El cine es un espacio de identificación, de educación, de industria y de arte. Y todo eso, está dentro de este blog.

jueves, 26 de abril de 2012

Lo que dice el cine del uso 2.0

Cuando hoy se estrenó (finalmente) Shame, no pude evitar recordar la privada de prensa, allá por febrero. Siendo que todos sabíamos que era una película sobre la adicción al sexo, no podía entender las reacciones de los asistentes que hacían chistes tontos para descargar tensión o de repente hacían comentarios sobre los desnudos (que, claramente, estaban más que justificados). Después leí el comunicado de Cinemark que decía que no iban a proyectarla dadas sus fuertes escenas sexuales cosa que me sorprendió todavía más ¿No fue en enero cuando estrenaron “La chica del dragón tatuado”? ¿O era que la terrible violación a Lisbeth les parecía poco contenido sexual o violento?

Amén de eso, y mi crítica del film la pueden leer como siempre en El Espectador avezado (click para ver crítica), me puse a recordar la película y el hecho de que las redes también se usan para contenido erótico y que el personaje en su soledad y adicción utilizaba para descargar su necesidad. Me hizo pensar en muchas otras pelis que se basan en las redes y qué loco como muestra una evolución ¿No? ¿Me acompañan?

Tron (1982)


El planteo de una red colaborativa y libre y de las infinitas posibilidades de la red aparecía como una fuerza que podía secuestrarte. El complejo de Dios llevaba a Kevin a una inmersión de la que todos temían y nadie podía desprenderse del todo.
El protagonista corre el riesgo de no volver al mundo. Hasta acá, todo parecía ciencia ficción.

La red (1995)


En plenos 90s había una analista de sistemas que no tenía necesidad de salir de su casa para trabajar, su madre sufría de Alzheimer y no tenía real contacto con nadie. Carne perfecta para que cuando unos terroristas querían hachear todos los sistemas, aparecieran a perseguirla.

Había un dejo de paranoia de lo que podía pasar y de las posibilidades infinitas. Ni hablar de la pérdida de la intimidad.

Matrix (1999)


Acá se plantea que el mundo real no es real y que lo que vemos es una proyección al estilo realidad virtual que nos hacen creer que aún podemos ser libres en elecciones y construcciones. Si alguno nota la falla, un programa del mismo sistema, los elimina.

Ni hablar de la paranoia del Y2K y del cambio de milenio...venía genial pensar en un mundo postapocalíptico acá.

Entonces, si todos estamos conectados a lo mismo y nuestra vida depende de pantallas, 1984 no está tan lejos.

Red Social (2010)


Esto es mucho más interesante porque si hablamos de una red social somos nosotros mismos lo que la construimos y los que nos exponemos. No hay una necesidad de intimidar y nos ponemos en la vidriera sin problemas. La realidad en la red es otra y no siempre condice con lo que somos. Hay relaciones que se forjan ahí, hay un universo en el que empezamos de cero…Tron empieza a parecer más cercano.

La chica del Dragón Tatuado (2011)


El personaje principal es una hacker y como tal sabe todas las trampas del sistema. Se vale de él para cazar gente (al mejor estilo Dexter) que logra pasar por alto las leyes y salir libre.
La justicia por mano propia la hace sentirse fuera de la sociedad, ajena a todo lo que es tangible y real para el resto pero actúa como si creyera hacer un bien a su idea del mundo. Es como un superhéroe con piercings ¿No?

Todos sabemos que ante cualquier duda, acudimos a Google…¿Cómo creen que el cine logra que todo esto siempre termine siendo el reflejo de los peores seres, de las peores situaciones? ¿La infinidad de posibilidades siempre trae lo peor?

miércoles, 25 de abril de 2012

La complejidad de los objetos

Cuando nos paramos frente a un film, sabemos que es una ciencia cuidadosamente puesta en práctica. Pocas personas tienen el poder de improvisar tras la cámara, pero nadie puede ser inmune al hecho que es una industria y que los costos de realización son elevados. Sabemos que todo ahí ha sido pensado, estudiado, ensayado. Sabemos que los actores se van pero todavía quedan meses hasta poder tener el corte final de la película. Entonces de repente me acordé de un juego en el que se refieren a una película mediante un objeto y pensé en siete películas que me encantan en la que usan un objeto para resumir un conflicto.

¿Cómo funciona? Bueno, sobre todo porque tienen una gran historia detrás, pero como icono sirve hasta para resumir la película para aquellos que ya la vieron. 

Debajo, les dejo los siete mejores objetos para resumir películas

La raqueta de El Apartamento/Piso de Soltero


Si uno vive solo, no necesita demasiadas cosas. Peor aún si tu casa es usada por otra gente como casa de citas. Buddy vive como puede, esperando ascender en algún momento y encontrarse una buena chica. Mientras tanto, cocina pocas veces porque no siempre tiene con quién comer como para motivarlo a cocinar. Cuando llega Fran, la raqueta para colar los fideos es la mejor opción.
De hecho, cuando él se está mudando al final, la raqueta sigue apoyada en el marco de la puerta, siempre presente entre ambos.

El anillo de El Señor de los Anillos


Un anillo que lleva el destino de todos impreso no puede menos que atarnos a todos al destino de un hobbit, la persona más insignificante del mundo...pero no la más indefensa.

Los gnomos de Amelie 


Esta deliciosa comedia muestra a un gnomo que de repente viaja por el mundo, mientras envía sus mejores instantáneas a una chica que cualquier cosa le despierta un mundo de color y magia.

El dedal de El Paciente Inglés


Una relación extra matrimonial que es definitiva para la vida de ambos personajes, no puede tener un regalo obvio. No puede caer en el típico estereotipo no sólo para que ella no sea descubierta, sino también porque no hay nada de típico en lo que se provocan. Un dedal como ironía termina siendo el sello de esto.

La identificación de The Joker 


Joker siempre ha sabido como jugar sus cartas, por eso sabe que es lo que mejor lo identifica. También refuerza la idea de que es un enigma porque nadie sabe de dónde viene, a dónde va, cuál es su nombre...

Los sables láser de Star Wars


El sonido y la imagen de ellos es tan característica que no requiere de mayores explicaciones. Sólo por verlas ya querés saber quién puede manejarlos.

Rosebud de Citizen Kane


Cuando la película se trata de definir a un hombre a partir de su última palabra, ya tenemos una construcción que apoya a este post. Si encima sumamos que sólo el espectador termina sabiendo la respuesta, tenemos con nosotros a una de las mejores películas de la historia del cine.

¿Qué otros objetos que definen películas recuerdan?

domingo, 22 de abril de 2012

Conociendo a los personajes

Cuando nos encontramos con un film, sabemos que en la primera secuencia conoceremos al personaje principal. A partir de ello, lo veremos cambiar hasta en algunos casos volver a presentarse. También se nos presentarán antagonistas, ideas, conflictos...Suelo pensar que no hay grandes personajes que no hayan entrado a la pantalla para dejar su marca. Debajo, les dejo mis siete favoritos.

Oskar Schindler


Sin duda, uno de mis films favoritos de todos los tiempos, donde conocemos a este hombre con tanto carisma y misterio, que se muestra deseoso de meterse en el mundo de los uniformes de Alemania. Y ese tango inolvidable que se escucha de fondo.

Maximus


A Maximus le cambió la vida el día que quisieron nombrarlo Emperador y la traición llegó antes que su trono. Como tal, él debe empezar de nuevo, pero no antes de volver a nacer en la arena del Coliseo, desde donde puede organizar una revolución más grande de la que su enemigo piensa. 

Vito Corleone


Una fiesta de casamiento se está llevando a cabo pero un hombre que ama a su hija pide un favor. Se lo pide a un hombre que no vemos en seguida, pero sabemos lo poderoso que es. A medida que la cámara se mueve y lo filma desde atrás y luego, de a poco, podemos verlo acariciando un gato y hablando despacio, sabemos que no es necesario levantar el tono para que el resto tiemble.

James Bond


La primera vez que el mundo vio a este personaje, sabía que algo había cambiado. Letal, mujeriego, frío y el único espía que puede matarte con tanto estilo. Nadie lo hizo mejor que Sean y son películas de acción para recordar siempre...

Lester Burnhman


El tedio de la vida cotidiana nunca tuvo mejor vuelo que a través de la cámara de Sam Mendez. En Belleza Americana podemos ver a este hombre que tiene esa vida miserable, que ya sabe que va a morir y nos cuenta cuál es su percepción de lo que vivió. Gran guión y una mejor interpretación de un sólido casting.

Miranda Priestly


Cuando Meryl Streep entra en pantalla, generalmente no pasa desapercibida, pero en esta falsa biopic, está impecable como esa mujer híper eficiente que es tan dura con el resto de la gente que trabaja con ella, que llega a destruirlos. En realidad, es tan adicta al trabajo que siempre tiene el poder de hacer sentir al resto totalmente inútil...mientras está en sus increíbles zapatos...

Marcos


Esta es la primera parte de una gran película argentina. Claro que no es la mejor ni la única buena, pero ha logrado pasar a la historia y ser recordada como pocas. Muestra el estilo argentino a raja tabla, el tema de los chantajes y estafas como si se tratara de El Golpe, pero sin tanto estilo.
Genial. Todas las veces digo lo mismo: ¡Cómo extraño a Darín en comedia!

viernes, 20 de abril de 2012

Las cinco mejores muertes del crimen organizado

Con tanta tratativa gangster de los primeros días y la dupla de Scorsese - De Niro ayer, este top five para el casual friday venía genial.

¿Cuáles agregarían? 

5- Kill en Kill Bill


Con toques sentimentales y una combinación de movimientos que lo mata a los cinco pasos, como si se tratara de un aria de una ópera, Bill tiene tiempo de despedirse, de hacerla llorar, de disculparse...y ella de decirle que ya está listo para caminar.

4- Jonnhy Boy en Mean Streets

Bueno, esta muerte me encanta, pero vaya uno a saber por qué, los que suben los videos a youtube los ponen para no poder ser embebidos. Les dejo el link acá para que vean lo bien que se maneja la sorpresa (por más que ya sabemos que el personaje es una bomba de tiempo), la iluminación débil y todo en un auto...


3- Matones en Promesas del Este


No está completa, desgraciadamente, pero es uno de los mejores enfrentamientos gangster que vi en el cine. Poderosa, cruda y violenta.

2 - Tony Montana - Scarface


Bueno, esta ni siquiera requiere de mucha presentación, pero es inmensa. Su ego, su sed de sangre y de dinero es enorme y así...cae.

1- Sonny Corleone


Él se sentía intocable y su naturaleza violenta lo llevó a ese extremo. Claro que nadie es intocable y mucho menos inmortal en el mundo de la mafia...

¿Qué les parecen? ¿Hay otra muerte que falte?

jueves, 19 de abril de 2012

Duplas inolvidables director - actor. Entrega III: Martin Scorsese y Robert De Niro.



La primera vez que trabajaron juntos fue en 1973. Cuenta la leyenda que los presentó Brian De Palma y a partir de allí salieron las películas más recordadas de ambos. 

Con la mano que combina un excelente y el manejo de la técnica que lo caracteriza, Scorsese ha sabido pedirle a De Niro todo. 

Si bien no son mis favoritos, no puedo dejar de lado su trayectoria, su peso, sus buenas obras (que son brillantes) y sus malas obras (que igual son mejores que la mayoría). 


Mean Streets de 1973 

Aquí De Niro es Johnny Boy, un errático amigo del protagonista que siempre parece una bomba de tiempo. 

Scorsese nos muestra ese mundo bajo y esa explosión de la adolescencia con sus tintes autodestructivos. Y es que Johnny, al que conocemos rompiendo un buzón, no es más que un chico llorando por atención pero que no piensa en nadie, no mira a nadie y todo destruye. La naturaleza impulsiva e incapaz de medir las consecuencias lleva a ese doloroso y apocalíptico final. 


Taxi Driver de 1976 

El ex combatiente de Vietnam, Travis Bickle, es encarnado por De Niro en esta magistral obra. 

Con una secuencia de títulos impecable, nos vamos introduciendo en esta ciudad oscura y podrida que él conoce tan bien. 

Travis no puede dormir y en sus desesperados intentos por reinsertarse en la sociedad terminan dejando una sensación entre patética y lastimosa. Querer salvarse, querer salvar al que no puede o no quiere ser salvado, todo va componiendo la tragedia final. 

Travis está harto de sólo ver la mugre, pero su idea de limpiar la ciudad no es demasiado alentadora. En el proceso, él mismo se empieza a creer un héroe. 

Gran recurso el del narrador, que es un testigo de asesinato casi accidental y un film que cambió la perspectiva de una Era. 


New York, New York de 1977 

Cómo no pasa seguido con los films de Scorsese, la primera mitad me parece maravillosa y la segunda se cae a pedazos. 

De Niro es Jimmy, un saxofonista que es un poco egocéntrico y un poco descarado, que se cruza con una mujer que no puede evitar que le mueva el piso. Ví a un De Niro sensible, apasionado, frágil y destructivo, todo al mismo tiempo y a una Liza Minelli que se sentía atrapada como un loco que no podía dejar. 

Scorsese dijo que fue la película más instintiva que filmó y que le permitió mucha improvisación. Aún así, nunca terminó de sentirse conforme con el resultado final. Creo que tiene altibajos pero la escena final (y el tema de la película) redondean para arriba. 


Toro Salvaje de 1980 

Probablemente la mejor de este dúo presenta a una biopic pensada desde este personaje que se elevó y cayó por su mismo peso. 

Lo peor es que Jake llegó a donde soñaba pero no recogió nada, no aprendió nada y terminó haciendo comedia barata en un bar diminuto. Solo, porque no supo respetar a nadie. Es un tipo violento que no intenta guardarse ningún golpe. 

Scorsese nos mete adentro del ring en esas peleas en blanco y negro y unos flashes de fotos que cortan tanto como los puños. 

Llena de recursos con el uso del color para videos caseros y el presente en blanco y negro, Toro Salvaje es un film que muestra la sintonía perfecta entre un actor y un director. 



El rey de la comedia de 1983 

Scorsese dice que es la única película en la que no hizo movimientos de cámara porque lo importante eran las actuaciones. 

Por un lado tenemos al triste Rupert que haría cualquier cosa por ser un presentador en la TV y a Jerry, que está instalado en la fama pero que es un pedante. 

Hay una idea de crítica a ese culto a la estrella pero que no está del todo explotada. 

Tiene muchas intenciones pero es un poco liviana y De Niro entra a repetirse de papeles anteriores. 

Buenos muchachos / Uno de los nuestros de 1990 

Scorsese dijo que utilizó tanto los planos medios porque en ese mundo, nunca se está solo. 

Creo que lejos de intentar ser dramática o fuerte, lo termina siendo porque cobra una idea de testimonio a partir de los personajes en su propia decadencia. 

Lo que más me gusta del personaje de De Niro, Jimmy, es su paranoia que lo transforma de ser el que descubre a los chicos y los mete en ese mundo a creer que a menos que los mate a todos nunca va a poder volver a dormir tranquilo. 


Cabo de Miedo de 1991 

Martin no suele hacer cine de género, de hecho él promueve la idea de un cine más personal. Pero en este caso no podia alejarse de lo que le pedía el guión. 

Cabo de miedo presenta un problema ético en el que un abogado defensor no hace todo lo que requiere su prefesión para salvar a su cliente de la cárcel. Como él ya lo ha condenado, no hace nada más. 

Lo que pasa es que no cuenta con que catorce años no pasan dentro de una eternidad y cuando el tipo sale, ya sabe dónde encontrarlo. 

La verdad es que esta película me resulta más una hazaña que muestra la gran técnica de Scorsese que algo que defina a De Niro. Y la película funciona. 


Casino de 1995 

Scorsese volvió a a animarse a dejar improvisar a los actores que conocía tan bien hasta dejarse en el lugar de espectador. 

De Niro es Ace, un gerente de casino en Las Vegas de los 70. Vemos desde los orígenes del personaje en cuanto a cómo está en la cumber hasta su caída en picada por la aparición de un amigo y ex socio al que ayuda y por la mujer de la que se ha enamorado. Esta chica extrema y perdida que no podrá salvar del mundo en el que se ha metido en la piel de una monumental Sharon Stone y de las mujeres más hermosas que han estado en pantalla. 

miércoles, 18 de abril de 2012

BAFICI toma temperatura (Por Rodrigo Chavero)



Ya arrancó el festival más importante de la temporada porteña con el habitual ritmo frenético que imponen sus más de 400 títulos en 10 días. Desarrollándose en varias sedes, BAFICI transita por un momento en que la industria nacional, específicamente, lo utiliza como plataforma de difusión. Hay pocas ediciones anteriores donde se recuerde la fortalece de los films locales presentados. Este año, en un auge de la industria favorecido por el apoyo del estado (en muchos casos, no en todos) y con productoras que se han afianzado en los últimos años, debemos decir que la estrella de esta entrega, es el cine argentino, sin dudas.


La apertura del festival estuvo a cargo de “El último Elvis”, film que ya compitiera en Sundance este año y que venía precedido de las mejores expectativas. La película de Armando Bo (apellido legendario en el medio local), es un claro exponente de lo que el festival propone: cine de autor, alejado de las presiones comerciales que lo acotan en tiempo y formato y decididamente volcado a temáticas innovadoras.  La elegida para la largada fue un claro acierto.

“El último Elvis” es una película sobre el arte, la pasión, la paternidad y la alienación. John Mc Inerny le pone la piel a un hombre que cuya vida gira alrededor del mito Presley, a un nivel que al principio incomoda a la platea, pero cuando los marcos se establecen, la historia se transforma en un interesante ejercicio de reflexión sobre cuán importante es perseguir los sueños en la vida de cada uno. Mc Inerny canta como los dioses y cada tema llega en el momento y lugar justo para acompañar una narración austera pero sólida.  Griselda Siciliani juega a ser la ex mujer del protagonista y cumple una gran labor, como el resto del elenco. Tal fue la repercusión del film, que excepcionalmente, la organización del festival agregó una función extra en la transnoche del sábado para que el público pudiera verla (a la apertura sólo fueron los invitados especiales).

Luego, el cine nacional se fue haciendo fuerte con tres títulos muy esperados por la crítica especializada local. Ellos son “Los salvajes”, “Caíto, la película” y “Masterplan”.


“Los salvajes” es el nuevo proyecto de los hombres detrás de “El estudiante”. Alejandro Fadel, guionista estrella del medio durante este último año, nos trae su primer largo en solitario acerca de un grupo de adolescentes que se escapan de un hogar de menores. Todos marginales, escapan con la vista puesta en atravesar un vasto territorio a pie y llegar a la casa de un familiar de dos de ellos. Este recorrido a campo traviesa será el eje de la película, un ejercicio antropológico notable de Fadel, en el que va delineando los valores que sostiene un sector de la sociedad al que hay que prestar atención.  Sí debemos advertir que la película es demasiado larga para el espectador tradicional aunque le auguramos reconocimiento seguro en el circuito alternativo que transitara el éxito anterior de la productora.

“Caíto, la película”, es el primer largo de Guillermo Pfening, actor consagrado y que se ha lucido en televisión en los últimos años.  Caíto es el apodo de Luis, hermano del director, quien padece una enfermedad llamada distrofia muscular de Becker que limita enormemente sus movimientos (de hecho, no puede autovalerse). Podría decirse que es un documental con elementos de ficción en el cual se parte de una premisa clara: no instalarse en el dolor y proponer esperanza. Pfening armará una “película” (con guión y todo), donde el protagónico será su hermano. Esto, que parece simple, no lo es y durante el recorrido seremos testigos de las complicaciones que acarrea llevar adelante la tarea. Pero no sólo eso, también los momentos felices y el amor que une a la familia en pos de la concreción de la idea. Emotiva.


“Masterplan”, última película que traeremos desde este post, es el primer largo de Diego y Pablo Levy. Hijos de un famoso comerciante de la zona del Once, este año ya tuvieron estreno comercial con “Novias, madrinas, 15 años” y van por más. Con el apoyo de algunos nombres importantes de la escena nacional (y algún cameo de un crítico, memorable), plantean una comedia simple y directa, lograda y simpática. Indudablemente no luce como un producto acabado, pero sí encontramos en ella un abordaje particular del humor que al cine nacional le viene haciendo falta hace mucho. “Masterplan” es la historia de una pequeña y doméstica estafa, en la que el protagonista se involucra por inexperiencia (un robo con tarjeta de crédito) y que le termina saliendo más caro de lo pensado.  Alan Sabaggh se luce al componer al neurótico tipo que debe lidiar con sus acciones equivocadas, siempre con la salida justa y el gesto correcto para resolver los diferentes estados de ánimo de su personaje. Divertida, cómplice y accesible, el cine de los Levy llegó para quedarse, sin dudas.

Hasta aquí hemos hablado de cine nacional pero hay mucha más cobertura de BAFICI en este espacio. ¿Cuál es el estreno argentino del festival que esperás con ansias que llegue al circuito comercial?

martes, 17 de abril de 2012

Cine de gangsters de los 70s a hoy

Siguiendo con la temática de ayer, a través de las películas más significativas del cine gangster voy a seguir planteando la evolucion. Ayer vimos que el cine clásico los tomaba como enfermos mentales, casi siempre de origen inmigrante y asociado a todos los vicios posibles. Claramente su final tenia q ser apocalíptico porque nadie metido en esa vida puede vivir felizmente.

A partir de los 70s y de la épica El Padrino, la perspectiva cambio. Además, no solo los gangsters tienen un comportamiento mafioso...

Vuelvo a recordar que no se trata de una recopilación de los films en los que aparezca un mafioso, sino de un intento de mostrar una evolución de la tratativa de esos personajes.

Resurgimiento en los 70s:
El Padrino en 1972



El gran clásico de Coppola nos demuestra no sólo que las organizaciones delictivas pueden funcionar de una manera organizada, con lealtades, tributos y aprovechando un sistema corrupto, sino que también hay un código moral y hay límites. La figura de Vito Corleone como cabeza de una familia amén de la cabeza de una organización, el hecho de que no se hablara de negocios en la mesa, de que la madre es sagrada, de que una cosa es el juego, pero el negocio de las drogas es demasiado sucio. Digamos que se presenta la idea de la vieja escuela y la nueva escuela y la posibilidad de dominación del territorio.

La muerte sangrienta de Sonny, su capacidad bestial, la traición de Freddo por falta de luces y una ambición desmedida y, sobre todo, que Michael que era el patriota y el que no quería saber nada de los negocios que termina metido sin asco en el medio del candelero. Brillante trilogía, pero siempre mi favorita será la primera.

Mean streets en 1973

Primera colaboración de la dupla Scorsese - De Niro en la que se cuenta la historia de dos amigos que viven en Little Italy y que uno de ellos muere por entrar al mundo de la mafia mientras se endeuda y corre miles de riesgos y el otro empieza a tener delirios místicos e intenta salvar a su amigo pero por momentos también intenta desligarse de él.

Como siempre me pasa con este director, siento que le falta fuerza al final. El desarrollo parece dispuesto a orquestar un final apocalíptico, pero se termina con gusto a poco. De todas maneras, eran ambos muy joven y la dupla fue ganando peso con el tiempo.

Para no perderse: transición desde el momento en el que espían por una ventana a una chica mientras están borrachos y cómo pasa uno de ellos a estar en la cama con la misma chica.

Muchas cosas como éstas hacen que se justifique tanto amor a Martin.

Serpico también en 1973

Si bien el personaje principal es un policía que busca limpiar la fuerza ya que no puede evitar indignarse cuando ve cómo fueron vendiendo otros policías sus intereses y cobrando tributos como si fueran parte de alguna de las bandas que persigue. Claramente él no puede morir porque no es el criminal pero termina alejado de todo, exiliado para poder sobrevivir y para poder vivir con su consciencia.

El reloaded de los 80s
Gloria de 1980

No es novedad lo mucho que me gusta el cine de Casavettes, pero si encima sumamos a su mujer, seguro que se forma un gran film.

Gloria fue amante de un mafioso en otro momento (casi otra vida) y cuando un chico termina cayendo bajo su cuidado, ese mundo que conoce tan bien se ciñe sobre ella para asfixiarla, para hacerla accionar como si fuera uno de ellos.

El desgaste emocional del personaje, el asco que siente por volver a estar ahí, terminan de darle esa atmósfera terrible que destaca al film por sobre muchos de la época.

Scarface de 1983



Mientras el planteo de Hawks era de un falso biopioc de Capone, DiPalma se atreve a llevarlo al ascenso del ambicioso y descarado cubano envuelto en cocaína que toma y se lleva lo que puede.


Esa desfachatez, el desprecio por todo, el amor al dinero y esa estética setentosa con oficinas de paredes de palmeras y ese vestuario inolvidable.


El pop de los 90s:Buenos Muchachos de 1990


El planteo de esta película es interesante desde el punto de vista del glamour con el que se cuenta ese mundo y el respeto de la figura que está por arriba.


La posibilidad de que ese ser tan poderoso y capaz de todo, le de un espacio era una cuestión mágica para el personaje pero una vez que sube e intenta vivir su idea del sueño americano, digamos que se alejaba de ser perfecto.


En Lecciones de Cine, Scorsese dice que eligió hacer muchos planos medios por sobre los primeros planos porque así podíamos ver que en ese mundo no hay figuras pesadas que estén solas, siempre están rodeados de gente. Es muy loco cómo van cambiando, hacia el final, a primeros planos.


Muerte entre las flores de 1990

Los Coen nos llevan a la época de la caída de la bolsa en una ciudad que nunca llegan a especificar. Dos amigos enfrentados por una mujer y una banda que es opositora pero también de otro origen (esto también es un tema recurrente) termina de formar el conflicto central.

También están presentes las guerras habituales entre las bandas, de hecho se remarca que el personaje principal es un sobreviviente a ellas, pero con la magia del corazón blando. De mis favoritas de estos grandes realizadores y siempre me acuerdo de ese hombre del sombrero.

Carlito’s way de 1993

Presentando al personaje desde su caída y subrayando la característica que tanto lo destaca (Carlitos siempre tiene esperanza) nos lleva al momento en el que es dejado en libertad condicional después de cumplir cinco años de su condena. Pero miren cómo es el mundo que su propio abogado es quien le da trabajos y es el que le pide que maneje un club que se llama “El Paraíso”.

Mientras Carlitos jura que ya cumplió con su parte criminal y que ahora va a vivir honestamente, y todo termina orquestándose para que él tenga que comprar esa libertad. Como no tiene dinero, será con trabajos.

A medida que avanza el film, vemos que muchos de los personajes tienen esa idea de trabajar un tiempo en esas bandas para luego poder hacer su vida. Después los hechos demuestran que es mucho más sencillo que entren a que salgan.

Reservoir Dogs de 1992

Tarantino en su Ópera Prima nos lleva al mundo bajo que tanto disfruta en el que una pandilla no tiene lazos reales, sino que es armada por alguien externo que les da un objetivo y unos nombres en código para que no puedan delatarse (en colores, herencia de “el señor marrón” de BuddyBuddy).

El infiltrado de la policía, el sadismo, la paranoia y mucha cultura pop se sacuden en la coctelera de esta gran peli de culto.

Pulp Fiction de 1994

Con una estructura episódica al mejor estilo Fellini, Tarantino nos cuenta esta sicodélica historia de matones, drogas y esta persona máxima que casi ni figura más que para dar temor.

Como siempre en el caso de este director, hay una desdramatización de la violencia que es remarcada en manos de una serie de matones de poca monta y una capacidad de hablar sobre nada que es infinita.

Casino de 1995

Acá tenemos muchos elementos más de un cine similar al clásico. La representación, de todas maneras, siguen siendo los 70s en Las Vegas.

Desde los orígenes hasta su ascenso, la mujer que no es una santa pero que se convierte en su punto débil, el rango de acción que tiene pero cómo se va articulando a partir de ella, de lo que le provoca, la caída de nuestro magnate. Cuanta leña del árbol caído y cuanta paranoia para librarse de los que cree sus enemigos.

El nuevo milenio:Snatch 2000

Guy Ritchie toma siempre con su humor sarcástico e irreverente al mundo bajo de la sociedad Londinense. Antes lo había esbozado con la genial Juegos, trampas y armas y humeantes, pero en Snatch lo toma a otro absoluto nivel cuando muestra al pandillero sanguinario, versus a otro que se escuda en la religión para parecer mejor negociante y, al mismo tiempo, como fachada. Además tenemos a los ladrones más estúpidos sobre la faz de la Tierra, un perro que es un depredador de absolutamente todo y los gitanos. Básicamente, todos tienen sus mafias: los rusos, los gitanos, los boxeadores ilegales, los vendedores de joyas, todos.

Camino a la perdición del 2002

Este film que esta ambientado en los 30s, muestra a un hombre de poca importancia para la pandilla para la q trabaja que tiene que ir a un pueblo remoto para cumplir con ordenes. El hombre va con su hijo que termina siendo testigo de todo el miedo y la paranoia pero sabe que su padre es un buen hombre.

Honestamente, de los mejores Jude Law y Paul Newman que vi. Gran película.

Ciudad de Dios del 2002

Esta brillante película no sólo te muestra las pandillas como resultado de un sistema corrupto y de una extrema pobreza, sino que va más allá y hasta borran el nombre de la persona: vos cuando entrás dejás de ser vos y tenés un alias, ya sos de esa sangre y ahí te morís.

El hecho de que sean chicos contra chicos, pobres contra pobres lo termina de hacer durísimo y un mensaje final que logra ver una luz al final del túnel para el espectador que tiene el alma en la mano.

De los mejores films que vi en mi vida. Recomiendo que nadie se lo pierda.

Kill Bill del 2003

Cuando una asesina a sueldo quiere dejar la banda a la que pertenecía porque estaba a punto de ser madre, toda la ley del hampa le cae encima. Los asesinos, asesinan y los que son de Bill le deben lealtad absoluta.

Pasa que nadie contaba con que ella despertara...y se ve que no del mejor humor.

Una historia violenta del 2005

Lo novedoso de esta película es que pocas habían mostrado con tanta claridad a alguien que había pertenecido a ese mundo y que logra tener otra vida, lejos de todo eso tiempo después. Para volver al genero, vienen a buscarlo pero siempre con el planteo de la crisis de identidad, que su propia familia no sabe de esto y que el parece luchar por defensa propia la mayor parte de la película.

Los infiltrados del 2006

No es de mis favoritos, pero logra tomar infiltrados desde los dos bandos por lo que muestra que los manejos no son tan diferentes.

DiCaprio, para mí, está soberbio en la piel de este policía que cada vez está más paranoico y, al mismo tiempo, está muy encandilado con la figura de Nicholson, porque por más que no estés de acuerdo con sus métodos, nadie puede ser inmune a una presencia legendaria.

Running scared del 2006

Este film nunca se estreno en Argentina porque tiene unas escenas bastante fuertes que involucran la pedofilia y gore, encima, pero la verdad es que es muy bueno. El planteo acá es de un infiltrado pero que su rol es el de borrar las huellas de la mafia atrás de ellos para que la policía no los pesque. El tema es que el vecino amiguito de su hijo, decide robar un arma para amenazar a su violento padre.

Cuestión: el personaje tiene que intentar salvar al chico, zafar de la mafia autora del crimen con ese arma, de la banda a la que pertenece el padre del chico, que la policía no lo venda y todo eso en dos horas.

Promesas del Este del 2007

Lo genial de esta película que solo podía hacer Cronenberg es que te muestra el proceso y la red que se teje al rededor del personaje, que se cree inmune. Como esta espiando y tiene que llevar todo a las máximas consecuencias para poder camuflarse, la soga se le aprieta en el cuello. Acá no hay un deseo de poder, no hay un negocio que le interese, no hay mentira mayor que la de pensar que a lo mejor el no caía...

¿Hacia dónde creen que va a tirar el género para lograr perpetuarse?

domingo, 15 de abril de 2012

Cine de Gangsters. Día 1: El nacimiento y el cine clásico

Según cuenta Herbert Asbury en Pandillas de Nueva York, un gangster era un ignorante, de naturaleza violenta y que cometía delitos porque nada lo apegaba a la vida: no tenía nada. Venían de tierras lejanas, a veces ni siquiera hablaban el idioma, con la promesa de un futuro mejor pero Estados Unidos se estaba formando y ahí había muchas cosas que hacer antes de cumplir esas doradas promesas. 


El cine de gangsters nace con una tipología marcada que luego inspiraría al Film Noir. Con claras bases en el expresionismo alemán, podemos encontrar iluminaciones contrastadas, los siempre solitarios y viciosos espacios de las grandes urbes y un personaje solitario que debe enfrentarse a esto. Mientras en las pelis, los mafiosos tienen constantes luchas de poder que casi siempre culminan en un enfrentamiento en el que corren ríos de sangre, el cine negro toma como personaje principal al detective solitario y ermitaño que va un paso adelante del resto pero que no puede evitar asquearse con lo que ve. 

Con el paso del tiempo, cada vez es más complejo hablar de un género. El cine llamado así por apegarse a las características básicas que responden a una tipología va desapareciendo de a poco para dar más lugar a los híbridos. De repente vemos, como en este último tiempo, a un superhéroe de la mano de Nolan que pasa de ser cine de acción o aventuras a ser un policial negro con tintes de thriller. Es mi forma de decirles que todo lo teórico que viene ahora está pensado en un cine que ya no necesariamente existe, pero que tampoco está 100% muerto. 

En el cine de gangster el personaje principal suele funcionar como narrador, por lo cual el punto de vista está dado principalmente por el crimen organizado. Acá no se trata de que te digan cómo lo van a agarrar, sino lo que hacen para existir. Dependiendo de la época a la que responda la película, el personaje principal puede contarte la historia que lleva a su muerte o cómo logra abrirse, pero una vez que ha entrado en ese mundo, no se sale ileso. 

Los 30s fueron la Era Dorada de este género que luego va deviniendo de a poco en el cine negro con el apoyo de la post guerra. De repente, es una visión melancólica de lo que ya no será que pega muy bien con lo que se vivía. No sería hasta los 70s donde volvería al ruedo este cine mostrando que la cosa nostra sigue siendo vigente. 

Por favor, tengan en cuenta que el objeto de estos posts es el de marcar una evolución, no de hacer un listado de las películas que tengan algo de la temática gangster. Claramente faltarán títulos. 

Algunos aspectos recurrentes: 

- Protagonista de origen inmigrante. Vienen en busca de trabajo, de ganarse la vida pero son gente sin medios. Mucho menos intelectuales. 

- El encuentro en su juventud con una figura que lo toma bajo su ala. Le da el voto de confianza. 

- En la etapa clásica sobre todo no hay una idea de justicia ni de sistema judicial: los gangsters no van presos, sino que terminan sueltos o muertos. 

- Presagios de la caída del personaje: traición, muerte de la mano derecha o del mejor amigo. 

- La banda o la “familia” como grupo de pertenencia. 

- Policía corrupta o inoperante 

- Vidas en guettos. Como viven en grandes ciudades, tienen barrios en los que se relacionan con inmigrantes de los mismos orígenes. Será por las luchas de territorio que se enfrentarán y en ese espacio se mantendrán las costumbres e idioma. 

- La idea del tributo que se debe pagar por protección. Es el sello de lealtad a una banda. 

Algunos teóricos dicen que la raíz del cine de gangster puede tomarse en el western (partiendo de la idea de Asalto y Robo al Tren del Dinero), ya que básicamente un gangster pertenece a una banda delictiva y es bastante básico. 

El gangster en el cine clásico: 


En 1927 se estrena Underworld. Este film es el primero en enfocarse en el punto de vista del criminal pero sin deseos de ensalzarlo ya que tiene como premisa el fin violento. 

Como todo inicio, no es de lo más brillante pero inicia con esa atmósfera de triángulos amorosos y de las relaciones interpersonales en el mundo bajo. Basado supuestamente en un verdadero delincuente de Chicago, tiene toques moralistas respecto a su final y el que a hierro mata, a hierro muere. 


Un año más tarde llega The Racket. Acá hay una consciente demonización del rol del gangster y una necesidad de pintarlo como un enfermo mental. Este tipo va contra todo lo que es bueno y natural, no tiene moral ni lazos y sólo le importa el dinero. Al menos eso dicen de esta cinta. Si bien hay algunos fragmentos en youtube, la cinta se supone que no cuenta con más de una copia, hallada en la filmoteca de Howard Hughes. No todo está perdido: Turner Classic Movies la pasó en el 2006 en su grilla y es probable que se la pueda volver a encontrar.


En 1931 llega “Enemigo Público”. Acá volvemos a ver el ascenso y caída de Tom, quien al principio logra ver el hueco para entrar pero con la muerte de un miembro de las bandas de Chicago, todo puede transformarse en daño colateral de una guerra de familias mafiosas. 

Vuelve a tomar a La Ley Seca como la base de la promoción de la delincuencia y ambienta la historia en esa época. 


En 1932 llega Scarface, título que veremos dos veces y de la mano de dos directores porque si bien De Palma se inspiró en éste, no son exactamente iguales ni van de lo mismo. 

Cuando Tony aparentemente asesinó a un capo mafia por órdenes de Johnny Lovo, el poder se lo queda éste pero no sin antes advertirle que no se meta con otra de las bandas. Pronto se va a dar cuenta de que en realidad Tony lo que quiere es provocar a todo el mundo y luego quedarse en el lugar que tiene Lovo. 

Acá su hermana no lo deja solo, sino que hay una idea de unidad entre ellos. Lazos que no parecían posibles en otros films de este tipo. Además, él asesina a su amigo por creerlo un traidor pero no se da cuenta de lo que realmente duele de esta situación es lo mucho que lo quería y confiaba en él. 

Su muerte es mucho menos monumental que la de Pacino, de hecho hasta llega a rogar por su vida pero los que lo matan son policías, no otra banda. 


En 1938 llega Angels with dirty faces. Acá los delincuentes ya no eran una contracara ni una enfermedad, sino una desviación. Tienen conciencia y lazos, existe la idea vaga de un sacrificio, pero sin alejarnos demasiado del planteo más clásico. 

Rocky y Jerry son amigos que tuvieron vidas diferentes por pura casualidad. Ambos robaban autos hasta que Rocky por salvarlo, cae en manos de los guardias. Mientras uno se dedica a la delincuencia de grande, el otro es cura. 

A medida que las cosas evolucionan cuando se vuelven a ver, más verán las posibilidades que tienen de sobrevivir. En el caso del gangster, como ya saben, no son muchas. Más si la competencia es un hombre de Dios… 


En 1939 llega “The roaring twenties”. En este caso no se intent ser una crónica de algo que en teoría está pasando sino que te cuenta lo que sucedió a principios de los 20s pero que a finales de la siguiente decáda, ya no tiene espacio. Esto acompaña un poco el contexto social ya que estaban a punto de entrar en otra guerra, no había tantos problemas económicos y Capone estaba tras las rejas. 

Acá se retrata la miseria post la Primera Guerra. No hay nada al azar cuando encima se cae la bolsa de Wall Street. Como si esto fuera poco y caen en el mundo bajo por falta de chances, dos amigos se enamoran de una chica que por falta de mejores opciones para sobrevivir se prostituye. 

Pero acá hay un sentimiento de lealtad en el que la familia se respeta al igual que la elección de una dama y que el amigo vale defenderlo aunque cueste la vida. 


En 1949 llega All the King’s Men. Lo más interesante de esta tratativa es que Eillie era un hombre honesto y con una propuesta que quería ser beneficiosa para todos, pero el conocer el ambiente y la gente con la que se va relacionando termina de convertirlo en una rata peor de las que perseguía. Interesante ver cómo toman su habilidad y facilidad para relacionarse con la gente para repetir discursos demagógicos y cargados de un simbolismo que él no cree, pero cumple en las urnas. 

Todos los que saben jugar a estos juegos tienen que ensuciarse las manos aunque sea una vez…¿No? 


En 1954 llegaba “On the waterfront”. Elia Kazan lograba otra vez sacarle maravillas a Brando y eso que él ya era una maravilla. 

El mundo de los sindicatos empieza a plantearse primero con un dejo de política, luego marcadamente como banda y el hecho de que nuestro personaje principal sea un ex boxeador que es no sólo testigo, sino arma contra todo esto, termina formando una historia impresionante. 

Johnny, este personaje espectacular, conoce a la hermana de una de sus víctimas y esto le produce tal efecto que busca tener un cambio de vida radical. Entre ellos el ir a la justicia para contar lo que sabe. ¿Será posible que alguien lo proteja? 


En 1959 llegaba la comedia increíble de Billy Wilder. Acá, como siempre, se revela un poco de su mala leche para reírse de la tipología del gangster en el que no sólo eran poco sutiles sino que hasta llegaban a la imbecilidad de hacer una convención en la que entregan las armas en la puerta y después no entienden los mismos secuaces cuando van a ser asesinados. 

La mejor corona para dejar pasar a un cine que por un tiempo murió…pero ¡Cómo volvió! Los 70s en adelante, mañana. 


jueves, 12 de abril de 2012

El 14° BAFICI ya está en la ciudad de la furia



El BAFICI siempre es un evento hermoso de ver. Tiene propuestas variadas, espacios variados y la verdad es que, como diría Rodrigo Chavero, "hay una fauna muy particular". Este año andamos un poco locos, pero nadie mejor que él, que es un veterano del festival, para dejarnos sus consejos útiles.

Tomen lápiz y papel que acá el creador de El Espectador Avezado nos da las directivas de cómo aprovecharlo.




BAFICI para Principiantes

Los cinéfilos porteños tenemos pasión por el BAFICI. Tanto hablamos de él, que a veces perdemos de vista que gracias a internet, estamos en contacto con todo el mundo y que no todos conocen el origen, espíritu y propuesta de este festival.

El BAFICI nació en 1999. Nació como iniciativa de la Ciudad de Buenos Aires (gestión Aníbal Ibarra) organizado por la Secretaría de Cultura. La cadena Hoyts facilitó parte de sus instalaciones  y junto a otras salas más tradicionales, se fue armando un circuito para ofrecer cine no comercial, e independiente. Aquella edición tuvo más de 146 invitados ese año, entre ellos reconocidas figuras internacionales como Francis Ford Coppola, Todd Haynes o Paul Morrissey entre otros y se proyectaron más de 150 películas entre nacionales y extranjeras. La convocatoria fue de alrededor de 120.000 espectadores.

Lo que comenzó como una intención clara de abrir un espacio, fue consolidándose con el correr de los años. Si bien en 2002 se temió por su realización (la crisis de ese año hizo tambalear la entrada de material de los festivales europeos), siempre el BAFICI concitó la atención de un público selecto, que incrementó su número a través de los años. Lo que siempre se discute en círculos cinéfilos es si es un punto de referencia para la industria o no, teniendo en cuenta que muchos de sus premiadas, no tienen eco ni respuesta comercial fuera del festival.

Si tenés curiosidad sobre BAFICI, es bueno que sepas algunas cosas. No todo lo que exhibe (en general, en esta época, más de 400 títulos en 10 días), vale la pena. Es cierto que ofrece muchas propuestas interesantes para un público preparado, curioso y abierto, aunque es bueno saber que este evento habla de cine independiente, por lo cual, en muchos casos, está hecho por artistas experimentales, con presupuestos bajos, con pocos casos filmados en 35mm.

Mucha de la fauna cinéfila de la ciudad se vuelca a él, dispuesta a disfrutar una propuesta distinta, pero termina en una sala viendo una película checa de 160 minutos de duración, hecha con una cámara portátil digital en la cual el protagonista se encuentra todo el tiempo (por ejemplo), dentro de una casa sin salir. Es bueno estar atento a lo que es “digerible” para el público tradicional.

Estamos de acuerdo en que es interesante recorrer filmografías que nunca llegarán a salas comerciales. Pero depende mucho del gusto específico del espectador. Es decir, cuidado a la hora de recibir recomendaciones. El año pasado me dijeron “andá si o sí a ver ‘Uncle Boonmee who can recall his past lives” dirigida por el mimado de la prensa Apichatpong Weerasethakul, y me provocó náuseas estar en sala ante semejante bodrio.  Hay que tener mucho cuidado con el cine “festivalero”, ese que premian festivales y que están lejos del calor popular. No pretendo que BAFICI ocupe el lugar de MARFICI (Festival de Cine de Mar del Plata), para nada. Son cosas distintas, pero si advierto que a veces la prensa acompaña con mucho reconocimiento algunos estrenos que aparecen en el festival y que no son para todo público.

¿Qué secciones ver? ¿Cómo reconocer si algo es bueno o no a la hora de elegir?

Algunos pocos consejos útiles que trae un veterano espectador:
1)     No quieran abarcar mucho. El ver tanto a veces es contraproducente, porque hacia el final, las películas se sufren, más que se disfrutan, por el desgaste que significa ver varias cintas durante el día. Sí, BAFICI dura poco y por eso hay que aprovecharlo. Pero si no organizás tus descansos, promediando el festival, comienza a costarte. Creeme.
2)     Informate mucho de lo que vas a ver antes. Hay secciones (Panorama, Trayectoria, Nocturna), que tienen mucho material (reseñas) disponibles en internet porque tienen un tiempito. Rastreá que pensó la crítica, mirá el tráiler, lee sobre ella. Tratá de achicar el margen de error.
3)     Organizá tu vida especialmente para el festival. Que tu familia y amigos sepan donde estás y que respeten tu interés. A veces alguien saca 20 entradas, llega a su hogar y entiende que ir tantas veces a sala es impracticable. Si vivís lejos, no más de 3 películas en el día. Y al siguiente, descansá mucho. Es bueno también no sobrecargarse con lo que uno quiere ver.
4)     No creas que todo lo que aparece en BAFICI no tendrá estreno comercial. Charlá con periodistas y averiguá. Se tiene una idea de si llegarán a salas o no. De nada vale a veces esforzarse en ver algo que a los 7 días se estrenará. Es preferible  antes que eso, un buen documental o un musical.
5)     Charlá mucho con la gente que está en el festival con vos. Ayuda mucho a anticipar lo que vas a ver y enriquecerte con opiniones distintas. El lugar está lleno de estudiantes de cine muy informados dispuestos a la charla rápida. Escuchá, fíjate si recomiendan algo, buscá entradas y modificá tu recorrido de acuerdo a ese feedack. No lo subestimes.
6)     Conservá la programación. Muchas veces pasados unos días podés conseguir en salas de cine arte o dvd lo que no llegaste a ver (las distribuidoras usan BAFICI como plataforma publicitaria).
7)     Aprovechá la secciones “Noches Especiales” si querés conocer a tu director argentino favorito. Muchas veces se quedan después de la proyección a charlar con la gente. Ideal para sacarte una foto con el elenco o el cineasta responsable.


Bueno, este punteo es sólo para quienes no han vivido BAFICI en su plenitud. Quizás les
parezcan notas demasiado simples, pero créanme, si alguien me las hubiese dado en su
momento, las hubiese valorado mucho! El diablo sabe por diablo, pero más por viejo!

Para tener novedades día a día del BAFICI, no se olviden de
entrar a El Espectador Avezado y de seguirnos en tw @espectadorweb.