nada puede negar que esa mezcla de lo ordinario con lo sensible que construye Brando es cautivador todas las veces. Ni hablar cuando lo vemos con ese garfio ensangrentado avanzando hacia la redención espiritual.

Tratemos de evitar las D y D…

lunes, 28 de mayo de 2012

Los verdaderos camaleones: Ryan Gosling



Cuando este hombre apareció en pantalla para la ya clásica “Diario de una pasión”, varias mujeres cayeron a sus pies y todos los hombres lo subestimaron como el próximo galán. Lo que no sabían era que tenía carrera a sus espaldas y la tendría hacia el frente y que sería siempre extraño verlo protagonizar este tipo de historias porque siempre ha sido un actor que gusta de papeles más complejos.

Oriundo de Canadá, empezó su carrera en el Club de Mickey Mouse allá por mediados de los 90s. Pero sería su amor por el cine independiente y por los roles tortuosos que podía interpretar lo que lo terminaron definiendo.

El chico también tiene su costado musical con su banda DeadMan’sBones que ya tiene un disco en la calle.

Si bien tuvo experiencia desde corta edad, no fue hasta los 19 cuando eligió moverse de las series a las películas.

La primera película con un éxito relativo en taquilla en la que participó fue el clásico de Disney Remember the titans en el 2000. Esta película cuenta las peripecias de un equipo de fútbol americano mientras sus miembros se enfrentan a la discriminación racial, a la discriminación por orientación sexual y a la muerte.

Alan es en la piel de Gosling un chico dulce que ama la música y que siente ese ambiente liberador a través de eso. Tal vez es el que menos en serio se toma todo, pero no por eso es el eslabón débil de la cadena.

No es el papel principal pero ya puede distinguirse su tono de voz nasal con su extraño acento y, sobre todo, se ve que puede hacer duelos actorales con pesos pesados sin desaparecer en pantalla. No nos olvidemos que era versus Denzel Washington.

Un año más tarde se estrenaría The believer. Fue su primer protagónico lo cual ya les tiene que decir que fue hecha con dos centavos.

En un momento en el que American History X estaba saliendo al mercado, esta película nos presenta a Danny, uno de esos personajes retorcidos que tanto le gustan a Gosling.

Danny es un judío que duda de su religión. Duda de absolutamente todo. De si el pueblo de sus antepasados es el elegido, de si su postura en el conflicto con Palestina la hacen sobre mejores bases que la costumbre o la religión.

Por un lado, me gusta mucho cómo construye el discurso ya que no es un ignorante y estudia con pasión las escrituras buscando una respuesta, el error es que busca una respuesta mágica. Tiene momento de dudas, claro, reuniones en las que se ve su poder de oratoria o que no siempre el hecho de meditar te lleva a la paz precisamente.

Hay una cultura a que el fuerte prevalece, eso queda claro, pero además de eso, en la mente de Danny hay algo que hace que si se acerca a la religión pierde un poco de autonomía y un poco de libertad. Ni hablar cuando logran enfrentarlo con los sobrevivientes judíos a muchos horrores del mundo.

Honestamente, es una película incómoda de ver. Todo fanatismo tiene una raíz en lo brutal de la naturaleza humana, para mí, y creo que el adolescente es demasiado propenso a eso.

La película pudo haber sido brillante. No lo es pero él la sostiene de una manera espectacular considerando su experiencia y lo complejo del rol.

En el 2002 vuelve a ser el joven problemático de secundaria cuando descubre que su padre, el que no ha visto en años, se suicida, su vida tiene un vuelco.

Hay una búsqueda de la identidad, de qué es lo que lo define que es casi palpable en todo el film.

Ryan es Roy, este chico que tampoco tiene una buena relación con su madre, termina hasta siendo recortado del equipo.

Mientras está enamorado de una chica que no puede definir cómo se siente respecto a ella, una propuesta de un hombre cuyas intenciones no son muy claras llegan.

Así que de un plumazo nos vemos frente a frente con un conflict de orientación sexual, de metas, de saber a dónde vamos una vez que podemos elegir. La película no se pasa de buena pero tiene buenas intenciones.

En el 2002 llega para compartir pantalla con Sandra Bullock y Michael Pitt. El planteo de Cálculo Mortal es más interesante que la película en sí. Muestra como dos chicos (sin tener las “excusas” típicas de hogares rotos o crisis del entorno) creen haber hecho el crimen perfecto pero es la última parte del plan (donde tienen que suicidarse) la que no pueden cumplir y empiezan las traiciones entre ellos.

Gosling como Richard se presenta como un chico muy seguro de sí mismo, que sabe el efecto que produce en las mujeres y lo disfruta. Será esta coraza la que empiece a resquebrajarse cuando se crea tan invencible como para acercarse tanto a la detective encargada del caso.

En el 2003 llega como Leland en el Crimen de Leland. Bueno, para variar acá este chico tendrá serios problemas respecto a cómo comprender su realidad y las relaciones. Se enamora de una chica que está metida en las drogas, idealiza profesores, el amor. La única persona que lo entiende es un chico que tiene problemas mentales y es ahí donde me parece que está la gracia.

Así como en “el idiota” nos encontramos con un personaje enfermo que todos tratan como si fuera frágil, por momentos sus revelaciones sobre los valores y sobre la vida les parecen a todos tan altos que se sientan a escucharlos. Pero el hechizo pasa pronto, porque el humano no piensa tan alto ni de sí mismo.

La muerte llega como la única salida y toda tu perorata parece venirse en tu contra. El film, honestamente, es de los mejorcitos de su clase y un Leland fascinante está en manos de Gosling, con ese poder de enamorarse de todo y de dejar todo atrás, siempre al borde de romperse pero saliendo ileso…más allá de lo que los demás entiendan.

En el 2004 el mundo suspiró cuando lo vimos hacer de Noah en Diario de una pasión. Basada en una paupérrima novela de Nicholas Sparks, Nick Casavettes pudo hacer de esta historia un cuento íntimo, sin delirios de grandeza, que cuente como esta pareja se encontró y desencontro.

Ryan es Noah, un chico sin demasiado futuro pero una gran pasión por la vida, por las pequeñas cosas y por Allie, una chica con el mundo a sus pies y con muchas mejores perspectivas que el. Claro que hay intereses, triángulos amorosos y todo lo que pide un relato de este tipo, pero logra esa sensación de estar espiando a una pareja real que es innegable.

Con su eterno estilo desfachatado y algo ermitaño, construye un Noah dispuesto a amarla y aplaudirla pero sin creer que ella sea realmente tangible.

Gosling es Henry en “El umbral” de 2005. Henry tiene un accidente en el que lo socorren dos personas. Ve por un lado la cara de una y las medias del otro y ahí nos vamos metiendo en esa mente que está a un tris de perderse.

La idea es someternos a sus recuerdos, que son inconexos por lógica: solo serían conexos si él intentada contarle esto a alguien más, pero en realidad es como él lo ve.

Será otro personaje el que intente racionalizar esto. El resultado es una narrativa que por momentos se cae, pero que hace un buen resultado final.

No hay que olvidarse que compartir pantalla con Mcgregor y Watts no es sencillo.

Half Nelson del 2006 le significaría su primera nominación al Oscar. Es que... ¡Qué película! ¡Y qué papel!

Dan es un profesor de historia de secundaria que es un adicto al crack. Una alumna lo encuentra en el baño y ese estado la impresiona pero el le pide compañía. De repente la expone a esa realidad y con el tiempo a otras cosas.

Me gusta la idea de que no es un film rosa o que la ayuda viene de un solo lugar. Es una película filmada a consciencia que tal vez permite que mentes que creen que protegen a los adolescentes ocultando que existen ciertas cosas o que los hogares rotos son culpables de todo, se choquen con otra realidad...

En el 2007 comparte pantalla con Anthony Hopkins en “El crimen perfecto” donde interpreta a William, quien se meterá la presión de desenmascarar a este hombre que sabe culpable. Irán orquestándose diálogos como si se trataran de dos espadachines que se miden y funciona por un tiempo pero el film empieza a caerse a pedazos hacia la mitad. Ni hablar del final y cómo se pescan mutuamente. Hopkins quiso hacer un Hannibal “vegetariano” y le salió esto.

En el 2007 participaría en Lars y la chica real. En este caso es un hombre que se enamora de una muñeca inflable, clara referencia a un amor platónico y a como si fuera una Galatea, él dota de personalidad para convertirla en lo que él necesita.

Lars es un chico antisocial pero sumamente romántico. Como su hermano y cuñada quieren que él tenga una vida de amor y pareja, les cuesta aceptar esta situación, pero también está el hecho de la fragilidad que el personaje presenta y cómo a veces ceder es querer al otro.

Como si se tratara de una amiga imaginaria, Bianca no puede ser para siempre, pero honestamente está tan bien manejada la vulnerabilidad de Lars, que por momentos hasta creemos que respira.

Blue Valentine del 2010 lo hace volver al romance pero esta vez como parte del desamor absoluto. Parte el alma verlo en su rol de Dean porque queda siempre la sensación de que ella no llegó nunca a corresponderle y entonces él estaría construyendo un mundo de naipes.

Se trata más que de una crisis matrimonial, se trata de las posturas sobre el amor y hasta a donde llega.

Imperdible la explicación del personaje de Ryan cuando dice que un hombre es mucho más romántico que una mujer y como el hombre sí es capaz de amar para toda la vida. Eso si, lleven muchos pañuelos cuando vayan a verla...

Yo pensaba que nada de él iba a sorprenderme, hasta que vi Drive del 2011. Como el conductor que es uno con la máquina, Gosling nos entrega a un hombre de pocas palabras y armas tomar pero que siempre parece a un paso de desmoronarse.

Cuando se enamora de su vecina y asume la responsabilidad de protegerla, hay una firma de un contrato que él no leyó y que no va a entender las consecuencias hasta que no sea muy tarde. Para un hombre de reglas, se tendrán que romper todas.

Me encanta el planteo estilo western donde él no tiene nombre, pasado ni futuro y esta dispuesto a proteger a los mas débiles.

Con apenas diálogos y una escena del ascensor para sacarte el aliento, de lo mejor de la cartelera de los últimos tiempos.

En el 2011 también estrenaría “Loco y estúpido amor”. La verdad es que no sé si él realmente se lució en el film, sino que creo que el tema estaba bien planteado y contó con un genial Steve Carrel y una siempre espectacular Emma Stone para cubrir los baches a los que no llegaba.

De todas maneras está muy correcto como Jacob, ese hombre que está acostumbrado a vivir de lujo en lujo y a conquistar a cada mujer encuentra.

Sabe cómo hablar, cómo pararse y cuando hacer lo que hace. Se ofrece como coach de un hombre que le recuerda a su padre pero nada lo prepara para encontrar una chica que no está dispuesta a enamorarse de él, pero que resulta ser perfecta.

Mucho más superficial de lo que estamos acostumbrados a ver de él pero, repito, siendo que funciona tan bien la historia, todo lo demás es negociable.

En el 2011 también sería dirigido por Clooney en “Secretos de Estado”. En realidad el título correcto es “los idus de marzo”, título que alude a la caída y traición de una figura mítica en la política (originalmente el César).

Me encanta cómo plantea la red alrededor del personaje de Stephen (Gosling) como ese hombre fundamentalista, dispuesto a creer y a limpiar la política, pero que termina envuelto en este espacio y haciendo las mismas cosas deplorables: chantajes y teniendo sangre en sus malos indirectamente.

Estamos de acuerdo que la historia de amor tal vez está un poco de más cuando estaban planteando temas complejos como los que circulaban por pantalla. Película muy recomendable como thriller, y con un final que es la cereza del postre.

Dentro de poco lo veremos en films como The place beyond the pines, la muy publicitada The gangster squad, Only God Forgives y se pondrá bajo la dirección de Mallick en Lawless.

Seguirá, así, combinando su talento y su gusto por roles indies con las grandes luces de Hollywood. Creo que siempre con él lo mejor parece estar por venir.

jueves, 24 de mayo de 2012

Spotlight on: Twelve years a slave


Steve McQueen parece ser un hombre del que hablar largo y tendido. Cuando en el 2008 sorprendió a todos con “Hunger”, una película sobre Bobby Sands y su muerte, pudo haber sido (como vimos en muchos casos) un debut brillante que luego quedaba en nada.  Pero este año volvió a arremeter con Shame y dejó claras tres cosas: su actor de cabecera es Fassbender, tiene un gusto especial por esas historias incómodas que las cuenta de una forma muy humana y sin anestesia y, por último, que tiene una forma de hacer poesía con  cada cuadro que no puede ser obviado.

Como si esto fuera poco, a su próximo proyecto también se sumaron Brad Pitt, Paul Dano (el genio que le hizo frente a Daniel Day Lewis en “Petróleo Sangriento” y que se lució en “Pequeña Miss Sunshine”) y Chiwetel Ejofor (personaje principal y Luke de “Niños del hombre”).


El film empieza a filmarse este verano en Luisiana y trata sobre un hombre en 1800 que vive en Nueva York y que es secuestrado y vendido como esclavo en el sur. Este hombre es Solomon y se contará su historia.


McQueen tiene fama de filmar sus películas de una forma intensa en tiempo. Shame no llevó más de 25 días de rodaje y Hunger estuvo cerca (tuvieron que interrumpirla para que Fassbender perdiera los kilos que le faltaban). Veremos qué traerá con el despliegue de ambientarlo en 1800 y el tiempo que conllevará.


El film va a estrenarse en el 2013 sin fecha determinada aún, con un guión del mismo director y de John Ridley, novelista que ya ha hecho guiones exitosos como el de 3 Reyes.

¿Será que la tercera es la vencida? ¿Fassbender y McQueen se consolidarán como una de esas duplas inolvidables?

Fassbender y Pitt ya trabajaron juntos en "Bastardos sin Gloria", de Tarantino. Volverán a trabajar en "The counselor", junto a Angelina Jolie también a estrenarse en el 2013.

lunes, 21 de mayo de 2012

Nueve monumentos/atractivos turísticos eliminados o remodelados en los films


Para los que no lo saben: cualquier película con fondos americanos que incluya atractivos turísticos o símbolos patrios está exento de algunos impuestos a la distribución. Para un tanque no es poco decir.

Un artículo sobre Hollywood como una metamarca de Juan Menor Sendra explica que este cine se basó en una estrategia racista imperialista en la que se imponían mediante sus films. Cuando el western empezó a agotar, apostaron por el género catástrofe, donde podían lucir sus recursos en los efectos especiales.

Ni hablar de la proyección que tenían. Siguen siendo, mal que les pese a muchos, el cine occidental más influyente y al que muchos imitan, para bien o para mal.

Se me ocurrió agarrar los ejemplos de las películas que recordaba en las que se utilizan monumentos combinados o con un cine catástrofe o, al menos, con una buena dosis de explosivos.

El parlamento inglés: V de Venganza


Mítica escena. “Remember, remember, the fifith of november” suena en la cabeza cada vez que escucho esa obertura y ese maravilloso edificio se desploma frente a tantos rostros extasiados. Metáfora impecable y un broche de oro para un gran film.

La estatua de la libertad: Impacto Profundo


Película insoportable, sobre todo por Frodo. Pero es cierto que se animaron a destruir uno de los símbolos más importantes de Nueva York. Ver a esa cabeza flotando es como sentir que toda una Era termina. Funciona para fines catastróficos.

La Casa Blanca: Día de la Independencia


Está bien que cada uno intenta procurarse su lugar para estacionar…pero lo de éstos aliens es abusivo.

El Golden Gate: X-Men Last Stand


Si dejamos de lado el detalle que empiezan cruzando de día y terminan de apoyarlo contra otra islita conocida de noche, sigue siendo una muestra del poderío de Magneto…y del chroma key.

Millenium Bridge: Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 1


Creo que lo mejor fue esta parte: me hicieron creer que el verdadero invierno de los Stark había llegado a los muggles. Me quedé con ganas de más pero como intro fue genial.

San Pietro: Ángeles y Demonios


Hablando de delirios místicos…la novela ya era bastante mala. La película no tuvo sentido. Para mí que perdieron una apuesta Hanks y McGregor porque sino no me explico que la hayan hecho. No me entra en la cabeza.

En fin, una pequeña bombita y parece que sobre esta roca se construirán varias iglesias…

Petra: Indiana Jones y la Última Cruzada


Estaba por poner El Dorado, pero ya iba a saltar uno a decirme que no la puedo visitar. Bueno, el Santo Grial tampoco es que anda en Jordania…peeeero, no me van a negar que el film es genial. La combinación perfecta de humor y aventuras con unos cuantos datos históricos. Perfecta y el set es igual de perfecto.

No encontré el fotograma, pero si recuerdan, cuando Elsa quiso sacar el Grial del edificio, se armó la catombe.

La esfinge de Giza: Aladdin


Me encantan los detalles Disney de estas cosas. Así como Hércules le cortó los brazos a la Venus del Nilo, cuando Aladdin y Jazmín pasearon por el mundo, el artesano golpeó de más y la esfinge perdió su nariz para siempre.

La Ópera de París: El Fantasma de la Ópera


Cuando Érik secuestra a Christine, deja caer el candelabro sobre el público, que prende fuego la sala entera y sigue su camino. Fue un hecho real en el que se basó Gastón Leroux para escribir la novela y que se recrea, por supuesto, en el musical.

¿Qué les parece la lista? 

“Los grandes del cine” Décimo octava entrega: Bob Fosse





Cuando ese nombre se menciona en ciertos ambientes, varias cabezas hacen reverencias. Fosse era no sólo director de cine, sino un coreógrafo memorable, un guionista y director de teatro que ha dejado su huella en el mundo como pocos. 

Con sólo seis películas como director, cuatro como actor y coreografías memorables como toda la puesta de Chicago y la de Sweet Charity en teatro, nos cambió el mundo con su gusto por el jazz, por los bailes sugerentes, por lo irónico y un poco oscuro de su humor y sus films encabezan siempre mis favoritos. Nos ha enseñado que musical no quiere decir naive y que con una sátira muchas veces hacés una crítica mucho más profunda que confrontando. Pero para eso se requiere cerebro y no todos han tenido el suyo. 

Oriundo de Chicago, empezó sus giras con otro bailarín para hacer una puesta conjunta pero terminó mudándose a Nueva York porque iba a ser el lugar donde iba a poder despegarse del piso. Y tuvo razón. 

Cuando llegó a la ciudad que nunca duerme, empezó su corta carrera como actor y después de la primera aparición ya logró contactarse con Dean Martin y Jerry Lewis para estar en su próximo espectáculo. 

En 1953 se estrenaron tres films en los que actuó: Colgate Comedy Hour, Kiss Me Kate, The Affairs of Dobie Gillis. 

Al año siguiente ya coreografiaba su primer musical: The Pajama Game. Luego llegaría “Damn Yakees”. Sería en esa producción donde encontraría a su segunda mujer Gwen Verdon. 

Vernon seguiría sus direcciones en New Girl in Town, Redhead, Chicago y la versión teatral de Sweet Charity. 

Pero el foco que quiero hacer es en su obra cinematográfica detrás de cámara, que me deja todas las veces con una mezcla de placer, morbo y asco al mismo tiempo. No son obras sencillas, apuntan a lo más bajo de todo ser humano y aciertan: uno ve la humanidad bajo una lupa, sin un dejo de misericordia. Son cuerpos abiertos en una mesa quirúrgica. 


En 1969 y basado en “Las noches de Cabiria” de Fellini, Sweet Charity es un cuento que dista de ser de hadas en Manhattan. Considerando que Fosse había dirigido y coreografiado la versión teatral, la adaptación al cine fue su primer trabajo tras la cámara. 

Combinando los números sugestivos (entre ellos el espectacular “Big Spender”), sus inmortales manos de jazz con sus movimientos de caderas y rodillas y esa cara increíble de Shirley, es una obra para apretarte el corazón. 

Vemos a Charity que es una taxi dancer (de esas chicas que trabajan en bares bastante bajos y que son visitadas por varios hombres que les pagan para bailar con ellas, tomar con ellas y por el resto hay un precio extra). El problema de nuestra dulce Charity es que el destino la puso ahí cuando ella sólo necesitaba ser amada. Es basureada, usada y todas las veces que la pisotean, algo la impulsa a creer que nuevamente llegará el amor. 

Mientras la versión de Fellini denunciaba un mundo sin amor, en este caso Charity es la viva imagen de que algo bueno puede llegar mañana mientras nosotros sabemos que su destino está sellado. 

Un final alternativo puede verse en el DVD pero es demasiado rosa para el planteo de la historia que la deja en medio de la nada siempre me pareció más acorde con el estilo de historias que le interesaban a Fosse. 

El film tuvo una buena recepción del público y de la crítica y Shirley demuestra una vez más sus dotes como comediante en esa genial escena del ascensor. 


Cabaret de 1972 llegaría después. No me alcanza una vida para elogiar lo suficiente a esta gran película que muestra el ascenso del movimiento nazi como contexto de este mundo que sucede afuera pero que se manifiesta en el escenario del Cabaret, donde todos se ríen pero les cuesta reconocerse. 

Además de esos increíbles números musicales (en eso ayuda mucho la presencia de Liza que es una gran cantante al lado de una apenas correcta Shirley), la simbología de las uñas como lo podrido o lo oscuro, la ambigüedad del personaje del maestro de ceremonias, la fascinación por el tapado de piel, todo termina construyendo una soga alrededor del cuello de Sally mientras ella no puede verlo. Cuando es consciente y el daño está hecho, llega la despedida y la sonrisa más triste grabada en su cara. 

Pero la llegada de Fosse a la dirección no fue sencilla: se enterpo que la adaptación del teatro al cine estaba en marcha y se puso en campaña para conseguirla. Hizo cambios importantes en su adaptación como el hecho de que Sally era una buena cantante y que el personaje de Max sea el tercero en discordia que son funcionales al relato cinematográfico (recordemos que el cine americano de los grandes estudios tiende a subrayar los temas). 

Todo el film fue filmado en Alemania. Fosse insistió en sacar todas las canciones que no pasaran dentro del Kit Kat Club except “Tomorrow belongs to me” (tema que canta el ejército nazi). Esta combinación tiene como un factor de justificación de la canción y del número sin pasar directamente a una canción para responder a un género. 

Debe considerarse que Cabaret competía ese año en los Óscars con El Padrino. Le ganó el mismo a Coppola y Robert Duvall perdió el suyo contra Joel Grey. Pero no creo que haya otro musical como éste, sin lugar a dudas. 


En 1974 filmó con Dustin Hoffman como actor principal “Lenny”, basada en la historia de Lenny Bruce, un comediante políticamente incorrecto. Honestamente, nunca había escuchado de este film hasta que empecé a investigar para este post pero me parece una genialidad. 

Para empezar, tenemos un planteo cual si fuera un documental sobre la vida de este hombre. De entrada sabemos que está muerto y vamos viendo su ascenso y caída. 

El tema es que Lenny no terminó de ascender y cayó en picada por no poder controlar ni su ego ni su consumo de drogas. Mientras la película coquetea con un suicidio, nos van pintando el personaje como si se tratara de Citizen Kane. 

Cuando miro este tipo de films me doy cuenta de que Fosse era más que un coreógrafo impecable: era un hombre capaz de mostrarte lo más bajo como si fuera su mundo, sin espantarse pero sin involucrarse como hace Almodóvar (que le debe mucho) por ejemplo. 

Mezclando los monólogos de Lenny con su vida personal a través de los testimonios de su padre, su ex mujer y su agente, pintamos a un personaje típico de los que le interesan al director: narcisistas, crueles por momentos, que no sabés exactamente si creés que son geniales o si son unos imbéciles atómicos. Es que uno no es solo bueno o solo malo, quien es inteligente también hace estupideces y es lógico. 

Hoffman es mi favorito de su generación. Creo que lo que ha hecho de joven es una maravilla y en este personaje está adorable y detestable al mismo tiempo. 


All that jazz aparece en cartelera en 1979 y por más que no lo viví, diría que el mundo se paró a mirarla. Jugando con sus planos absurdos y complicados de siempre donde parece que estamos viendo a los personajes desde todos los ángulos, coquetea con la idea de una falsa autobiografía y con su propia muerte cuando es testigo de su legado pero lo último que escuchamos es un cierre de la bolsa mortuoria. 

Eso no es todo: Joe es incapaz de tener relaciones normales al punto que su novia pregona amor, su ex esposa quiere que invente una coreografía espectacular para darle el brillo que cree que él le robó y los únicos momentos en los que puede hablar de corazón a corazón con su hija son cuando él está pensando en nuevos movimientos y corrige sus posturas mientras ella intenta plantearle algo. 

Ni hablar de la figura sugerente de Jessica Lange en la que aparece como ese ángel de la muerte que sirve como espacio para que él se confiese, por otro lado para que sea testigo de su propia vida y por otro más como presagio de su final. 

La frase “It’s Showtime” como latiguillo y como broche después de su ritual de gotas, drogas y cigarrillos termina de dar sentido a esta maravillosa película. 

Star 80 de 1983 también es una película biográfica. A criterio personal, es la más floja de una brillante filmografía pero que sigue contando con parte de su morbo y su humor ácido para crear y construir personajes. Nuestro villano Paul se presenta como un desequilibrado proxeneta, con toques sádicos que no podemos creer que ella no vea. Es como una caricatura de un drama terrible como fue este asesinato y el posterior suicidio de su ejecutor. 

Creo que uno de los mejores temas es cómo logra tomar la esencia de ella a través de la interpretación de Mariel Hemingway con toques de inocencia que hacen que sus desnudos no sean eróticos sino dulces y postales de belleza. 

Fosse murió de un paro cardíaco en un hotel en Washington cuando Sweet Charity estaba volviendo a las tablas. Tanto Gwen Verdon y Ann Reinking (quien lo acompañó en la cartelera de All that jazz) fueron las encargadas de seguir su legado. En 1999 ayudaron con la puesta del musical Fosse, de tres actos, en el cual se hacía un homenaje a sus aportes al teatro y a su estilo de jazz. 


Eso no es todo: el videoclip de Beyonce “All the single ladies” está basado en su coreografía para su mujer Gwen Verdon en Mexican Breakfast. Michael Jackson con su uso de guantes y sombreros y muchos de sus pasos están claramente inspirados en la obra de Bob. 

Creo que el musical que respiramos hoy en día le debe mucho. Nuestro estómago para ver dramas cantados también, porque nos vemos reflejados en su naturaleza. Ni hablar de sus míticos bailes.


viernes, 18 de mayo de 2012

Sin revisiones: películas entretenidas para no pensar

Como hoy es casual Friday, hablé con un amigo sobre qué podía escribir y me dio esta idea: de esas películas que no admiten revisión. Uno va, lo pasa genial, pero cuando sale no hay chances de que eso sea ni verosímil ni profundo. Es cine digerible.

En rasgos generales es cine de acción o de comedia. Sobre todo en el caso del primero, tenemos que creer que un hombre es capaz de mantener el equilibrio del cosmos o destruirlo completamente…y eso nunca tiene demasiado de creíble. En el caso de la comedia, sobre todo la romántica, hay cosas tan pero tan trilladas del género que te hacen ruido en el traspaso a la vida real.

Creo que el cine tiene mucho para ofrecer pero que uno no debe dejar de lado que es entretenimiento. Estamos de acuerdo que hay películas mejor planteadas que otras, pero con un film por más social que sea no cambiamos el mundo. En estos casos es un tipo de cine que no pretende ninguna reflexión, sino que uno vaya y se divierta.

Les dejo debajo una lista de nueve pelis que no aceptan revisión…¡Pero cómo me divierten! Por favor, debajo hay muchas de mis favoritas, no intenta ser una lista de lo bueno o lo malo (la gente piensa que sí cuando hablás de cine comercial) sino de cine que la verdad es que no intenta hacer un dibujo de nada, sino entretener.

Duro de Matar


Estamos de acuerdo que John McLaine puede y ha salvado el mundo más de una vez. Es el hombre que tira un auto contra un helicóptero porque se queda sin balas…ÉL LO PUEDE TODO…hasta los créditos finales.

Los vengadores


La amé porque soy una geek y porque Tony Stark es lo mejor que ha visto el cine de super héroes en mucho tiempo. Pero argumento nulo…es una presentación de personajes que vinen, hacen sus gags y se van. No hay conflictos, no hay nada…pero derrochan onda.

Transformers


No importa lo buena que haya sido la saga animada, las películas son malas, malas malísimas. Más porque a mí no me gusta Megan entonces ni siquiera visualmente hay algo entretenido. Shia es lo peor que le ha pasado a la actuación desde Nandito de María la del Barrio. Pero cuando Optimus Prime se transforma por primera vez…cuando el camaro viejo se convierte en el nuevo…chicos, es poesía pura.

RED


Una manga de vejestorios quieren hundir el sistema. Malkovich puede insultar hasta el infinito y yo muero de risa siempre. Pero, por favor, contraten a un guionista la próxima que tendrán mucho carisma los actores pero no pueden remontar este muerto.

The Losers


Bueno, es un grupo de militares que los dan por muertos en una emboscada y, como se la tienen jurada al tipo, lo empiezan a buscar. Es un malo re malo y una banda de amigos muy amigos. La traición, el romance y Chris Evans cantando “Don’t stop believing” en falsete hacen el resto.

Comodines


Bueno, ellos sí que salieron mal parados con la distribución de actores peeeero, iban bien en el papel. El tema era que había mucho efecto, pero nulo argumento. Encontrar la rata en una organización siempre parece tirar mucho para el público, pero si tenés a dos actores de madera y un pobre guión para hacerlos parecer que aunque sea se caen bien (ya ni les pido amigos) encima de unas explosiones de maqueta pedorras…bue, que lo piensen antes.

Escuela de Rock


Amo con toda mi alma a esta película pero porque yo soy una adulta que ama esa música. En la vida real es un salame bueno para nada que logra que unos chicos la rompan en la banda. ¿Vida real? Sí, en Disney puede ser.
Otra cosa que me mata de la película: los padres preocupados porque el tipo no era quien decía que era, porque secuestró a sus hijos, porque perdieron horas de clase, todo… hasta que los chicos resultaron grandes músicos…yeah, right!

Zombieland


OK, estamos de acuerdo que buscarle lógica a una película de zombies es un poco de exquisita pero es muy ilógico todo el relato. Todo. No se agarra nada de nada, desde que ellas sean tan rebeldes, Harrelson tan desquiciado y él tan maniático. ¿Justo los más freaks de la Tierra sobreviven? ¿Esto es un mensaje que yo tengo que tener en cuenta?

Wanted


La bala curva no existe. Eso desde el vamos me molesta. Gran música (Danny Elfman, o sea que no podemos errar mucho) y buenos actores pero la verdad es que está trillada y cerrada a los sopapos. Genial el tema del héroe improbable, del tipo que en su mundo no pinchaba ni cortaba y acá era una locura, pero de ahí a sobrevivir, manejar el cosmos y atravesar una dona con una bala…¿No es como que se fueron un poco de mambo?

¿Cuáles son sus pelis de cabecera para evitar todo tipo de razonamiento y sólo divertirse?

jueves, 17 de mayo de 2012

Las mejores bandas sonoras parte IV

500 días con ella


Con mezcla del rock pop británico más melancólico y los temas más pegadizos de los 80s, esta historia va matizando cada encuentro y desencuentro de los personajes. Siempre reforzando el punto de vista de él, las canciones son tan empalagosas como el cuerpo aguante o tan trágicas que justifique su expresión bordeando el suicidio. Gran film y una música para bajarla al reproductor de mp3 y escucharla seguido.

Amarcord 


Nino Rota era un genio, todos estamos de acuerdo con eso pero esta canción tiene ese dejo lúdico, casi como un vals de sueños en el que ese ambiente mitad realidad mitad sueño de Fellini va tan bien. De repente, en ese pueblo en el que cualquier cosa puede pasar, nada parece tan serio pero no por eso no lo es. La inocencia tiene sus costos...¿Pero era tan inocente? Me encanta este film.

El Origen


Cuando uno se imagina un thriller psicológico rara vez piensa que puede llegar a tener límites tan raros. Honestamente, el guión me parece precioso (tal vez falla un poco el motivo del personaje de Saito. Espionaje industrial solamente es un poco flojo) pero me encanta cómo va articulando los mundos y esta banda sonora lo que hace es acentuar todas esas locuras y tensionar al espectador porque sabe lo débil que es toda esa estructura que Cobb está tejiendo. Y como sólo Zimmer puede musicalizar.

El extraño mundo de Jack


Danny Elfman se volvió a lucir con esta música entre trascendental y oscura para ambientar ese mundo más allá de las pesadillas que no puede tener nada feliz sin embargo conserva ese espíritu liviano que te arrastra en ese, el reino de Jack. 
Los coros, el uso de bajos...todo construye una imagen en la que los colores felices no aparecen. Y qué bien va con la película.

Volver al Futuro


Clásico de los clásicos, uno no se imagina esta película sin esta música de aventuras en la que sabe que habrá algo de misterio pero el tema mismo te da la pauta de que no dejará el espíritu alegre. De mis films favoritos.


miércoles, 16 de mayo de 2012

Duplas inolvidables director - actor. Entrega V: David Cronenberg y Viggo Mortensen


No les voy a mentir: la primera vez que Viggo llamó mi atención fue en El Señor de los Anillos. El papel que lo catapultó a la fama hizo muy poco por él: lo mostró como un carilindo, masculino pero un héroe épico, que no tenía anclaje en el cine de hoy en día.

Cronenberg, por otro lado, se presenta más como un psicólogo tras la cámara que como un mero director. Los personajes que presenta rara vez son simples o están al azar. Su planteo de la historia tiene mucho de espiral y va hasta el corazón mismo de sus protagonistas y tiene lógica, si no ¿Cómo vas a entender que un hombre se convierta en mosca? ¿O que otro más que tener vísceras tenga cintas de video?

Cuando empecé a buscar información casi me decepcionó que David sea “normal”. Casi parece un escritor culto, algo snob que el tipo despeinado y al borde de la locura que me imaginaba yo. Pero mis expectativas aparte, tengo que decir que amén de haberme enamorado de su cine de joven, creo que el nuevo que incluye a Mortensen es de un tinte más
maduro, más profundo y más calculado. Con la precisión de un ingeniero, me arma el rompecabezas de su historia y yo no puedo quedarme inmune.

Su primera participación juntos fue en “Una historia violenta” del 2005.


Cuando uno piensa en historias de gángsters piensa que sí o sí tienen trajes a rayas y un sombrero con ala. Pero esta película despoja a ese cine de toda referencia y lo ancla en el lugar más recóndito y con el tipo más normal.

La gracia del film es que él sea sencillo en los gestos: mi excesivamente duro ni excesivamente tierno con su familia. Parece un tipo hosco, sin demasiada educación. Simple. Pero será la construcción de todo lo demás lo que cambiará la manera de ver al personaje.

Me gusta que las reacciones parecen actos reflejos (como vomitar por la impresión pero mentir a la ley para que no vaya preso el culpable) y que todo está en duda en la mayor parte del film.

Otro dato interesante: ¿Es un happy end? Si lo piensan así…bueno, caen en la ironía de la crítica que quiere hacer. No parece haber mucha moralidad en eso ¿O sí?
Esta historia violenta muestra que no hay historias menores.


Promesas del Este del 2007 sería su próxima colaboración.


En este caso, el planteo pasa por una mafia bien constituida como tal y que tiene una paleta oscura, complicada. De repente pasamos de unos tonos oscuros y espacios asfixiantes, a la absoluta luz de la morgue y su asepsia hasta vemos en blanco y negro por momentos.

Si bien cae en todos los clichés que la anterior no (o sea: hay un muerto, hay mafiosos que se manejan como todos imaginamos, hay bares en donde se juntan, ritos, la mujer que los pone en problemas, etc) siempre va a los lugares comunes. Tengo algunos problemas con el final porque creo que daba para hacerla mucho más oscura, pero esta rata que se mete como mano derecha del capo que queda en su lugar nos va llevando por una película que no tiene una estructura de introducción, nudo y desenlace, lo que tiene es una idea episódica en la que vemos un fragmento de su vida, lo dejamos solo en un bar pero sabemos que esto no termina ahí ni ha empezado donde lo vimos.

Estamos tan acostumbrados al otro cine que éste a veces nos resulta extraño pero no todas las películas tienen esa estructura.

La sola escena del sauna vale verla, pero creo que es una muy buena película y Viggo con esa voz ronca, siempre paladeando las palabras, meticuloso en los gestos entrega su vida en lo que me parece que fue EL rol de su carrera.


Un método peligroso del 2011


En esta participación Viggo ya no es el centro del relato, pero logra construir una contraparte sólida para el personaje principal. En este caso se trata de Jung y cómo decidió darle vuelo al psicoanálisis. Si bien casi todos creen que el triángulo amoroso tiene como principal a Keira, creo que pasa más bien entre el costado pasional de Jung y la adoración profesional hacia Freud.

Así es como plantea una historia en la que siempre vemos algo escondido debajo de la alfombra y Freud aparece como juez e imposición máxima porque lo vemos desde la perspectiva de Jung. El problema se da cuando la sangre joven se enfrenta a la vieja.

Mortensen nos da un Freud entregado al placer, orgulloso de sus orígenes, seductor e irónico que no deja de poner en tela de juicio al resto de los comportamientos. Alienta discípulos pero los quiere sentir constantemente como alumnos y no como iguales.

Se cree que habrá una continuación de Promesas del Este…pero aún no está confirmado.

¿Qué piensan de esta dupla? ¿Cuál es su favorita de las pelis que hicieron juntos?