El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

martes, 31 de julio de 2012

Esos rudos que amamos ver en cine


Seamos sinceros: si todo el cine se basara en el arte no sé si todos estaríamos tan enamorados de él. También es una industria y, como tal, poco vende más que una película de acción.

De repente vemos a gente desafiar la gravedad, hacer miles de piruetas en el aire y matar a todas las personas con un escobillón mientras todos los abdominales están lo más marcados posibles. ¿Si es real? Nunca lo es ¿Verosímil? Tampoco, pero no es un cine que busque serlo. Es un cine entretenido, con todos los efectos posibles y personajes con poca profundidad pero muchos puños.

Debajo, les dejo mis nueve rudos y rudas favoritas. Porque con estos, gente, no se jode. (Está bien que no se supone que sea realista, pero eliminé idea de super héroe porque si no se me hacía interminable).

9. Maximus Decimus Meridius


El hombre que no tiene nada que perder y que sueña con una venganza contra aquellos que le han robado todo. Además, cuenta con el encanto de haber enamorado a una princesa y de que un rey lo considerara tan justo y valiente como para desear que fuera su hijo.




8. James Bond



Sé que el Bond de Connery es el mejor Bond, pero ninguno es más rudo y sanguinario que Craig. Me gusta esa construcción en la que al tipo no parece no importarle nada y que puede mancharse un poco en algún momento. 


El personaje que tiene licencia para matar y que siempre trabaja en encubierto, o sea que nadie va a salvarle las papas, tiene encanto como pocos y esa sonrisa de "me las sé todas" es siempre irresistible.


7. Driver



Sólo Gosling puede combinar de manera tan magistral a alguien tan capaz de cometer actos de lo más violentos y al mismo tiempo parecer tan vulnerable y frágil.


El conductor tiene varios trabajos importantes y uno de ellos es llevar a los ladrones de una punta a la otra de la ciudad sin que los encuentren. Cuando se involucra con su vecina y se entera que el marido de ésta está en problemas, se verá hasta qué punto llega su amor por ella y por su hijo.


Siempre con esa expresión de estar a punto de llorar, de sacrificarse al máximo a sí mismo porque se expone y sin elaborarlo demasiado: no hay torturas mega planeadas ni nada, es un hombre y un clavo, un hombre y un auto, un hombre en un ascensor.


6. Lisbeth Salander


Lisbeth es de esos personajes tan fuertes que todos parecen enamorarse de ella. Por un lado lleva la sexualidad como un arma y por otro siempre parece estar al límite de esconderse en un hueco y no salir nunca más por miedo y asco a la gente.


La construcción de Mara no sé si es que me gusta más que la de Rapace, si no que la visión de Fincher me llama mucho más la atención. 


5. Marv


Gran papel e ideal para Mickey. Un criminal, un matón en una ciudad tan podrida como Basin City, se encuentra un día con el amor de una prostituta que amanece asesinada. 


Nadie va a dormir tranquilo hasta que él no encuentre al responsable.


4. Beatrix Kiddo


B estuvo en coma 4 años después de que le pegaran un tiro en la cabeza. Cuando se despierta, sabe que ha sido víctima de violaciones, recuerda a cada uno de los responsables de la matanza el día de su ensayo de boda y sabe que su bebé ya no está dentro de ella.


Volviendo a lo mismo que dijimos de Maximus, encontrarse con alguien así y que siente que ya no tiene nada que perder nunca es fácil de olvidar.

3. Ellen Ripley


Bueno, ésta sí que no necesita descripción. Lo que me gusta de esta película, sobre todo de la primera, es que ellos no son militares, no saben luchar ni defenderse. Son simples trabajadores que un día se encuentran en esta situación. Por eso se justifican errores, por ejemplo.


Ripley no tendría ni que haber sido relevante para esa nave, pero nadie planeaba tener un alien a mano. OK, convengamos que en esos casos es mejor tenerla bien cerca.



2. Harry Callahan


Clint es de esos tipos que a mí no me dejan a pata nunca. Lo adoro. Él es siempre rudo con esa expresión de "sol de frente" y esa forma de masticar las palabras que me encanta.


Éste es uno de los papeles de su vida y me encanta esa idea de que hasta qué punto uno puede ser justo y gallardo cuando tenés a un asesino semejante circulando y junto con otros cuantos delincuentes.


Me gusta el desencanto y la violencia que tiene este personaje y el pequeño ritual de la magnum.



1. John McLaine


No hay tipo más rudo que John. Lo siento. Es el vago que se pega un tiro a sí mismo para poder parar al malo, el que sólo en un edificio puede con una banda de terroristas, el que salva a su mujer (que siempre está en el lugar equivocado), a su hija y a todos los del barrio. Hasta a un hácker.

Es el Rambo de la civilización. Te banco mucho, John.


¿Cuál creen que es el mejor rudo? ¿Cuáles sienten que faltan?
D

domingo, 29 de julio de 2012

Los verdaderos camaleones: Tom Hardy





Cuando salí de ver Batman pensé por un momento que él era el más desperdiciado. Entonces, si inconscientemente ya sabía lo bueno que era…¿Por qué no ponerlo en esta sección? Honestamente, cuando más investigo de él y cuantos más trabajos suyos veo, creo que es uno de los talentos en alza con más perspectivas. Y eso que yo soy la primera en subestimar a “las caras bonitas”. 

Tom Hardy nació en Hammersmith, es el único hijo de una artista y un escritor. Después de una corta carrera como modelo, entró al Centro de Drama de Londres y obtuvo un papel en un par de capítulos de la espectacular Band of Brothers. 

En el 2003 llegó a conquistar varios premios en teatro como revelación. También ha participado en varias series y películas de la BBC. 

Muchos hacen una comparación con su carrera y con la de Michael Fassbender: ambos empezaron en Band of Brothers, tienen la misma edad y tuvieron el personaje biográfico de quiebre en el 2008 que los puso en la vidriera del mundo del cine indie. Asumo que lo físico tampoco les hace mal: ambos tienen el perfil atractivo y masculino que explotan en sus films. 

En el 2001 participó en el gran film de Ridley Scott: La caída del halcón negro en donde muestran la desesperación de sentirse solos en medio de una táctica en la que subestimaron al oponente y los enemigos están vestidos de civiles por lo que no se sabe nunca quién es quién. 

Hardy interpreta a Lance Twombly, miembro de este equipo que intenta conservar la paz. Estamos de acuerdo que no tiene el rol más destacado (¿Cómo podría? Considerando que compartía cartel con Eric Bana, Ewan McGregor y Josh Harnett entre otros) pero no es poca cosa decir que debutó en semejante film y del enorme Scott. 

En el 2002 tuvo un poquito del gusto de la fama cuando se sumó a Star Trek: Némesis. No soy una gran fan de la historia, así que la explicaré brevemente como para que entiendan en qué momento apareció. 

Esta fue la última en incluir todo el casting de Star Trek: la próxima generación y la décima película de la franquicia. Hardy interpreta a Shizon, quien es un clon de Reman. Este chico tomó control sobre una nave y amenaza a la Federación de los Planetas Unidos. 

Si bien el film fue un fracaso (trato de no decir lo que pienso yo porque, repito, nunca me enganché con la serie ni con la historia), JJ Abrams igual lanzó unos años más tarde el rebbot con Chris Pine y Chris Hemsworth entre otros. 

En el 2003 participa en “El punto sobre la I”, drama junto a Gael García Bernal. Si bien la película está enfocada en la mezcla de culturas, los rituales de cada zona y el paso del casamiento con sus típicas dudas sobre si el tipo que elegiste realmente es “el” tipo… 

La película combina la idea de que el flamenco y la pasión van juntas con una mujer que parece encantadora y salvaje en iguales proporciones y cómo se va construyendo el triángulo entre los celos y el no conocer realmente al otro. 

Hardy interpreta a Tom, amigo de Kit que está presente cuando él conoce a Carmen (es la chica que hace de novia de Darín en El Hijo de la Novia). Su papel es de apoyo y ayuda a la construcción del personaje de Gael (hace de Kit), sobre todo para que tenga referencia de él el espectador y te lo vendan como a un buen chico. El desengaño final los va borrando porque cada vez el film se trata más sobre los principales y elimina a los secundarios. 



En el 2004 participa en Layer Cake junto con Daniel Craig, el nuevo James Bond. Esta vez se va al mundo bajo para un thriller de gangsters. Con algunos toques vintage como el hecho de que Craig no tenga nombre pero mueva a todos los hilos de la banda, y que en realidad tampoco sea un capo, de hecho él se define a sí mismo como un tipo de negocios. 

Su banda entonces tiene a gente que va improvisando en el camino y aquí es donde entra nuestro actor en cuestión. Claro que termina teniendo más bien pinceladas de humor que realmente construyendo un personaje pero sostiene ese rasgo que me encanta de Hardy en el que se muestra como un soberbio y snob pero que tiene ese dejo violento que siempre parece estar a punto de matarte. 

La película, si me permiten, es casi que de culto. Se las recomiendo muchísimo. 

En el 2006 se puso bajo la dirección de Sofía Coppola y su idea de la guillotina con María Antonietta. Honestamente, la película tiene algunos momentos brillantes, pero en general es un desastre. Está bueno como intentan convertirla en una diva de excesos y que es casi fantasiosa en el tedio del rol que le ha tocado cumplir, pero no mucho más. 

Hardy hace una brevísima participación como un miembro del grupo que termina estando en una de las tan famosas reuniones. Así remarcan el hecho de que la reina no se guardaba solo para el rey y que tenía muchísimos amantes. 

Es que entre tanto juego y tanta charla, Raumont se siente incómodo por los celos y al mismo tiempo sabe que una reina no puede durar demasiado sin nada de decoro. De alguna manera se sabe que esa niña va a ser la ruina de sí misma cuando el pueblo le ponga las manos encima (cosa que puede ser histórica pero en teoría los personajes aún no lo saben). 

En el 2008 participa junto a Mark Strong y Gerry Butler en Rocknrolla. Muy al estilo Ritchie, el mundo bajo de Londres y sus bienes raíces no cuenta con los gangster más avispados, si no que tiene a una suerte de chorchos que flotar. Hardy interpreta al “Guapo Bob”, que resulta estar enamorado de su mejor amigo. El diálogo en el que éste intenta consolarlo porque se va a ir 5 años a la cárcel es impecable. 

También me gusta porque en la construcción él no pasa a ser un marica, si no que es un tipo muy lindo que sabe como provocar y cómo elegir a otros tipos…no a mariposas. 


También en el 2008 hizo su mejor papel hasta ahora. Yo creo que todo actor debe soñar con encontrarse de repente en un set donde pueda soltar todas sus clases, todos su monólogos eternos y que la cámara lo ame de esta manera. 

Físicamente en una transformación impresionante, nos lleva a lo más bajo de la sociedad donde se empieza a cuestionar la función real de las cárceles, si realmente se espera que esos hombres vuelvan a la sociedad o no. Mientras Charles Bronson busca la fama en esta película llamada Bronson, el tiempo en solitario en vez de simplemente aislarlo nos lo muestran como un gran payaso y deja en jaque y burla a todo el sistema y ese intento estúpido por dominarlo. 

La naturaleza violenta del personaje lo convierte en una leyenda, pero sobre todo nos muestra lo que piensa el director de este personaje que sigue siendo uno de los más reconocidos de Gran Bretaña: la violencia es intrínseca del ser humano. Con ella venimos y con ella nos iremos. 

Como si esto fuera poco: el uso de la música nos muestra que de la cárcel y del psiquiátrico tampoco se puede decir mucho. Una fiesta en la que están todos con camisas blancas y les aseguro que no quedan muchas ganas de pensar en su utilidad para la sociedad. 

Es una crítica incisiva, una película violenta y difícil de ver que toma pinta al ser humano como sediento de sangre e imposibilitado para vivir pacíficamente. Uno naturaliza la violencia a medida que pasa el film y ya ni siquiera se siente asqueado. 

Por momentos, hasta te da pena este pobre chico que lo único que quería en su vida era ser famoso. El problema era que su única gracia era pegar, matar y robar. A veces, porque la mayoría lo pescaban y volvía al solitario o a la reja. 

En el 2010 recibe un llamado de Christopher Nolan y se suma al elenco de El Origen. Acá interpreta a Eames, un “físico”, es decir, un tipo que se encarga de perseguir a una persona que tienen que representar en el inconsciente del soñador y que después de imitar su forma de camina y hablar, el subconsciente lo convierte en esa persona. 

Para variar, tiene ese aspecto snob que siempre parece saber todo antes que nosotros y que el resto del elenco. Disfruté mucho la química con Joseph Gordon Levitt en la que se odiaban y competían constantemente. También explotan su lado más primitivo y que le va muy bien, impulsándolo a ser el que propone todos los temas arriesgados. 


En el 2011 participaría en El topo, película que le significó a Gary Oldman su primera nominación como Mejor Actor. 

El topo tiene un ritmo cansino y es un clarísimo homenaje al cine de espías de los 70s. Ambientada en la misma década, nos va mostrando cómo la información y la intriga se va construyendo. Oldman es Smiley, quien es arrancado de su retiro para investigar a Ricki Tarr (Hardy) y su desempeño, considerando su carrera como miembro de inteligencia de Gran Bretaña. 

Pero es esta interpretación una de las que más me sorprende de Hardy. Estoy acostumbrada a que sea físicamente imponente, soberbio y con una presencia poco generosa en pantalla, pero nunca me imaginé ver a un tipo que se encuentra aprisionado en su casa, que se sabe traicionado y que intenta mantenerse vivo sólo para desenmascarar al resto. Sabe que no va a vencer al sistema y eso tampoco le importa: está desencantado. 

La película es compleja en su construcción y a muchos les puede parecer mucha información hablada y poca acción. Tal vez sea así. A mí la película me gusto mucho pero siempre la recomiendo con cautela… 

Para terminar de poner un poco de condimento a esto que lo comparan tanto con Fassbender, él iba a hacer originalmente este papel, pero Hardy lo reemplazó. 

En el 2011 participó en el gran drama deportivo “Warrior”. Acá interpreta a Tommy, quien fuera un marine y huyó de su casa siendo aún un chico para escaparse con su madre de un padre alcohólico y abusivo. Su hermano mayor, Brendan, se quedó y no se han vuelto a ver. Si bien ninguno de los hermanos lo pasó bien, vuelven a encontrarse en el ring de un campeonato de artes marciales combinadas. 

Lo bueno es cómo se cuenta la historia sin ir a lo obvio, sin flashbacks en los que dos nenitos se separan, no, acá te plantean dos situaciones muy diferentes con pocas cosas y la desesperación por la cual tienen que ganar. Además, el uso de la publicidad, de cómo venden la pelea no sólo por ser hermanos, si no por el hecho heroico en el que se vio involucrado Tommy cuando estaba en servicio (en donde también perdió a un amigo) cargan tanto el ring que cada vez que les pegan, el espectador lo siente tan visceral que no puede ser indiferente. 

Gran construcción de Hardy, pero todos han sabido estar a la altura con remarcables interpretaciones. De hecho, Nolte estuvo nominado a mejor actor de reparto. 

El mismo año estrenó “Esto es Guerra”, la muy pobre comedia romántica que protagonizó con Reese Witherspoon y Chris Pine. 

La película cuenta la historia de dos agentes secretos que son mejores amigos. Hardy interpreta a Tuck, quien ha sido abandonado por su mujer quien le reclamaba que nunca estaba, lo tomaba por menos y se quedó con la custodia del hijo que tenían en común. Un día se da cuenta de que lo que necesita es tener una relación sana y estable y entonces se anota en un sitio para citas en internet. Con tanta mala suerte que después de su cita, ella conoce a su mejor amigo y empieza a salir con ambos. 

Con todos los clichés como que ella nunca lo había hecho antes y por una vez que se le ocurre, resultan ser amigos y todo eso, vemos a un papel liviano y tierno de Hardy. No es una maravilla pero agrega variedad a su CV y lo perfila como una posibilidad de galán, cosa que muchos con sus capacidades actorales se niegan por buscar papeles serios y complejos. Qué pena…es obvio que parte de los pochoclos hacen la plata acá… 

También de este año es la última entrega de Batman, el caballero de la noche asciende. No quiero contar demasiados detalles para aquellos que no la hayan visto, pero les aseguro que no va a dejar a nadie con ganas de más. Su construcción de Bane, si bien llama más la atención por lo físico que por lo actoral, es un ser que no deja nada librado al azar, no es como Joker que sólo amaba el caos. Él tiene una métrica para el caos y la articula muy bien. 

Si bien la voz procesada, más lo poco que normalmente se le entiende a él dificultan por momentos las cosas para el espectador, les aseguro que no deja a nadie a pata…hasta en un momento con máscara y todo vemos la máxima mirada de amor que ha sabido mostrar. Pulgar para arriba. 

Todavía de él nos queda por ver “Lawless” en donde interpreta al gangster Forrest Bondurant en plena ley seca y un reboot de Mad Max…varios ya nos imaginamos lo chica que va a parecer esa carretera cuando él se suba a la moto. 

¿Qué piensan de este nuevo talento? ¿Cuál es su peli favorita con él?

jueves, 26 de julio de 2012

6 escenas en las que se revela infidelidad


Con esto de que la pareja de Crepúsculo puede estar en jaque por el pequeño desliz de ella con un director (revival Viale - Lousteau) en el que la chica decidió estar a los besos apasionados en un auto no polarizado, todos parecen tener una teoría sobre la infidelidad.

Hay un viejo dicho que dice que nadie muere mocho, es decir que nadie se salva de los cuernos. Se me ocurrió en honor a esto hacer un recuento de las peores escenas en la que los engañados se encuentran con la cruel realidad…

Bridget Jones


Bridget Jones es la combinación de muchos terribles miedos de las mujeres de una generación en la que no tienen el trabajo de sus sueños, siguen solteras y de repente todo el mundo tiene la misión de casarlas (aun que no sé si a veces no va con Z en estos casos).


De repente encuentra a un tipo que sabe no es el ideal (¿Qué tipo que no tenga serios problemas puede estar suelto a esa edad?) pero se lanza a la pileta por una necesidad de ser amada...¿Qué se encuentra? A una flacucha dispuesta a tirar la fantasía por la ventana.

Los Descendientes


Gran comedia y, sobre todo, muy humana en la que, como siempre, el último en enterarse es el afectado. En este caso muestra que el camino del adiós es largo y mientras la mujer está en coma, él tiene ganas de medirse con el otro, de desafiarla, de decirle algo que la hiera una mínima parte de lo que ella lo ha herido a él.
Tiempo de valientes


Genial comedia sobre un policía que está un poco sensible respecto a que su mujer lo engañó y le recomiendan que haga terapia. En la casa de su terapeuta cenan con la mujer de éste y de repente, con métodos poco ortodoxos, la hace confesar. 


La forma en la que se dan las pruebas, los datos y conclusiones como las de compararse con Madame Bovary no tiene mucho sentido, la hacen memorable. Para morirse de risa.


El paciente inglés


En una época pensaba que Colin Firth había sido el tipo votado con cara de cornudo. En serio, papel en el que lo veía, el tipo era el cornudo. Realmente amor, Bridget Jones, Shakespeare Apasionado, ésta...siempre era herido, pateado y engañado.


Bueno, esta vez lo toma menos caballerosamente que en el resto de las pelis y decide que si él no tiene a Katherine, tampoco la va a tener el otro. ¿Cómo lo hace? Bueno, intenta matarlos a los tres en un accidente aéreo. 


Después dicen que las mujeres somos exageradas.

50/50


Amé esta película. Me gusta cómo combina el drama con la comedia y esta escena en la que el amigo revela que finalmente sabe por qué nunca quiso a la novia: es que era una flor de porquería.

No sólo le saca una foto, si no que el tipo se asegura de que la chica se vaya de la casa de su amigo, que no lo viva más. ¿Ella qué hace? Dice que el amigo es una basura y le hecha la culpa al otro por estar enfermo. Una joyita ¿Eh?

Bueno, ¿Quién alguna vez no puso fichas en alguien que no valía la pena?

Belleza Americana


Genial comedia y esta genial parte lo que hace es mosrar que en realidad a él ya ella no le importaba, pero la perspectiva de verse liberado de sus opiniones, críticas y discursos, ya hacían a esa la hamburguesa más divertida de su día.

¿Qué otras escenas en las que se descubren cornudos recuerdan?

martes, 24 de julio de 2012

Dibujos animados para (no tan) chicos: Entrega "Cortos"

Estaba leyendo un caso de análisis de Disney y contaba cómo una de las grandes innovaciones de Walt fue la de pensar en hacer un largometraje animado (Blancanieves fue el primero en la historia) porque se dio cuenta de que simplemente con los cortos animados, no iba a poder ser rentable la productora. Aún así siempre mantuvo la división de cortos como para probar a los nuevos dibujantes. De este departamento salieron talentos como Tim Burton y John Lassetter. 

Se me ocurrió, entonces, rescatar cinco de mis cortos favoritos y dejarles el que ganó el Óscar este año en su categoría para que se empapen de esta estructura de relato donde lo animado no significa menos drama y donde la historia bien contada, se narra de una manera fantástica.

Tómense media hora y mírenlo mientras almuerzan.


La Rana que Canta


Recuerdo lo mucho que me angustiaba ver esto de chica. Pensaba que la rana era malísima y cómo no iba a dejar que el hombre fuera rico. Después entendí que hay cosas que no pueden apreciarse con el bolsillo, sino que van por otro lado y cómo la ambición puede arruinar hasta la diversión más simple.

La vendedora de fósforos


Uno de los cuentos más tristes, sobre la soledad, la indiferencia y la magia de creer. Claro que por unos minutos la diferencia entre la vida y la muerte también hablan de lo que sobrevive si se vive...

Destino


Dalí combinó su magia con la de Disney para hacer ese corto maravilloso basado en la idea de la espera y de la búsqueda del verdadero amor. Me gusta cómo estructura a dos seres separados y al mismo tiempo anhelándose y soñándose como si estuvieran moldeando su propia Galatea...

Partida de Ajedrez


Hablando de grandes cortos sobre la soledad. Una genialidad.

En tus brazos


La música del tango y la construcción de la nostalgia y de una época que fue. A ésto súmenle un amor que no muere con nada, que espera, aguanta y sueña. Precioso.

Los fantásticos libros que vuelan


Éste dura un poquito más, pero es una maravilla. Lo que nos hace soñar una buena historia y cómo colorea la vida de varios. 

El poder de los libros de llenarnos la vida, de hacernos enamorarnos, volar, atesorarlos por más que el tiempo los haga pedazos y, cuando llega el momento, saber regalárselos a alguien  más.

¿Qué otros cortos recomiendan? Postéenlos en Facebook: Rincón Fílmico 

“Los grandes del cine” Vigésima entrega: Guy Ritchie




Guy Ritchie tiene unos antepasados interesantes. Por un lado se habla de títulos como de caballero, reverendos y barones, por otro lado cuenta con héroes veteranos de guerra. Todo esto parece haberse mezclado en sus venas y con eso sostiene ese aire snob que siempre tiene. 

Ritchie es disléxico y ha tenido varios problemas en el colegio, habiendo sido expulsado de dos. Una vez que realizó un corto cuasi experimental (pero claro, eso no significa que haya sido con pocos fondos), su padre lo contactó para que consiga los fondos para su primera película: “Juegos, trampas y dos armas humeantes”. 

En 1998, entonces, llegaba su debut. El film ya viene con su fuerte impronta visual de estilo videoclip y un volumen de música que por momentos nos hace pensar que estamos frente a un videojuego. 

El mundo bajo de Londres se abre frente a nosotros con este bar que maneja Sting y un grupo de amigos que necesita saldar una deuda. Muy al estilo Ritchie, es una historia coral que luego se va uniendo y siempre por una serie de encuentros y desencuentros en el que todos se roban a todos, todos se traicionan y muchos condimentos más. 

Siempre recuerdo la seguridad de un departamento en donde había una gran plantación de marihuana que era una jaula que solía estar abierta y un rifle de aire comprimido. Ni hablar de cuando planchan los billetes porque ya ni saben qué cocinan. Muy, muy divertida. 


En el 2000 llega Snatch, tal vez su mayor éxito. Volviendo a reunirlo con Jason Statham, esta vez consiguió a Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina entre otros. La película recupera el ritmo visual, el hecho de que la cámara gire sobre su eje y la secuencia de títulos nos presenta esta historia disparatada. 

De nuevo está presente el mundo bajo pero esta vez presenta como ciertas tribus urbanas como ser los rusos, los judíos, los negros y los gitanos como mundos separados. Lo mejor, claramente, Boris que es el esquivabalas “porque aparentemente es imposible matar al muy hijo de puta”. 

Película con ese humor nonsense y el ritmo que Ritchie maneja muy bien y una cámara que siempre relata más de lo que hacen los actores, inclusive. Un monumental Brad Pitt y tantos recursos como se les puede ocurrir. 

En el 2002, Ritchie se dejó cegar por el amor y contrató a Madonna para que sea su estrella en una re adaptación de “Barridos por la marea”. La película es tan insoportable como ella en el papel de esa snob dama que queda varada en esa isla con el socialista de turno. 

En el 2005 intenta volver a sus raíces por lo que vuelve a hacer un guión original y filma Revolver. En este caso nos alejamos totalmente del humor para tener a un hombre encerrado en una prisión y que su mente misma es una prisión. Tiene un juego cronológico muy innovador y es que si estamos encerrados en la percepción de una persona, el tiempo también es un factor subjetivo. La memoria y la recreación de los hechos no tiene por qué ser fiel. 

Por momentos vemos flashes, tenemos una sensación de culpa y claustrofobia durante mucho tiempo. Es el film más peculiar en la filmografía del director y guionista pero creo que no puede dejar de verse. 


En el 2008 vuelve al mundo del hampa con Rocknrolla. Usando el tema de las estafas inmobiliarias y cómo se fabrica una zona gris, nos va introduciendo las distintas aristas de ese mundo. 


Tenemos nuevamente a unos rusos inmortales, a los secuaces básicos y a los matones con suerte. 


SI bien estaba pensado como una trilogía, no han respondido lo suficientemente bien en la taquilla como para seguir con ese proyecto en mente. Pero nadie dice que esté totalmente descartado.

En el 2009 tomó el más famoso personaje de sir Arthur Conan Doyle y lo llevó a su estilo. Su Sherlock es un gran analista y un poco excéntrico, pero la verdad es que es un ser súmamente egoísta y narcisista, casi les diría imposible vivir con él.  

De repente sus aventuras con Watson terminan siendo mitad placer, mitad tortura para el doctor. Ritchie dio rienda suelta a Robert Downey Junior para que el personaje deje de ser el perfecto brittish del texto y sea una estrella de rock casi. La primera entrega es pintoresca y la química entre los dos actores principales es lo que la sostiene, pero la segunda entrega del 2011 realmente no admite ninguna revisión.  

Como proyectos futuros tenemos The man from U.N.CL.E pero todavía no hay casting definido.

Sinceramente, es uno de los directores más pochocleros y divertidos del cine inglés. Espero con ansias sus películas, me divierten sus videoclips y creo que tiene una visión muy personal para sostener cualquier adaptación sellándola con su nombre.

lunes, 23 de julio de 2012

El arte plástico en el cine

Hay muchas formas en las que un cuadro o una obra de arte irrumpe en un film. Juegan un poco con la ironía de que el espectador las reconozca o como un símbolo de algo mayor.

Debajo, cinco ejemplos para empezar a hacer una clasificación ¿Me acompañan?

El Código Da Vinci


En este caso, la novela y la película juegan con el fanatismo humano por las conspiraciones históricas. Como los estudios de Da Vinci lo mostraban como un verdadero genio y un adelantado a su tiempo, usarlo como palanca para hablar de membresías a grupos selectos y que la información que se tiene sobre un hecho, no necesariamente es la real.

Las obras de arte acá pierden su peso artístico y son legados y mensajes para dejar vivo el legado. Además, la muerte se da como una lección para los herejes y la Iglesia aparece como el grupo opresor.

Mi Villano Favorito


Si ven en el extremo derecho, se puede ver un cuadro con detalles azules. En los frames que siguen se ve que es "Noche estrellada" de Van Gogh. Esto funciona como un guiño ya que se sabe que el personaje principal es un villano y un ladrón y mientras pondera otros robos, este está tirado en una habitación, restándole importancia a uno de los cuadros más famosos del pintor.

El caso Thomas Crown


En este film que se trata de la caza del gato y el ratón, aparece este cuadro que simboliza una premonición y una especie de descripción del personaje. 

Thomas Crown es un hombre de estilo y dinero pero, así como el hombre del cuadro, se esconde en el anonimato. El hijo del hombre, que es el título del cuadro, es de Magritte. Se suponía que era un autorretrato pero hay una idea mucho más provocadora: lejos de hablar del simbolismo trillado de la manzana, el autor dice que de alguna manera para nosotros es muy fácil rellenar lo que no sabemos. Le ponemos el rostro que queremos así como tratamos de apropiarnos de otros que no conocemos y creemos conocer. ¿Ven? Una especie de sinopsis y descripción de la dinámica de los personajes.

La chica del aro de perla



En la época dorada del arte Renacentista, en Holanda un pintor realiza esta obra maestra, de las más recordadas de su obra. Mientras acá la tratan como un hecho único, hay una serie de retratos que conservan el fondo oscuro y las características de la modelo.

En el film se habla de la idea y dinámica de la musa y el maestro, de cómo una simple sirvienta deja su huella en la historia cuando Vermeer la capta.

Sobre todo me gusta cómo juegan con la insinuación de esos labios semiabiertos, de esos ojos de una entrega absoluta, de esa moda que se respetaba de la depilación de cejas y la mitad de la frente con esa dinámica con el que sostiene el pincel del otro lado. Si bien el acto no llega a concretarse, la mística del cuadro queda en esa necesidad carnal latente.

Medianoche en París



Acá también se juega un poco con la inspiración. No es casualidad que conozcamos al personaje principal maravillado por el espacio en el que estaba, aquel que inspiró una de las obras más reconocidas de Monet. A partir de eso y de que él es un escritor en busca de terminar su novela, va encontrándose con otros personajes ilustres y sus procesos creativos que lo ayudarán a condimentar su libro.

En la película aparecen obras de Picasso, la cartelera evoca una obra de Van Gogh, está presente Dalí hablando de su etapa de rinocerontes y su capacidad para introducir detalles microscópicos y hasta aparece "El pensador" de Rodin.

El máximo filtro de esta peli siempre es conocer de quiénes está hablando...pero creo que funciona con sus ganas de ridiculizar, de hacer figurines a los artistas y de teñir el relato de ese ambiente lúdico e infantil.
¿Qué otros usos del arte en el cine pueden recordar?

viernes, 20 de julio de 2012

Personajes y espectadores

Se dice que del narrador y el narratario en el cine siempre hay marcas. Desde que aparece una leyenda, desde que te sitúan dónde está pasando lo que está pasando y demás, son como emblemas del narrador. Una de éstas es la de poner al personaje en el espacio del espectador y hoy, para el casual friday, me viene como anillo al dedo.

En este día del amigo, se me ocurrió rendirle homenaje a este gran amigo mío que es el cine. Siempre presente para con una historia llevarme muy, muy lejos y durante dos horas entrar en esa completa fantasía. Para ésto, elegí a esos personajes que, por un rato, son tan espectadores como nosotros que respiramos fuera de la pantalla.

Quémese después de leerse


Una mujer en busca de su media naranja encuentra la película que la hace reír. El tema es que cada tipo que lleva reacciona distinto y para ella es una prueba de fuego ver cómo reaccionan. En este caso, siente que tienen algo en común si él puede disfrutar lo mismo que ella.

Medianeras


El clarísimo homenaje que hace esta película al cine de Woody Allen tiene su broche de oro cuando dos almas en desgracia por no encontrarse, ven en distintos lugares pero al mismo tiempo (lo que se llama montaje alternado) la misma película: Manhatthan.

La Rosa Púrpura del Cairo


La genial comedia de Woody nos muestra a esta mujer con una realidad espantosa y que se mete en la sala para que sea su lugar de sueños. Afuera, la guarda un marido opresivo y una situación económica exasperante, pero mientras dura la proyección, su realidad es la de la magnificiencia de un personaje del que se enamora.
Un humor sencillo y al mismo tiempo incisivo nos deja esta maravillosa fantaía

500 días con ella


Esta historia, que te cuentan desde el principio no es de amor, tiene su momento en el que los personajes van a sala a ver una película que al personaje de ella la marcó mucho: El Graduado. Me gusta habalr de esa parte porque muestra las perspectivas opuestas de los personajes y siempre como un presagio del final. Sí, me encanta esta película ¿Y qué?

Todo sobre mi madre


Sé que es una obra de teatro, pero no creo que la inmersión sea menor en el caso del espectador. Acá Manuela ha perdido a su hijo y ve una y otra vez la obra que ha cambiado su vida porque cuando la interpretaba, conoció al apdre del chico. Esta obra es la monumental Un tranvía llamado deseo y vemos cómo ella repite las líneas y vive la obra...perdón pero no podía dejar de ponerla.

Feliz día del amigo para todos y cuéntenme qué otras pelis en las que los personajes son espectadores recuerdan.


miércoles, 18 de julio de 2012

Spotlight on: Los amantes pasajeros



Almodóvar es de esos directores que amás u odiás. Nadie puede ser indiferente a lo que él hace. Recuerdo una vez que dije que debió haber tenido muchas mujeres en su vida, por su capacidad de retratar el cambalache de sentimientos y preocupaciones y sigo pensándolo.

Pedro vuelve a la comedia, cosa que no es poco, porque pretende que sea un antídoto de la crisis. Mientras las noticias hoy traen todos los días algo malo, esta comedia pretende ser ligerísima y que la gente se divierta. Me gustó, sobre todo, lo que comunicó en la página de Facebook de El Deseo diciendo que no tienen que esperar una comedia exactamente como las de los ochentas, porque él tiene 20 años más…y pesan.

La película, cuyo título en inglés será “I’m so excited”, se estrenará en primavera para el hemisferio norte y, claramente, ya es casi un número puesto en el Festival de Cannes.

El reparto incluye a sus habituales Antonio Banderas y Penélope Cruz junto con la vuelta de la genial Cecilia Roth, Paz Vega, Javier Cámara y Lola Dueñas.

Coqueteando con el exceso y los absurdos, se narrará la historia de un vuelo desde el despegue hasta la situación de aterrizaje de emergencia. Ya me tiento de sólo pensarlo.

Ya ha empezado el rodaje hace una semana y también el set es una vuelta: es Madrid y su aeropuerto de Barajas.

Después de habernos encerrado en lo más profundo y morboso del ser humano en La Piel que Habito, de hacernos llorar y reír al mismo tiempo con Todo sobre mi madre y de llegar a la belleza y sutileza de Hable con ella, este director siempre cuenta con mi entrada para verlo.

También considero que es el único capaz de sacarle ese encanto a Penélope y que su trabajo como director de actores se puede comparar con la grandeza del de Allen.

¿Esperan éste film? ¿Extrañaban el Pedro de las comedias? ¿Cuál es su film favorito del director español?

lunes, 16 de julio de 2012

Duplas Inolvidables director – actor. Entrega IX: Federico Fellini y Marcello Mastroianni



Cuando empecé esta sección lo hice con Lemmon y Wilder porque para mí hay pocas duplas como esa. Te guste o no su estilo, Fellini ha sido un hombre que dejó su marca en el cine y habló de lo que él quiso hablar y como quiso hablar. Marcello, desde la Dolce Vita en adelante se convirtió en un alter ego, reflejando muchas veces al mismo Federico en pantalla. 

Fellini decía que Mastroianni era como un contorsionista y que era capaz de interpretar cualquier cosa. También remarcaba que su expresión de nada y sin ser el tipo más lindo del mundo, te resultaba creíble no sólo que las mujeres lo encontraran atractivo, sino que su doble moral siempre estaba presente. Uno sabía que él podía ver un hecho terrible y no actuar. 


Para mí ambos son íconos intocables. No todo de ellos me encanta y no todo de ellos me parece una situación fantástica, pero por momentos tienen tanto de onírico (cuando supera los temas neorrealistas) que no sé cuando, pero yo también me pongo a soñar. Siempre pienso que Fellini filmaba para él, porque él tenía algo que decir. Cada vez que veo sus películas, siento que me cuelo en su cabeza y, por un rato, yo también soy una genia. Al menos hasta que llegan los créditos 

La dolce vita (1960) 

Tal vez la más famosa de sus participaciones, nos muestra cómo la burguesía ha salido de la crisis económica para meterse en este hedonismo absoluto. Me gusta la idea de que tiene esa estructura episódica que está basada en cuatro fiestas y muestra esto como el corazón de una sociedad. A medida que avanza el film, son cada vez más decadentes. 

Marcello aparece como ese torpe Casanova que recibe la atención femenina y hasta tiene a una adorable mujer-esposa (para Fellini sólo están la mujer-esposa ó la mujer-amante) esperando pero que se siente víctima de esa atracción hacia otras mujeres y parece encandilarse con cualquiera que es capaz de mirarlo. 

Como un eterno niño que siempre ve espejitos de colores, compra como sueños situaciones que no se sostienen en lo más mínimo y, para coronar, la playa vuelve a aparecer como el espacio de catarsis, donde los personajes pueden revelar su verdadera naturaleza…uno no debe olvidarse que Fellini era de un pueblo costero. 

Ocho y medio (1963) 


Así como la estructura antes eran las fiestas, acá son las mujeres. Cada una con su exigencia y él jugando a ser el malabarista en el medio de esto. La escena en la que Luisa, la mujer de Guido (personaje de Mastroianni) está haciéndole un planteo sobre su amante y él sueña que ambas se conocen, se aceptan y él tiene un harén es espectacular. Demuestra esa necesidad lúdica del personaje y de la persona tras la cámara en la que no todas son amantes pero su festival frente a sus ojos es mejor que cualquier film. 

Las mujeres aparecen como amigas, madres, prostitutas, parientes políticas y son las que regulan su vida cual musas en este momento en el que no sabe cómo empezar ni terminar el film que tiene en la cabeza. 

La crisis creativa, el hecho de que el público aplauda una obra vacía, termina convirtiéndolo en uno de los creadores más valientes. Una cosa es tener un estilo, otra saber renovarse a sí mismo film tras film y no convertirse en los tics a los que la gente responde. 

La ciudad de las mujeres (1980) 


El centro de la vida de Snáporaz siguen siendo las mujeres, no importa cuánto tiempo ha pasado. Pasa que él no entiende que ya las costumbres no son las mismas, que las mujeres tienen otro espacio y trato y que a él se le fue el tren. 

El machista un poco torpe, termina por observar el cambio pero con cierto temor y la fantasía queda cada vez más clara. 

Hay quienes dicen que si Fellini dejaba de filmar después de Amarcord (mi favorita de él, sin dudas), nada en la historia del cine hubiera cambiado. Creo que se refiere a que su estilo onírico barroco cada vez fue tomando más vuelo y borrando todo rasgo “terrenal”. Sea como sea, sus relatos no pierden su sello y Marcello vuelve a ser este alter ego como parte del mismo Fellini que ve cambios que no sabe bien cómo interpretar. Hay una fantasía superadora de cualquier lógica, pero ¿La realidad para él no lo es? 

Muchos piensan que peca de ser liviana…recomiendo que la vean otra vez. Por ejemplo cuando descubre que las mujeres pueden juzgar sus líneas de conquistador y todo lo que él hace es perjudicial y que esas mujeres sumisas terminan siendo en realidad pagas para mantener esa ilusión de que los hombres llevan las riendas. Divertida a más no poder, termina siendo un Marcello en la tierra de Alicia. Con sombrerero y todo. 

las maravillas de Alicia muy particular; en lugar de conejo blanco hay una mujer muy bien formada (¿Metáfora lingüítica? Tendría que saber si la palabra "conejo" cumple las mismas funciones de eufemismo en italiano que en español); la historia pasa por varias escenas a qual más loca, incluyendo un grotesco personaje masculino que hace de perfecto Sombrero Loco; termina como debe terminar: volviendo a la realidad después de una espectacular catarsis y con todas las piezas encajando. Per quizá demasiado rápido... Un brusco despertar que nos deja con ganas de más. 

Ginger y Fred (1986) 


La nostalgia, ese elemento que siempre está presente en la obra de un soñador, aparece sin tapujos ante nosotros en esta cinta. Acá no se trata del ocaso de dos estrellas solamente, sino de ese romance que tenía Federico con el cine. 

Las bandas sonoras, el hecho de que imitan a personajes reconocidos del cine, el despliegue que le permite hacer un musical y todo esto, te va quitando el aliento de a poco. Está presente esa idea de volver, la tiranía del vivo de la TV, la angustia tanto de volver como de seguir en la oscuridad… 

La verdad es que tanto Giullietta como Marcello están espectaculares. Marcello muestra ese costado vulnerable que no quiere resignarse a la oscuridad pero que ya se cae a mitad de la coreografía, pero por unos instantes es capaz de sentirse de nuevo un chico. 

El odio a los televidentes y a cómo funciona el plató también queda claro…y es que hay cosas que sólo se aprecian lo suficiente en una pantalla grande. 

Entrevista (1987) 


La verdad es que me cuesta considerarla una película. Me parece más bien lo que pensaba Fellini sobre una serie de temas y personajes pero sólo él puede llevarla adelante. 

Marcello hace de sí mismo y hasta en un momento aparece como un mago. Y es que eso era para Federico, el que se atrevía a representarlo de la manera más fiel que podía pensar. 

Otra vez haciendo sus eternos homenajes al cine, te muestra al detrás de escena y cómo explicar a un grupo de gente de una cultura y pensamientos absolutamente diferentes, qué ver cuando se ve su cine. 

Así nos lleva a pasear por los sets, por las peleas de egos, por cómo funciona la productora y cuándo el director es libre de filmar lo que quiere y cuando no. Y, sobre todo, lo frío del spotlight cuando se apaga y uno tiene que hacerse a un costado. 



A lo mejor me tachan de excesivamente clásica después de poner a esta dupla. Yo creo que la historia del cine hubiera sido distinta sin ellos.